Giovanni di Niccolò Luteri, conocido como Dosso Dossi (Tramuschio, Módena, Italia, 1490-1542) fue un pintor renacentista de la Escuela de Ferrara, cuyo representante más destacado es, posiblemente, Mantegna. Se ve influído por Tiziano, Giorgione y, en general, por todo el colorismo de la escuela veneciana. Su obra es fundamentalmente mitológica y alegórica. Al respecto cito textualmente el comentario vertido en la página de la Galería Uffizi:
«Las pinturas alegóricas fueron definidos por el término «rotura«, en el sentido de la aparente facilidad que oculta una composición bastante complicada. Esto se puede ver a partir de las posturas no convencionales de las figuras, que son casi satíricas e introducidas en composiciones complejas. Un ejemplo está representado por Pan e la ninfa, una obra de 1524, que todavía confunde a los estudiosos y críticos…»
Con esta obra, de admirable composición, abro esta pequeña muestra de los desnudos de este artista.
Natale Bentivoglio Scarpa, que se hizo cambiar el nombre por el de Cagnaccio di San Pietro (Desenzano del Garda, Lombardía, Italia, 1897-1946) fue un pintor realista del que no conozco muchos desnudos, pero los que he podido encontrar son verdaderas obras maestras. Parece ser que la primera etapa del pintor fue futurista. En los años veinte dio paso a un realismo de tipo expresionista – en tanto que intenta reflejar los conflictos de la sociedad del momento – pero con unas características muy particulares que lo separan de la nueva objetividad alemana, y que se conoció en Italia como «realismo mágico». Un magnífico ejemplo de su producción lo tenemos en su obra «Primer dinero». Según comenta Emilia Bolaño en HA! observamos una modelo que se muestra en una posición retorcida, aparentemente agotada, con su paga que adquiere un carácter tan prominente, que parece obtenida por la prostitución.
Primer dinero – Cagnaccio di San Pietro
La obra más conocida del autor es «Después de la orgía». Parece que esta obra se encuentra, de algún modo, ligada a la que acabamos de ver. ¿Tres mujeres similares o una misma mujer que duerme o duermen en distintas posturas?. Lo que está claro es que no necesitamos el título para conocer la situación. Juego, alcohol y sexo (insinuado por ese sombrero y guantes) nos presentan unas figuras a través de una mirada más crítica que erótica. Una presentación hiperrrealista (antes de que existiese ese movimiento) con líneas de contorno duras y delimitantes, sin sombras. La presentación de los objetos en el suelo muestra una artificialidad buscada. No hay bebidas derramadas, no hay suciedad. El autor firma en un un papel semi-enrollado que ocupa la misma posición que el dinero en la pintura anterior.
Después de la orgía – Cagnaccio di San Pietro
Una situación similar se aprecia en «Zoología» cuyo título está referido a ese libro que, nuevamente, ocupa la posición inferior derecha del cuadro. Posiblemente alude a una expresión sexual que no nos diferencia de los animales. Las expresiones, especialmente la de la mujer, parecen contradecir la aparente violencia sexual derivada de la posición de manos y brazos.
Zoología – Cagnaccio di San Pietro
La crítica social parece suavizarse en «Mujer en el espejo». La mujer pinta ensimismada sus labios mientra dialoga con una imágen o imágenes que le devuelve el espejo como la expresión de la mirada del otro.
Uno de los pintores australianos más destacados del siglo XX fue Charles Blackman (Sidney, Australia, 1928-2018). En 1959 fue uno de los firmantes del «Manifiesto de las Antípodas», que aglutinó a un grupo de artistas australianos a favor de la figuración y en contra del expresionismo abstracto. Sin embargo, podemos comprobar en sus pinturas que, el carácter realista de las mismas se encuentra muy alejado de ese esquema decimonónico que se mantuvo soterrado mucho tiempo en el siglo pasado. Difícilmente etiquetable en un estilo artístico particular, sus obras suelen mostrar un toque de ensoñación y misterio. La obra gráfica de este artista es muy abundante, y se hizo famoso por sus ilustraciones de Alicia en el País de las Maravillas de Lewis Carroll. Las obras que le muestro corresponden, sin embargo, a sus desnudos pictóricos. Con un colorismo»fauve» nos muestra un mundo femenino, a menudo acompañado de gatos, su animal favorito.
La figura de Arthur B. Davies (Utica, Nueva York, USA, 1863-1928) es singular. Wikipedia nos comenta su curiosa vida matrimonial con la médica Virginia Meriwether, pero también resulta muy original su producción pictórica, que es lo que nos interesa aquí. David se vio inicialmente fascinado por las pinturas realistas holandesas, que conoció por sus frecuentes viajes a Europa, pero desarrolló una obra basada en figuras lánguidas, próximas a los prerrafaelistas. Formó parte del grupo realista americano conocido como «Escuela de Ashcan» o «The Eight», que ya comentábamos en el caso de otra figura del mismo: John Sloan. Se contrapone en cierto modo su pintura a las vanguardias europeas que, como principal impulsor de la gran exposición Armory Show de 1913, pretendía mostrar al público americano. Arthur B. Davies tenía la reputación de ser un verdadero experto en arte contemporáneo, y se vió influido durante un cierto tiempo con el colorismo y las formas cubistas europeas. No sabemos qué pasó. Quizás no tuvieron esas obras la aceptación deseada del público, y el artista volvió a su pintura inicial.
Koen de Cock (Gante, Bélgica, 1978) se formó en la Academia de Bellas Artes de Amberes, donde se especializó en escultura. Sus estudios le permitieron desarrollar una maestría en el dibujo del cuerpo humano que ha resultado decisiva para su obra. Adicionalmente, dos años en la Academia de Bellas Artes de Tianjin (China) y, por último, en la Academia de Bellas Artes de Tbilisi (Georgia). Hoy continúa su trabajo en su país natal. La obra de Koen de Cock se centra mucho en el cuerpo masculino, preciosista y delicado, deformado en ocasiones al privilegiar unos fragmentos corporales sobre otros, e integrado en la naturaleza. Se considera «admirador de Durero, Cranach el Viejo y Paulus Pontius, artistas en los que tiene presencia lo miguelangelesco».
Peder Severin Kroyer, o P.S. Kroyer (Stavanger, Noruega, 1851-1909) es quizás el pintor más destacado de la comunidad de Skagen. Podemos considerarlo tanto un pintor danés como noruego, pues Stavager, aunque es una localidad noruega, es fronteriza con Dinamarca, a la que pertenece Skagen. En esta última hemos visto que se reunió una comunidad artística importante cuyo objetivo fue la representación de la luz y el color; un impresionismo nórdico con influencias francesas. De hecho, Kroyer dió clase en París con Léon Bonnat y conoció a Manet, Monet, Renoir, Degas y Sisley. En sus composiciones no abundan las desnudos y, cuando los encontramos, nos muestran un mundo infantil, de niños jugando en la playa que hace que, al menos para los españoles, P.S. Severin pueda considerarse un Sorolla nórdico. Sus desnudos no parecen guardar mucha relación con los de – la que fue su esposa – Marie Kroyer, que acabamos de comentar.
En una entrada previa, he comentado la actividad del pintor Julius Paulsen, integrado en el grupo realista conocido como «pintores de Stagen». A este grupo perteneció Marie Triepcke Kroyer (Frederiksberg, Dinamarca, 1867-1940), injustamente relegada al ser la esposa del pintor Peder Severin Kroyer, una de las figuras más relevantes del grupo. Aunque su obra se vendió regularmente, vivió esa discriminación femenina a la que intentó combatir creando una escuela de mujeres con la pretensión de integrar las mismas en el mundo artístico. Pese a ello no era muy optimista y escribió:
«…A veces creo que todo el esfuerzo es en vano, tenemos demasiado que superar…qué sentido tiene realmente que yo pinte, nunca, nunca alcanzaré nada realmente grande… Quiero creer en nuestra causa, a pesar de que a veces sea terriblemente difícil…«
De algún modo se dio por derrotada y abandonó la pintura para dedicarse a la decoración de interiores y mobiliario.
Me parece justo citarla en este blog, de un modo independiente y con anterioridad, a la figura del que fue su primer marido. Su obra lo merece.
No cabe ninguna duda de que el pintor Gely Korzhev (Moscú, Rusia, 1925-2012) fue uno de los artistas realistas más destacados del siglo XX. En Wikipedia leemos:
«Un pintor del estilo aprobado por la Unión Soviética del realismo socialista, él siguió siendo activo después de la disolución de la Unión Soviética y un partidario del comunismo»
Un comentario que me parece pobre, reduccionista y centrado en una visión política. Ciertamente, en gran medida, la obra da cuenta del humanismo característico del realismo socialista, en el que el «hombre común» resulta protagonista. Sus dificultades, vida cotidiana y un fuerte rechazo a la guerra. Una guerra, la Segunda Guerra Mundial, que dejó un gran impacto en el artista. Junto a estas obras, nos encontramos con otras que parecen sumergirnos en un mundo oscuro (pienso en Goya), grotesco y un tanto surrealista. Se trata, por ejemplo, de su serie Mutantes, de la que el propio autor comentó que eran obras de difícil comprensión.
Pese a su apellido, que revela sus orígenes familiares polacos y rusos, Victor Skrebneski (Chicago, Illinois, USA, 1929-2020) es un artista norteamericano recientemente fallecido. Fue famoso como fotógrafo de moda, trabajando muy especialmente para Estée Lauder. Sus desnudos, en un oscuro blanco y negro, mostraron a numerosos artistas y amigos, siempre con un toque muy personal. Así, según nos cuenta P. Lázaro en la revista DEBULEVAR:
Durante el evento, notó que cada fotografía tiene una historia y reveló que Bowie prefería ser fotografiado desnudo. “En cada foto que lo fotografié, está desnudo”, dijo Skrebneski. “Le encantaba estar desnudo. Me dijo que no sabía cómo era. Cuando va al estudio de fotografía de todos los demás, lo visten, lo maquillan, le peinan y ese no es él, así que quería ver cómo estaba. Creo que le presenté a Iman e hice la foto de su boda y están desnudos. Es hermoso y uno de mis favoritos “.
David Bowie – Victor Skrebneski
Iman y David Bowie – Victor Skrebneski
Iman y David Bowie – Victor Skrebneski
Veamos imágenes de otros artistas:
Joe Dallesa – Victor Skrebneski
Marc y Odile – Victor Skrebneski
Muddy Waters – Victor Skrebneski
Brigitte Bazlan – Victor Skrebneski
Otras obras:
Sin embargo, en muchos casos, sus desnudos tienen un alto grado de experimentalidad. Estudios en el que el cuerpo se ve fragmentado por la luz:
Torso – Victor Skrebneski
o con claro protagonismo del movimiento. Así
Tres estudios sobre el cuerpo humano en movimiento – Victor Skrebneski
o la serie de «Cuatro estudios de figura en movimiento ascendiendo y descendiendo por un monolito de terciopelo negro»:
Desgraciadamente, no debo extenderme más, aunque la obra es abundante y variada. Finalizo con una fotografía en color:
La obra de Antonio González Ruiz (Corella, Navarra, España, 1711-1788) es poco conocida. Pintor barroco de la corte de Fernando VI y Carlos III, evolucionó hacia el neoclasicismo con influencias claras del clasicismo de Mengs. Fue uno de los pintores con los que se inició la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de Madrid, y dedicó a la misma prácticamente todo su tiempo. Incluso, llegó a ser director de la misma. Buen retratista y gran dibujante, podemos apreciar varios de sus desnudos realizados con esta técnica.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
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