Andrej Belocvetov (Praga, Chequia, 1923-1997) fue un artista de gran talento que estudió con Nekhlebov, discípulo de Nikolai Bakulin, J. Solar y G. Musatov. Durante la Guerra Mundial se reacionó con el grupo surrealista y se unió al Levantamiento de Praga. Mantuvo una fuerte relación amistosa con el fotógrafo pictorialista Josef Sudek, que también coleccionó su obra.
Para mí, resulta particularmente destacables sus expresivos dibujos:
En la presente entrada voy a tratar conjuntamente la obra de dos destacados fotógrafos, padre e hijo, que han tenido un papel destacado en el arte de las Islas Canarias. Leopoldo Cebrián Alonso (Burgos, Castilla y León, España, 1919-1999) fue fundamentalmente un fotógrafo paisajista, cuya obra fue muy utilizada por el Cabildo de Tenerife en sus campañas de promoción turística de las islas. Empezó a trabajar de un modo profesional en 1949 en un pequeño estudio en la isla de La Palma y en la década de los sesenta se trasladó a Tenerife.
Su hijo, Poldo Cebrián (Santa Cruz de La Palma, Islas Canarias, España, 1948) se afincó en Tenerife después de una estadía de dos años en Londres. Realiza fotografías por encargo, libros y carteles y viaja frecuentemente por Europa con su equipo de Audiovisuales Cebrián. El visionado de las siguientes imágenes nos muestra un nuevo estilo correspondiente al cambio generacional.
El Museo Tenerife Espacio de las Artes (TEA) dispone de una extraordinaria colección de las obras de estos fotógrafos y realizó una exposición, en el año 2018, titulada «Cebrián Poldo Cebrián. Dos generaciones 1949-2019«
William Zorach (Jurbarkas, Tauragé, Lituania, 1887-1966) fue un artista que emigró siendo niño a los Estados Unidos donde se nacionalizó y cambió su nombre original: Zorach Gorfinkel. Esposo de la artista Margerite Thompson, de la que ya hemos comentado, realizó como ésta pinturas modernistas en las que se aprecia la influencia de Derain, aunque posiblemente, es más conocido como escultor que como pintor.
Había pensado en dedicar esta entrada al matrimonio Zorach, pero vista la amplitud de sus trabajos, he decidido comenzar por Marguerite Thompson Zorach (Santa Rosa, California, USA, 1887-1968) pintora fauve y modernista grabadora y diseñadora textil. Se formó en Paris con las vanguardias post-impresionistas y allí conoció a Picasso, Rousseau y a Gertrude Stein. Marguerite Thompson (nombre de soltera) fue una gran viajera que se trasladó por todo Asia. En 1912 se casó con el artista William Zorach, del que hablaremos es una próxima entrada, y fijó su residencia en Nueva York.
Vojtech Kovarik (Chequia, 1993) es un joven artista formado en la Universidad de Ostrava. En su web se nos presenta de este modo:
«La obra de Vojtěch Kovařík (1993*) es un panteón donde se aglomeran los dioses y diosas de la mitología griega, donde abundan figuras confinadas en marcos demasiado estrechos para contener el peso de su propio simbolismo. Estos seres, antaño extraordinarios, ya no triunfan. Se les evoca en pinturas y esculturas al estilo de los muralistas Diego Riviera y José Clemente Orozco. Kovařík también se inspiró en las estrategias artísticas nacionalsocialistas prevalecientes antes del colapso de la URSS, dos años antes de nacer en la República Checa. Sus pinturas adoptan los mismos principios: simplicidad y claridad, uso de símbolos, trazos exagerados, colores impactantes, uniformidad y repetición. Kovařík revela la brecha entre las grandes ideologías y mitos que heredamos nuestra cultura y cada uno de nosotros, y cómo perpetúan patrones de opresión. Se dedica a deconstruir la autoridad, desmantelando las grandes narrativas y sus héroes, dejando rastros de la mitología individual y dándoles una nueva relevancia».
Josef Sudek (Kolín, Chequia, 1896-1976) es el fotógrafo checo más famoso del siglo XX. Un artista complejo cuyo estilo se movió del pictorialismo a la nueva objetividad. En esta evolución quiso rebajar el carácter artístico asociado a la pintura en el pictorialismo para dejarla centrada en el carácter documental. Con estos fines fue cofundador de la Sociedad Fotográfica Checa.
Fotográfica MX comenta:
«en sus fotografías siempre se percibe, en parte debido al manejo de luces y sombras, una presencia espiritual, que aún cuando no puede ser vista, se manifiesta mediante la dotación de cualidades vitales en los objetos retratados».
Daniel Correa Mejía (Medellín, Colombia, 1986) es un pintor, escultor y escritor que vive y trabaja en Berlín. En la presentación de su página web leemos:
«La práctica de Correa Mejía combina la pintura, el dibujo, la escultura y la escritura para extraer imágenes de su propio subconsciente y mitificar el paisaje de su mundo interior. Sus figuras, de gran simbolismo, personifican diversos estados emocionales, integrándose con su entorno a medida que la sociedad contemporánea se desvanece y se descubre el conocimiento sagrado y primordial. Yuxtaponiendo un intenso azul ultramar con un rojo vibrante sobre un lienzo de yute rugoso, Mejía invoca la naturaleza complementaria de las energías masculina y femenina para convocar el poder divino de las fuerzas contrastantes».
El artista comenta:
«Los azules y los rojos son básicos en mi pintura. Son energías opuestas que se complementan. Si se mezclan se crea oscuridad y se anulan, pero si se saben controlar, se vuelven fuertes y se resaltan mutuamente. Cada uno tiene su personalidad y representan esa dualidad en la vida».
«Siempre recurro al paisaje, al agua, al cielo. Es el entorno en el que habitamos y donde el ser humano ha buscado reflejo. Me gusta jugar deformando el lienzo, rompiendo la regla de lo recto, de lo perfecto y llegar a un estado más orgánico».
«A la sociedad le gusta seguir lo grande, entre más grande más impactante. Yo quiero que también se le de valor a lo pequeño. Con el formato pequeño hay más Intimidad y delicadeza y obliga al espectador a acercarse a la obra, a mirar su materialidad».
Vladimir Veličković (Belgrado, Vojvodina, Serbia, 1935-2019) fue el creador de una obra dramática, trágica y con cuerpos desgarrados, que podemos considerar deudora del expresionismo alemán de la entreguerra, sentido ahora a través de las experiencias del artista en la Segunda Guerra Mundial y durante la posterior ocupación de su país. Y, sin duda, la influencia artística de Francis Bacon.
Galería MC comenta:
«Pinta hombres o animales, las más veces ratas o perros cuyos cuerpos afrentan situaciones dramáticas y terroríficas. Velockovic “intenta ante todo dejar una cicatriz” en la memoria de quien mira el cuadro. “La violencia en realidad, la realidad violenta siempre era para mí como un doble que se imponía” dice el artista»
Neşet Günal (Nevşehir, Turquía, 1923-2002) es el exponente más importante de la pintura figurativa del siglo XX en Turquía. Formado en la Mimar Sinan Fine Art University de su país de origen, se trasladó becado a París donde estudió con Leger. El particular estilo cubista de este artista influyó mucho en su obra posterior, aunque fue diluyendo la asepsia social de éste para ir generando una obra socialmente comprometida en la que predominan los ambientes rurales y el duro modo de vida que se da en dicho entorno.
Maritza López (Ciudad de México, México, 1949) ganadora el año pasado de la Medalla al Mérito Fotográfico, es todo un referente en la fotografía contemporánea mexicana en reconocimiento a más de 50 años de labor. Fotorreportera, cuando en su país este era un oficio casi exclusivamente masculino, estudió restauración en el Centro Paul Coleman de Bellas Artes donde recibió clases de fotografía de Antonio Reinoso. Estas clases fueron decisorias para que abandonase la restauración y se dedicase exclusivamente a la fotografía. Trabajó en numerosas revistas pero su experiencia en Eros, revista publicada en 1974 y que sólo duró 10 números debido a la censura, tuvo una gran importancia a la hora de dedicarse de un modo prioritario, a la fotografía del desnudo masculino. En la página cultural de La Jornada nos comenta:
«En esa publicación “me hice y aprendí a llegar a los cuerpos, a acercarme sin miedo, a moverlos, a tocarlos; pero ya tenía mucha experiencia con los bailarines. Siempre he sido fotógrafa de danza, y los del Ballet Nacional siempre han trabajado conmigo. Entonces, ya tenía esta experiencia.
–¿Hay diferencias de trabajar el desnudo masculino y el femenino?
–Sí, es diferente. La atención en los hombres es distinta; siempre proponen, hacen otras cosas, y en las mujeres es un poco más suave, además de que en ellas ayudan mucho las curvas; entonces, eso siempre suaviza la forma»
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
migueldesnudo 