Koen de Cock (Gante, Bélgica, 1978) se formó en la Academia de Bellas Artes de Amberes, donde se especializó en escultura. Sus estudios le permitieron desarrollar una maestría en el dibujo del cuerpo humano que ha resultado decisiva para su obra. Adicionalmente, dos años en la Academia de Bellas Artes de Tianjin (China) y, por último, en la Academia de Bellas Artes de Tbilisi (Georgia). Hoy continúa su trabajo en su país natal. La obra de Koen de Cock se centra mucho en el cuerpo masculino, preciosista y delicado, deformado en ocasiones al privilegiar unos fragmentos corporales sobre otros, e integrado en la naturaleza. Se considera “admirador de Durero, Cranach el Viejo y Paulus Pontius, artistas en los que tiene presencia lo miguelangelesco”.
Peder Severin Kroyer, o P.S. Kroyer (Stavanger, Noruega, 1851-1909) es quizás el pintor más destacado de la comunidad de Skagen. Podemos considerarlo tanto un pintor danés como noruego, pues Stavager, aunque es una localidad noruega, es fronteriza con Dinamarca, a la que pertenece Skagen. En esta última hemos visto que se reunió una comunidad artística importante cuyo objetivo fue la representación de la luz y el color; un impresionismo nórdico con influencias francesas. De hecho, Kroyer dió clase en París con Léon Bonnat y conoció a Manet, Monet, Renoir, Degas y Sisley. En sus composiciones no abundan las desnudos y, cuando los encontramos, nos muestran un mundo infantil, de niños jugando en la playa que hace que, al menos para los españoles, P.S. Severin pueda considerarse un Sorolla nórdico. Sus desnudos no parecen guardar mucha relación con los de – la que fue su esposa – Marie Kroyer, que acabamos de comentar.
En una entrada previa, he comentado la actividad del pintor Julius Paulsen, integrado en el grupo realista conocido como “pintores de Stagen”. A este grupo perteneció Marie Triepcke Kroyer (Frederiksberg, Dinamarca, 1867-1940), injustamente relegada al ser la esposa del pintor Peder Severin Kroyer, una de las figuras más relevantes del grupo. Aunque su obra se vendió regularmente, vivió esa discriminación femenina a la que intentó combatir creando una escuela de mujeres con la pretensión de integrar las mismas en el mundo artístico. Pese a ello no era muy optimista y escribió:
“…A veces creo que todo el esfuerzo es en vano, tenemos demasiado que superar…qué sentido tiene realmente que yo pinte, nunca, nunca alcanzaré nada realmente grande… Quiero creer en nuestra causa, a pesar de que a veces sea terriblemente difícil…“
De algún modo se dio por derrotada y abandonó la pintura para dedicarse a la decoración de interiores y mobiliario.
Me parece justo citarla en este blog, de un modo independiente y con anterioridad, a la figura del que fue su primer marido. Su obra lo merece.
No cabe ninguna duda de que el pintor Gely Korzhev (Moscú, Rusia, 1925-2012) fue uno de los artistas realistas más destacados del siglo XX. En Wikipedia leemos:
“Un pintor del estilo aprobado por la Unión Soviética del realismo socialista, él siguió siendo activo después de la disolución de la Unión Soviética y un partidario del comunismo”
Un comentario que me parece pobre, reduccionista y centrado en una visión política. Ciertamente, en gran medida, la obra da cuenta del humanismo característico del realismo socialista, en el que el “hombre común” resulta protagonista. Sus dificultades, vida cotidiana y un fuerte rechazo a la guerra. Una guerra, la Segunda Guerra Mundial, que dejó un gran impacto en el artista. Junto a estas obras, nos encontramos con otras que parecen sumergirnos en un mundo oscuro (pienso en Goya), grotesco y un tanto surrealista. Se trata, por ejemplo, de su serie Mutantes, de la que el propio autor comentó que eran obras de difícil comprensión.
Pese a su apellido, que revela sus orígenes familiares polacos y rusos, Victor Skrebneski (Chicago, Illinois, USA, 1929-2020) es un artista norteamericano recientemente fallecido. Fue famoso como fotógrafo de moda, trabajando muy especialmente para Estée Lauder. Sus desnudos, en un oscuro blanco y negro, mostraron a numerosos artistas y amigos, siempre con un toque muy personal. Así, según nos cuenta P. Lázaro en la revista DEBULEVAR:
Durante el evento, notó que cada fotografía tiene una historia y reveló que Bowie prefería ser fotografiado desnudo. “En cada foto que lo fotografié, está desnudo”, dijo Skrebneski. “Le encantaba estar desnudo. Me dijo que no sabía cómo era. Cuando va al estudio de fotografía de todos los demás, lo visten, lo maquillan, le peinan y ese no es él, así que quería ver cómo estaba. Creo que le presenté a Iman e hice la foto de su boda y están desnudos. Es hermoso y uno de mis favoritos “.
David Bowie – Victor Skrebneski
Iman y David Bowie – Victor Skrebneski
Iman y David Bowie – Victor Skrebneski
Veamos imágenes de otros artistas:
Joe Dallesa – Victor Skrebneski
Marc y Odile – Victor Skrebneski
Muddy Waters – Victor Skrebneski
Brigitte Bazlan – Victor Skrebneski
Otras obras:
Sin embargo, en muchos casos, sus desnudos tienen un alto grado de experimentalidad. Estudios en el que el cuerpo se ve fragmentado por la luz:
Torso – Victor Skrebneski
o con claro protagonismo del movimiento. Así
Tres estudios sobre el cuerpo humano en movimiento – Victor Skrebneski
o la serie de “Cuatro estudios de figura en movimiento ascendiendo y descendiendo por un monolito de terciopelo negro”:
Desgraciadamente, no debo extenderme más, aunque la obra es abundante y variada. Finalizo con una fotografía en color:
La obra de Antonio González Ruiz (Corella, Navarra, España, 1711-1788) es poco conocida. Pintor barroco de la corte de Fernando VI y Carlos III, evolucionó hacia el neoclasicismo con influencias claras del clasicismo de Mengs. Fue uno de los pintores con los que se inició la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de Madrid, y dedicó a la misma prácticamente todo su tiempo. Incluso, llegó a ser director de la misma. Buen retratista y gran dibujante, podemos apreciar varios de sus desnudos realizados con esta técnica.
Achile-Émile Othon Friesz (Le Havre, Francia, 1879-1949) fue un pintor fovista francés que pronto se autodenominó Othon Friesz. Amigo toda su vida del destacado fovista Raoul Dufy, estuvo también en contacto con todos los miembros importantes del grupo: Matisse, Marquet y Rouault, por ejemplo. Su colorismo fuerte y violento, seña de identidad del movimiento, se fue moderando con el tiempo para ir adoptando un estilo muy personal con elementos que recuerdan el constructivismo, manteniendo siempre la clara influencia de Cézanne, así como un mayor clasicismo a la hora de estructurar sus composiciones.
Muy relacionado con las pinturas metafísicas comentadas en la entrada anterior y, especialmente, de Giorgio de Chirico, nos encontramos con las pinturas del holandés A. Carell Willink (Amsterdam, Países Bajos, 1900-1983). Su estilo se ha denominado, generalmente, realismo mágico. Con una formación fundamentalmente alemana, formó parte del Novembergruppe, un movimiento artístico alemán de corte expresionista, que se mantuvo hasta la llegada del nazismo. Se destacó por sus retratos y la confrontación de los mismos con unos paisajes que les proporcionan un toque intrigante. Aunque no tenga relación con el desnudo, es inevitable la referencia a su obra Wilma, de 1932. La figura está vestida pero pienso que revela lo que, sobre el mismo, comenta el catálogo de la exposición “Les Réalismes. 1919-1939”, llevada a cabo por el Centro George Pompidou de París en 1980-1981:
“Esta nueva visión [del realismo mágico] no tiene nada que ver con la del siglo XIX, una copia de las cosas de la vida cotidiana, como también lo hizo muy bien Chardin en el siglo XVIII. Es la confrontación con un mundo de apariencias que nunca han sido tranquilizadoras, nunca completamente reconocibles, en las que el objeto más pequeño y familiar puede convertirse en una “cosa” incomprensible y angustiosa, un mundo extraño y más horrible en su reserva altiva que la pesadilla más opresora. Un paisaje soleado, en otro tiempo símbolo de paz pastoral, puede convertirse en una amenaza considerable”
Este esquema radical se aprecia incluso en muchos de sus desnudos. Aquí una muestra de los mismos:
Cuando intentamos hacer un mapa mental de la situación del desnudo en el arte en las primeras décadas del siglo XX, tendemos a basar el realismo exigido – imprescindible para poder hablar de cuerpo desnudo – en el realismo desarrollado en la segunda mitad del XIX, con algunos toques de simbolismo, y en la contribución de los expresionistas, usualmente alemanes. No fueron los únicos movimientos artísticos ajenos a los experimentos de la abstracción, pero fueron decisorios. Sin embargo, no debemos olvidarnos de las corriente clasicistas que, en Italia de los años 20 dieron lugar a un movimiento destacado: el Novecento. Este movimiento se centró en una Roma clásica idealizada, con formas muy geometrizantes y un cierto carácter surrealista en los paisajes. Es muy conocida la obra de Giorgio de Chirico o Carlos Carrá, con su carácter metafísico. En este grupo podemos incluir a Mario Sironi (Sassari, Italia, 1885-1961). Su producción se inició en el futurismo (estuvo en contacto con Gino Severini y Umberto Boccioni), para pasar a un arte metafísico de terminó en un realismo plenamente novecentista. Aquí les muestro algunas de sus obras que expresan, de algún modo, una transición del cubismo al realismo.
Quisiera llamar la atención sobre la obra escultórica de Lars Calmar (Langeland, Dinamarca, 1968), un artista que trabaja magistralmente la cerámica y que crea una obra original y expresiva, sin concesiones a ningún esquema estético corporal y con una notable ironía y sentido del humor. Flojedad, arrugas, obesidad, se muestran frecuentemente en unos cuerpos que parecen mostrarnos el paso del tiempo y la vulnerabilidad. Una autoafirmación más allá de la posible existencia de un espectador.
Voy a finalizar con la muestra de una escultura muy particular, fruto de su colaboración con Jens Galschiot. Se trata ahora de un bronce. La obra se denomina algo así como “la supervivencia del más gordo”. Una justicia ciega y “pesada” soportada por un africano malnutrido.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña “Libro”
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
