Pongo esta etiqueta porque siempre he afirmado que, dentro del mundo queer, las manifestaciones de un arte que indique claramente una identidad homosexual femenina, son muy escasas. Me ha sorprendido muy favorablemente la obra de la artista Kubra Khademi (Kabul, Afganistán, 1989). La etiqueta de arte queer aplicada a la misma puede ser muy limitante, pues si hay algo que puede destacarse en la obra de esta pintora y performer es su fuerte activismo feminista.
Khademi se vió obligada a huir de Afganistán en el año 2015 debido a las amenazas de muerte y se estableció en París. Es una de las «artistas-revelación» de la Feria ARCO 2026.
Ivan Pokidyshev (San Petesburgo, Rusia, 1993) es un joven artista ruso que nos muestra unas imágenes encantadoras que no se ven moduladas por la luz sino que son fuente de la misma.
«Pokidyshev fusiona intelecto y emoción en su obra, utilizando termografía infrarroja para crear imágenes luminosas que transmiten calidez humana. Sus primeras obras, que él denomina «autorretratos en mosaico», exploran temas como la fuerza y la gracia, combinando imágenes contradictorias en narrativas armoniosas. En 2022, Pokidyshev cambió su enfoque, pasando de la oscuridad del mundo a iluminarlo con amor y luz. Su arte ahora irradia calidez, ofreciendo un faro de esperanza en medio de las sombras».
La práctica artística de Pokidyshev fusiona ciencia y arte, explorando las fuerzas invisibles de la luz y el calor que nos conectan. Pokidyshev comenta a My Modern Met: «Quiero crear mi propia poesía visual. La poesía del amor y la esperanza: la poesía de la luz y la calidez».
El proyecto «Luz y Calor» del artista, lanzado en 2018, representa la conexión humana al plasmar el calor como un resplandor interior que emana de sus sujetos. Pokidyshev describe el calor humano como «energía vital que fluye de una figura a otra, expandiéndose con fuerza o, por el contrario, desvaneciéndose bajo la influencia del vacío y el frío».
A medida que su obra evolucionó, el enfoque de Pokidyshev pasó del contraste físico entre el calor y el frío al poder expresivo de la luz misma. Ahora ve la luz no solo como una herramienta visual, sino como un lenguaje simbólico y emocional. «Construyo mis composiciones en torno a dos principios opuestos», explica el artista, «el resplandor que ilumina a una persona desde dentro y el oscuro vacío que la rodea».
Domenico Veneziano (Venecia Italia, 1410-1461) es un pintor relativamente poco conocido del Quattrocento italiano. No es del todo seguro su lugar y fecha de nacimiento pero si que estuvo vinculado a la escuela florentina y que se vió influenciado por el tratamiento de las figuras y espacio de Masaccio y Paolo Uccello. En su obra se destaca el notable tratamiento del color. No dispongo de muchas muestras de sus representaciones de desnudos, aunque algunos de los mismos son notables. Destaco su «San Juan en el desierto» en el que el santo se nos muestra cambiando sus ricas ropas por un tosco abrigo de pelo de camello.
San Juan en el desierto
Me resulta particularmente atractiva esta imagen de la Virgen y el Niño. El tratamiento de la figura femenina recuerda todavía el arte gótico, pero la disposición del cuerpo de Jesús es claramente renacentista:
Madonna con niño
Otras imágenes del Niño desnudo:
El interés renacentista por el mundo greco-romano see muestra en algunas obras sobre temas mitológicos:
Leila Amat Ortega (Madrid, España, 1987) es una fotógrafa sorprendente. Para los que, como yo, tienen casi asociada la fotografía del desnudo con el blanco y negro, el bello cromatismo y cuidadas luces de Amat son un motivo de reflexión y placer estético. De su Biografía Curricular, mostrada en su web, entresaco algunas cosas:
«Filóloga de hispánicas y profesora de Lengua y literatura castellana, a día de hoy se dedica de lleno a la fotografía construida, canal que utiliza para dar a entender que todo lo personal es político. Conocida por su activismo dentro del tabú y el estigma que sufre el campo de la salud mental, su obra gira en torno al amor, la familia, la resiliencia, el cuerpo, el feminismo, la maternidad, la muerte o la memoria.»
«¿Qué es la fotografía para mí? […] La fotografía nos permite atrapar la realidad que somos, es una herramienta para transformar e interpretar el mundo, un instrumento para volcar lo muy únicos que somos y, por lo tanto, la perfecta oportunidad para plasmar algo diferente.»
Renato Guttuso (Bagheria, Italia, 1911-1987) es uno de los grandes artistas italianos del siglo XX. Su pintura , expresionista y con un fuerte contenido social, se caracteriza por un fuerte colorismo y un realismo que se inspira en artistas tan diversos como Millet, Courbet, Van Gogh, Carlo Carrá o Picasso.
Manuel López-Villaseñor y López-Cano (Ciudad Real, España, 1924-1996) fue un destacado pintor español del siglo XX que se mantuvo alejado de las principales tendencias del siglo. En sus obras muestra un realismo social, con elementos metafísicos, tenebristas, e influencias del Quattrocento italiano. Este notable artista fue muy admirado por Antonio López y dispone de un Museo en su ciudad natal.
La actividad artística de Guillermo Weickert (Huelva, España, 1974) es tan amplia que no me resulta fácil de catalogar. Es coreógrafo, director de escena, intérprete y docente de danza contemporánea. El artista mantiene su propia compañía de danza aunque dice haber retirado esta etiqueta de la misma. Según nos comenta en una amplia entrevista Maasåi Magazine el público suele rechazar todo lo que suene a arte contemporáneo y se queja de que en la danza contemporánea se baila muy poco.
El Auditorio de Tenerife en una presentación de la Compañía Guillermo Weickert se comenta:
«El eje central que transita sus trabajos es sin duda el movimiento que en su caso va más allá de la categoría de danza hacia un concepto de movimiento inherente a todo ser humano por tanto lugar de encuentro con el otro, de aprendizaje, educación y transmisor de riqueza inmaterial y cultural constante».
«El pensamiento que subyace en sus trabajos desafía algunas de las principales problemáticas del contexto actual de la danza como el predominio de un canon corporal normativo o las prácticas individualistas para imprimir un componente sobre todo más real y humano a la creación».
Louis le Brocquy (Dublín, Irlanda, 1916-2012) es, con Francis Bacon, el artista irlandés más famoso de los últimos tiempos. Su obra que alcanza precios millonarios en el mercado internacional y se muestra en los grandes museos de todo el mundo. Fue el primer pintor vivo que entró en la colección permanente de la Galería Nacional de Irlanda. Sus pinturas muestran, en una etapa inicial, influencias del surrealismo, pero fueron pronto dando pasos hacia un expresionismo típicamente irlandés.
En mi entrada anterior, y dada su extensión, no pude presentar la obra escultórica de Jirí Sozansky (Praga, Chequia, 1946). Complemento aquí la producción artística del mismo e incluyo numerosas instalaciones y otras obras que no soy capaz de clasificar. En todas ellas se aprecia la temática del dolor y la opresión:
Si existe un artista al que podamos considerar «hecho a sí mismo», creo que este es Jirí Sozansky (Praga, Chequia, 1946), el que fue un joven rebelde, marginal y sin recursos. Hasta 1967 en el que ingresó a sus expensas en la Academia de Bellas Artes, su mejor trabajo había sido el de albañil. Los acontecimientos sociales y políticos de 1969 supusieron para éste un punto de inflexión. Se interesaba en describir el sufrimiento humano en un entorno que pretendía mostrar sólo los postulados del realismo socialista. Sin ingresos, en muchas ocasiones lo ayudó económicamente el escultor Olbran Zoubek, del que se hizo amigo. Luchó siempre contra el sistema comunista, y su activismo quedó reflejado en la temática de una obra que se centra en el dolor, la muerte y los campos de concentración. Su abundante producción voy a mostrarla en dos partes. En esta primera las expresiones pictóricas y gráficas y, en una próxima entrada, la obra escultórica y las instalaciones.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
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