El estudio YOKUFURO fue creado por dos hermanos, los artistas Seiichi Terazono (Kumamoto, Japón, 1980) y Daisei Terazono (Fukuoka, Japón, 1987). En esta web se comenta sobre Seiichi Terazono:
«Es un buen retratista, utilizando principalmente pastel y acrílico.
Su obra presenta tanto intenciones sólidas como debilidades, y deja entrever la visión del autor sobre la vida y la muerte.
El autor no busca el realismo superficial, sino el realismo interior, explorando el concepto de «capturar el pensamiento del proceso creativo».
…»el viaje artístico de Terazono se distingue por su dominio de los pasteles y acrílicos. Sus sujetos, imbuidos de fuerza y vulnerabilidad, encarnan una dualidad que resuena profundamente con los espectadores. El trabajo de Terazono trasciende el realismo superficial, adentrándose en el reino del realismo interno, donde el proceso de capturar el pensamiento se vuelve central en su expresión creativa. A través de su arte, Terazono invita a los espectadores a contemplar las complejidades de la psique humana y el poder de la introspección»
Luz solar
Línea
Respecto de su hermano Daisei Terazono, la web del grupo indica:
«Soy bueno pintando retratos y explorando la esencia del ser humano universal, principalmente usándolo a sí mismo como motivo.
A pesar de la falta de anonimato, los motivos dibujados en un espacio de estructura compleja emanan una fuerte personalidad. La figura dibujada transmite tanto ansiedad psicológica como belleza».
…»el viaje de Daisei ha estado marcado por una búsqueda implacable de capturar la esencia de la emoción humana dentro de sus retratos. [..] la visión artística de Daisei fue profundamente influenciada por las obras de Francis Bacon durante sus años formativos. Inspirado en revelar las emociones ocultas dentro de nosotros, meticulosamente elabora retratos que exploran los ámbitos del sufrimiento, la tristeza y el dolor, emociones a menudo oscurecidas a la vista. A través de sus pinturas, Daisei transmite una sensación de malestar y soledad, yuxtaponiendo a sus sujetos contra fondos minimalistas y sobrios. Él explica: «A pesar de su anonimato borroso, las figuras irradian una personalidad distinta, evocando tanto inquietud psicológica como belleza».
En ocasiones, puede parecer confuso la atribución de la obra. a uno de los hermanos en concreto. De hecho, los dibujos de este estudio no tienen ninguna atribución en la web. Este es también el caso de esta obra:
La figura y obra de la artista Ofelia Echagüe Vera (Paraguay, 1904-1987) supuso un punto de inflexión en el arte paraguayo. Se considera a esta artista como iniciadora del arte moderno en ese país, lo que supuso toda una revolución: En una sociedad que excluía generalmente a las mujeres de las actividades artísticas pictóricas, Echagüe estudió arte con destacadas figuras paraguayas y argentinas. Adicionalmente, su producción abandonó la temática femenina usual, de las naturalezas muertas y paisajes, y se aventuró con el desnudo. Cuando en 1946, de vuelta a Paraguay, expuso en el «Club Centenario» una serie de desnudos femeninos, fue tal el escándalo que tuvieron que retirar sus obras. Pedro Gómez Silgueira escribió en el «Portal Guaraní«:
“Ella hace un doble rompimiento porque deja de lado esa figuración perfecta académica de pinturas de pinceladas sobadas, hipernaturalista, y grandes figuras históricas y dulcificadas mujeres. Las cambia por una figuración absolutamente planista, contundente, figura nuevamente de retorno al orden. Además, en el estilo que ella toma le mete por primera vez a la mujer su propia poética. Esa poética continuó toda su vida”.
Rotimi Fani-Kayode (Lagos, Nigeria, 1955-1989) fue un fotógrafo que, con 11 años de edad, se estableció con su familia en el Reino Unido huyendo de la guerra de Biafra y, posteriormente, en los Estados Unidos. Los rituales de posesión de su religión Yoruba junto a la expresión de su homosexualidad dieron lugar a una de las obras más destacadas del arte africano del siglo XX. Una obra numerosa pese a la temprana muerte del fotógrafo.
«Es la fotografía, por lo tanto —la fotografía negra, africana y homosexual— la que debo usar no solo como un instrumento, sino como un arma si quiero resistir los ataques contra mi integridad y, de hecho, contra mi existencia en mis propios términos.»
Saul Baizerman (Vitebsk, Bielorrusia, 1889-1957) fue un escultor estadounidense pues adoptó la nacionalidad americana después de establecerse en este país, cuando tenía 20 años de edad. Sus obras más representativas son esculturas de cobre martillado que tienen el cuerpo desnudo como motivo iconográfico.
«¿Cómo sé cuándo una obra está terminada? Cuando me ha arrebatado todo lo que tengo para ofrecer. Cuando se ha vuelto más fuerte que yo. Yo me convierto en el vacío, y ella en la plenitud. Cuando yo soy débil y ella es fuerte, la obra está terminada».(Saul Baizerman)
«Martillaba láminas de cobre para darles forma figurativa, un procedimiento físicamente agotador que muestra tanto el trabajo del artista como el tema representado. Este enfoque tenía sus raíces en la infancia rusa de Baizerman; su padre, un fabricante de arneses, martillaba cuero para hacer arneses. Al ser cóncavas y convexas, las esculturas de Baizerman están pensadas para ser vistas desde todos los ángulos. Aunque las esculturas parecen sólidas y pesadas, el metal martillado es delgado».
Aunque puedan parecer pinturas, las obras que les muestro de la artista Katerina Belkina (Samara, Rusia, 1974), son en general fotografías manipuladas digitalmente. Misteriosos autorretratos en los que la artista recrea en muchos casos, las pinturas de grandes maestros de la Historia del Arte (Picasso, Gauguin, Petrov Vodkin, Klimt, Schiele, Kahlo o Rousseau). La artista trabaja actualmente en Alemania.
Gerardo Dottori (Perugia, Italia, 1884-1977) fue un artista futurista italiano, y en concreto de la aeropintura, que en su obra nos mostró su fascinación por el movimiento, los aeroplanos y el cielo. También está considerado como el primer artista futurista interesado en el arte sacro.
Aunque trabaja como administrativo para la Sanidad Andaluza Rubén García Felices (Almería, España, 1975) es un extraordinario fotógrafo y fotoperiodista que, en sus trabajos, no revela especialmente el conjunto de la sociedad almeriense.Todos los estamentos sociales, especialmente los más desfavorecidos, se muestran en su trabajo «Almeriense». Entre los mismos, podemos destacar dos series de desnudos fotográficos: Nudistas y Prostitutas en la calle.
Almerienses/Nudistas:
Almerienses/Prostitutas en la calle: Prostitutas y clientes.
Independientemente de estas series, el artista nos muestra obras mas conceptuales, en las que predominan los autorretratos:
Estamos tan acostumbrados a obras expresionistas, duras en cuanto a contenido y formas, que resulta refrescante apreciar la obra de artistas que nos muestran un mundo más amable y poético. Claude Gaveau ( Neuilly-sur-Seine, Altos del Sena, Francia, 1940-2021) fue un pintor que abordó diversas temáticas, siempre con una gran armonía de color y mostrado una visión interior y poética de las figuras representadas.
Alméry Lobel-Riche (Génova, Suiza, 1877-1950) fue un artista francés que se formó en la Escuela de Bellas Artes de Montepelier, bajo la tutela de Léon Bonnat y, posteriormente, en la Escuela de Bellas Artes de París. Espíritu libre, no formó parte de ninguna escuela o tendencia concreta, aunque su trabajo refleja tanto la influencia simbolista e impresionista como del clasicismo de Ingres. En el blog Michel Koven in Art podemos leer:
«El arte de Alméry Lobel-Riche se caracteriza por una atmósfera turbulenta e inquietante de sensualidad decadente, y es en gran medida el contrapunto artístico de la poesía de Baudelaire y de Musset».
Alexandre Shebanov (Vorónezh, Rusia) es un fotógrafo contemporáneo ruso cuyos desnudos, en un dramático claroscuro, nos muestran magistralmente la intimidad de los personajes retratados. No se conocen detalles de la vida personal y artística de Shebanov, cuya obra se muestra sólo en algunas plataformas como 35awards.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
