Rico Lebrun (Nápoles, Italia, 1900-1964) fue un pintor, escultor, muralista y profesor italoamericano. A mediados e los años 1950 su obra se vio influenciada por sus conocimientos sobre los campos de concentración y el dolor humano. Son obras expresionistas, oscuras, en las que las formas corporales son intrincadas y ambiguas. Entre ellas destacan las dedicadas a la Crucifixión, en las que se puede notar la influencia del Guernica de Picasso. Igualmente, y en cuanto a desnudos, resulta importante la amplia serie dedicada al Infierno.
Mijaíl Lariónov (Tiraspol, Jersón, Rusia, 1864-1938) fue una de las figuras destacadas de la vanguardia rusa. Compañero sentimental de Natalia Goncharova y amigo de Konstantin Korovin, sus principales obras se enmarcan en un estilo denominado rayonismo, mezcla de futurismo y abstracción. En 1912 organizó el movimiento pictórico conocido como Cola de Burro en el que participaron artistas como Chagall o Malevich.
El movimiento surrealista adquirió, durante el siglo XX, una gran importancia en el ámbito de la pintura y la poesía. Menos destacados fueron los fotógrafos surrealistas puesto que la fotografía tuvo que luchar, desde sus inicios, con la carga de su pretendida supeditación a un realismo supuestamente objetivo. Este se mantuvo pese al movimiento pictorialista que intentó (y consiguió) elevarla a la categoría de arte. El surrealismo fotográfico tuvo como principal referente a Man Ray, pero han existido otros notables fotógrafos. Entre los mismos Marcel Mariën (Amberes, Bélgica, 1920-1993). Aprendiz de fotografía a los 14 años, viajó a Bruselas para conocer a René Magritte, veinte años mayor que él, quien se convertirá en su amigo. De su mano entró en el círculo de surrealistas de esta localidad. Posteriormente, en París, se relacionó con Eluard, Breton o Picasso. Se lamentó siempre de no ser capaz e dibujar o pintar, pero nos legó una interesante producción fotográfica.
Xenaro Carreño Fernández (Noya, Galicia España, 1874-1902) fue un pintor impresionista español perteneciente a la denominada Generación Doliente gallega que fue un grupo de artistas que murieron jóvenes, de tuberculosis, alrededor del año 1900. Su obra está muy influenciada por Sorolla, Monet y Pissarro. Las imágenes de desnudos que acompañan esta pequeña entrada corresponden a obras que se encuentran expuestas en el Museo de Pontevedra. No he podido encontrar otros ejemplos.
Jogen Chowdhury (Faridpur, Bengal, India, 1939) es uno de los grandes artistas contemporáneos de la India. Con una doble formación en Kolkata y en París, trabaja con tinta, acuarela y pasteles, aunque también emplea en algunos casos el óleo. Su personal estilo es glosado, de este modo en su página web:
«Jogen Chowdhury ha sido ampliamente reconocido como el maestro de la línea continua. Al igual que Leger, Chowdhury se ha inspirado en la tradición lineal de Kalighat Pat, pero sus líneas son emotivas y se utilizan para expresar y sugerir el carácter de una persona. Esto se logra distorsionando la forma sin romper la línea, y en el mundo del arte joven y contemporáneo, la distorsión ha sido el mayor impacto de Jogen Chowdhury. Quizás por esto, una observación común de su obra es que sus «personas» son caricaturas. La persona resulta familiar para el espectador, pero es mucho más individualizada: el rostro es imaginario, pero la psique o las características son reales. La fuerza y la belleza de su técnica y su línea residen en este juego entre lo conocido y lo desconocido. En la obra de Jogen Chowdhury, la figura siempre está en primer plano, es primordial, lo transmite todo. Utiliza el color para dar volumen a sus figuras y la fluidez de sus líneas aporta un toque sensual a sus formas».
Jolanta Johnsson (Varsovia, Polonia) es una artista visual especializada en el diseño gráfico, que trabaja actualmente en Suecia. La artista se nos presenta así en Saatchi Art:
«Soy una artista polaca residente en Suecia. Trabajo con óleo, acrílico y técnicas mixtas sobre papel, dibujo y gráficos. El óleo sobre lienzo predomina en mi obra. Las composiciones figurativas y los motivos paisajísticos son dos temas igualmente importantes para mí. En ambos, busco transmitir la sensación de espacio. El espacio es un símbolo de todo lo que está más allá de la realidad de nuestros sentidos. Me gustaría que mis pinturas estuvieran llenas de significado. Busco que mis pinturas sean ambiguas para que no transmitan nada directamente, sino que intriguen al espectador y lo inviten a reflexionar e interpretar individualmente mis imágenes».
Christian Coigny (Lausana, Suiza, 1946) es indudablemente uno de los grandes maestros del retrato fotográfico en blanco y negro. Ha trabajado como fotógrafo publicitario para grandes marcas internacionales pero también muestra su obra independiente en varias galerías americanas y europeas. Se suele indicar que el artista se inspira a menudo en la obra de los grandes retratistas estadounidenses pero a mí, lo que me llama la atención junto a su maestría técnica, es su forma de conjuntar escenarios artificiales claramente visibles – entre ellos el propio estudio fotográfico – con la intimidad natural de unos personajes ajenos a cualquier presencia.
Ray Herrera Leguizamo (Ciudad de México, México, 1976) es un artista que reside en San Miguel de Allende, Guanajuato, creador de una pintura abstracta, geometrizante y fuertemente colorista, pero que en mi opinión se distingue particularmente como dibujante. No resulta fácil encontrar sus dibujos en la red, salvo los que nos muestra en su página de Facebook. De ahí he tomado los que les expongo, con la excepción de aquellos que tienen carácter erótico (impensables en esta red), cuyas imágenes me ha cedido amablemente el artista.
Jacopo Zucchi (Florencia, Italia, 1541-1590) fue un artista manierista, discípulo de Vasari con quien colaboró en la decoración de Palacio Vecchio, en Florencia y, más tarde, también en Roma. En esta última ciudad trabajó para Orazio Rucellai decorando su palacio. El estilo de Zucchi se caracteriza por un manierismo luminoso y lleno de contrastes con una paleta más bien fría.
Amor y Psiqué
Hércules Musageta en el Olimpo
Los cuatro elementos
La Edad de Oro
La mina (extracción de oro)
Minerva y la Forja de Vulcano
Las Tres Gracias
Alegoría el Descubrimiento de América (El Pescador de Coral)
Omar D’León (Managua, Nicaragua, 1929-2022) fue uno de los pintores nicaragüenses más importantes e todos los tiempos que desarrolló su trabajo en Managua hasta 1975, que se trasladó a California. De su obra poética y colorista, y de su figura, comenta la Galería Paul Mahder:
«Sus primeras inspiraciones fueron los frescos de Pompeya, donde observó el uso del rayado cruzado y aplicó esta técnica a su pasión por la escuela impresionista. Es conocido por sus brillantes grafitis de escenas mágicas inspiradas en la mitología. Sus pinturas se exhiben en numerosos museos».
También fue un notable poeta. Su obra «Crucifixión» es todo un referente del arte nicaragüense contemporáneo:
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
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