Paul Jamin (París, Francia, 1853-1903) fue un pintor academicista que se especializó en un un desnudo «histórico» o centrado en la Edad de Piedra. Sus profesores fueron Gustave Boulanger y Jules Lefebvre.
Esta fue su última obra, realizada el año de su fallecimiento:
Béla Kádár (Budapest, Hungría, 1877-1956) fue uno de los grandes artistas húngaros del siglo XX. Su obra se vió influída por el expresionismo, el futurismo y por la geometrización constructivista y cubista. Quizás podamos apreciar en ella el eco de todas las vanguardias que revolucionaron su época.
Adrian Arleo (Tarrytown, Nueva York, USA, 1960) es una escultora-ceramista cuyo trabajo se centra en el cuerpo humano y animal. Su obra es inspiradora y poética con una cierta inspiración surrealista. Sobre la misma, la artista comenta:
«Durante más de 30 años, mi escultura ha combinado imágenes humanas, animales y naturales para crear una fuerza emocional y poética. A menudo, se sugiere una conexión vital entre los reinos humano y no humano; las imágenes surgen de asociaciones, inquietudes y obsesiones que son a la vez íntimas y universales. La obra frecuentemente hace referencia a la mitología y los arquetipos para abordar nuestra vulnerabilidad en medio de realidades personales, ambientales y políticas cambiantes. Al centrarme en formas más antiguas y misteriosas de ver el mundo, se revelan los límites de la conciencia y niveles más profundos de percepción».
De The Marks Project tomo el siguiente texto:
«Cada pieza comienza con un boceto que se transforma en tres dimensiones mediante rollos extruidos de arcilla de una pulgada de diámetro. Arleo utiliza esmaltes para dar acabado a sus superficies, a veces emplea la técnica de la encáustica, y también puede incorporar pan de oro en sus figuras.
Los rollos se enrollan para comprimir la arcilla y reducir su diámetro. La soltura del proceso de modelado a mano le permite crear las formas figurativas que utiliza. A menudo, las poses que da a sus figuras humanas hacen referencia a esculturas griegas y romanas. Sus superficies suelen tener mucha textura. La inspiración proviene del mundo natural que la rodea: puede ser un panal de abejas, los estratos de una ladera, la corteza de un árbol, el pelaje o las plumas».
Eva Helene Pade (Dinamarca, 1997) es una joven artista danesa que trabaja en Francia y que, en poco tiempo, ha alcanzado una gran notoriedad. Inspirada por la pintura de artistas como Klint, Munch o James Ensor, sus obras muestran un mundo exclusivamente femenino que parece dominado por un cierto desenfreno en el que se atisba sexo y quizás violencia. En una entrevista publicada con Hannah Silver para Wallpaper*, leemos:
Pade recurre a referencias clásicas para sus figuras en la multitud, dándoles vida con pinceladas violentas. «Siempre me ha inspirado la historia, pero de diferentes maneras», dice. «Paso mucho tiempo observando a los pintores de la Nueva Objetividad alemana [que establecieron una realidad no sentimental]. No solo tienen una forma muy interesante de representar la figura, dotándola de una especie de fealdad y extrañeza, sino que también expresan el tiempo de una manera interesante, o no necesariamente el tiempo, sino lo que sucede entre momentos, o entre guerras. Es la espera de lo que está por venir, y cómo lo capturan».
Y en Henni News:
«La práctica artística de Eva Helene Pade se caracteriza por su distintivo estilo figurativo, que emplea principalmente pintura al óleo sobre lienzo para explorar temas como la corporalidad femenina, la experiencia colectiva y las complejidades de la emoción humana. Su obra se nutre de una rica variedad de influencias, incluyendo las tradiciones pictóricas del norte de Europa, la mitología y conceptos metafísicos, haciendo referencia con frecuencia a artistas históricos como Edvard Munch, Otto Dix, Gustav Klimt y Édouard Manet. Pade subvierte hábilmente las representaciones tradicionales de la forma femenina, trascendiendo la mirada masculina para retratar a las mujeres con autonomía y una sutil profundidad emocional».
Benedetto Gennari, el joven (Cento, Italia, 1633-1715) – para no confundirlo con su abuelo – fue un pintor barroco que se distinguió particularmente por sus retratos. Discípulo de Guercino, su vida estuvo ligada a diversas cortes reales: La del Rey Sol francés y, posteriormente, la de Carlos II y Jacobo II de Inglaterra.
Dibujos atribuídos:
Aproximarnos al desnudo artístico en la India actual nos exige una precaución especial, pues sus tradiciones son muy diferentes de las de nuestro mundo occidental. Existen artistas – y ya he mostrado un cierto número en este blog – que abordan el cuerpo y el desnudo de un modo similar a los artistas españoles, franceses o americanos, pero en general el sexo es casi un tabú. Nos sorprende este hecho cuando conocemos la amplia representación de escenas del Kama Sutra representadas en los templos de Khajuraho – en el estado de Madhya Pradesh – pero debemos tener en cuenta que éstas pueden considerarse casi como escenas religiosas. El hinduismo y el budismo, contrariamente al cristianismo, asocian el desnudo a la espiritualidad, a la unión con el cosmos. Sandeep Dophate (Mumbay, India, 1975) nos muestra algunos de estos religiosos indúes. The Independent Photographer nos comenta:
«…el trabajo de Sandeep explora las intersecciones entre religión, espiritualidad y sexualidad, a menudo cuestionando nuestro actual sistema de valores morales establecido a través de una aceptación ciega masiva de una verdad generalizada».
«Su singular estilo visual, de estética india, utiliza colores y simbolismos para enriquecer sus historias. Su enfoque del retrato escenificado crea una tensión entre la realidad y la ficción. Al desafiar las concepciones generalizadas de la cultura india, emplea un estilo narrativo que difumina los límites entre la realidad y la ficción, obligando a menudo al espectador a reflexionar sobre interpretaciones paralelas de las creencias contemporáneas.
Galardonado con varios premios, ha expuesto regularmente su obra en exposiciones y festivales de fotografía tanto en la India como a nivel internacional».
Edge of Humanity Magazine nos ilustra ampliamente un proyecto de Dophate sobre los Nägas:
«Los Nāgas (hombres santos desnudos), adoradores del Señor Śiva, son guerreros santos que emprenden un viaje de toda la vida para liberarse de los anhelos y alcanzar la emancipación del ciclo de renacimiento. Soportan dificultades, dolor y sacrificios para desprenderse de los deseos que muchos de nosotros apreciamos tanto».
John Clarke (Reino Unido, 1964) es un artista que trabaja en Glasgow pero cuyas esculturas están ya presentes en todo el mundo. El mismo comenta:
«Mi obra reconoce la complejidad de la vida en la era de la información. La cantidad de contenido es abrumadora. Viejas certezas yacen hechas añicos a nuestros pies y la pregunta de en quién y en qué confiar parece estar siempre presente. Pero la vida continúa, y crear en este contexto es quizás mi manera de introducir una pausa para la reflexión en el flujo incesante de las cosas. Un intento de añadir algo de seriedad, de fijar algo. Las imágenes, ya sean pinturas o esculturas, emergen lentamente y buscan la simplicidad. A menudo son representaciones de personas en alguna situación difícil, o composiciones de objetos que podrían interpretarse como tales. Se inspiran tanto en las tradiciones clásicas del arte como en los lenguajes visuales más populares que se encuentran en los cómics y el cine. Si tienen algo que decir, es que seguimos aquí, en algún lugar».
Son características su esculturas construídas a base de papel plegado y lacas, inspiradas en las construcciones 3D de los videojuegos.
Hay que destacar que este artista no es sólo un escultor y podemos apreciar pinturas como las siguientes:
Eugène Leroy (Tourcoing, Francia, 1910-2000) fue un pintor que se formó en la prestigiosa Escuela de Bellas Artes de Lille y formó parte de l’École de Paris. Gran admirador de los grandes pintores clásicos pero también con una amplia relación con los artistas expresionistas de su generación, su obra se aproxima a la abstracción. En Wikipedia podemos leer:
Su pintura se caracteriza cada vez más por la acumulación de gruesas capas de pintura, una masa caótica de empaste extravagante de la que emergen figuras, retratos, desnudos y paisajes a través de la observación minuciosa del espectador. Leroy trabaja la pintura: capa tras capa, entierra la imagen bajo el material para lograr una aparente oscuridad total. Pero de la masa de materiales y colores emerge una figura, un paisaje, un retrato o un desnudo; es esta masa la que permite que «la pintura sea completamente ella misma». Jean Clair escribió sobre él que quería «captar no la semejanza, sino, por el contrario, lo indefinido, lo esquivo, lo imprevisto».
Lunettes Rouges en su blog «Aficionada al Arte«escribe:
Leroy decía: «Yo no quise hacer un lienzo bonito, solamente quise pintar». Sus lienzos que pueden pesar hasta 90 kilos, rebosan de materia pictórica que forma masas y torrentes que se recubren sin cesar, y bajo la dura capa de la superficie la pintura se queda largo tiempo blanda, movediza, y a veces deja aparecer colores enterrados, otros que se disuelven para mostrar más valles, más cúmulos a través del tiempo. Y además, con frecuencia, Leroy volvía a trabajar sus cuadros, estamos ante una pintura animada.
La influencia de este artista fue bastante grande. Georg Baselitz, por ejemplo, fue un gran admirador de su obra. Una descacada parte de la producción de este artista se encuentra en el museo de su ciudad natal: MUba Eugène Loroy
En un post anterior he glosado la figura de uno de los artistas clave en el expresionismo: Ernst Ludwig Kirchner (Asschaffenburg, Alemania, 1880-1938). Sus desnudos pictóricos son muy numerosos. Sin embargo, su actividad como fotógrafo es casi desconocida. Sabemos que solía realizar en su estudio fotografías en blanco y negro de familiares y amigos que le servían como inspiración en sus composiciones pictóricas. Se aplicaba a la misma el término de «Nacht Photo». Este es el caso de Hugo Bilallowons que baila en esta foto desnudo frente a la esposa de Kircher y al fotógrafo (Esta imagen ya la había mostrado en mi publicación previa):
Ante la ausencia de fotos de este artista en mi búsqueda en Google , me ha sorprendido encontrar el artículo «EXPRESSIVE! The Nude in Modern & Contemporary Art» de la Galerie Henze & Ketterer. Este trabajo nos muestra una interesante serie de fotografías de Kirchner relacionadas con el baño y la naturaleza. Imágenes femeninas que podrían utilizarse como modelos para reflejar la filosofía naturista.
La publicación cita como fuente de las imágenes el Museo Kirchner de Davos pero no las he podido encontrar en su página web. Por el contrario, en la misma se muestra esta fotografía de su esposa Erna:
Son pocas imágenes pero espero que nos permitan ampliar la visión de este extraordinario maestro del expresionismo.
En esta entrada pretendo completar una visión de la obra de Salvatore Fiume (Comiso, Sicilia, Italia, 1915-1997), ya comentado en mi entrada anterior, incorporando sus trabajos escultóricos:
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
