Fausto Pirandello (Roma, Italia, 1899-1975), hijo del Nobel de Literatura Luigi Pirandello, fue un pintor de corte expresionista perteneciente a la Escuela de Roma. Selena Mattei, en ArtMajeur, comenta:
«El trabajo de Pirandello se caracteriza por un realismo que a menudo representa aspectos duros y desagradables de la vida cotidiana, transmitidos a través de una técnica de pintura densa y rugosa. Su visión tradujo datos naturalistas en una especie de realismo mágico con un sabor arcaico y metafísico. Su estilo evolucionó a lo largo de las décadas, absorbiendo influencias del cubismo, el tonalismo y el expresionismo, reflejando una búsqueda continua de nuevas formas y expresiones. Su legado en la escena artística italiana sigue siendo significativo, marcado por sus contribuciones únicas y su evolución continua en el estilo y el tema».
Yevgeniy Pavlov (Kharkiv, Ucrania, 1949) es un fotógrafo contemporáneo que creó, junto con Jury Rupin, la célebre Escuela Fotográfica de Kharkiv (KSIO), una escuela de vanguardia y experimental impulsada por el denominado Grupo Vremia. Del mismo comenta la Wikipedia:
«El Grupo Vremia se basó en las tradiciones de la vanguardia e incorporó los dogmas del realismo socialista. Son conocidos por sus experimentaciones extremas con técnicas y métodos fotográficos, y se les atribuye la invención y el desarrollo de varios de ellos. Una de sus invenciones estéticas más emblemáticas es la «teoría del golpe» (o «teoría del trazo»), que utiliza un elemento impactante para crear una poderosa declaración fotográfica. Otro avance fue el concepto de «mala fotografía», que los críticos consideraron el primer ejemplo de conceptualismo en la fotografía soviética. Algunas obras del KSOP se consideran experimentos únicos en la fotografía dentro de la Unión Soviética, así como el inicio de una revolución estética en la fotografía ucraniana».
De sus numerosos trabajos cabe distinguir la serie Violín, realizada en 1972:
«La serie Violín es una de las más importantes para el grupo. Pavlov experimentó con una amplia gama de técnicas: collages, coloración a mano, superposiciones y raspaduras que componen un imaginario fantasmagórico que rompe con el enfoque documental». (Alexandra de Viveiros Gallery)
Otra de sus series es «Mitologías», a las que pertenecen estos trabajos:
Juan Bordes Caballero (Las Palmas de Gran Canaria, Canarias, España, 1948) escultor, coleccionista de arte, profesor, Académico de la Real Academia Canaria de Bellas Artes de San Miguel Arcángel, Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y Académico Director de la Calcografía Nacional, es a mi entender, uno de los escultores más relevantes que existen actualmente. Su obra no sólo se encuentra presente en muchas colecciones privadas y algunos museos españoles y americanos. También podemos apreciarla en muchos espacios públicos españoles, especialmente en las ciudades capitalinas canarias. Nos comenta en su web:
«La escultura no ha sido para mí una elección, pues desde mi infancia fue necesidad. No se cuándo la descubrí, aunque sí recuerdo que comencé mi formación técnica a los ocho años. Después, la figuración me llevó a la abstracción; pero volví a la figura con el reto de llenarla de ideas contemporáneas para hacerlas intemporales.»
Sergiu Ciochinǎ (Moldavia, 2001) es un joven artista moldavo que trabaja actualmente en París. Su obra, colorista y de grandes dimensiones, tiene un fuerte carácter expresionista e intimista. Sus poéticas pinturas me traen a la memoria las obras, algo surrealistas, de Marc Chagall. De su Serie Azul, Kate Mothes en Colossal nos comenta:
La posición de las figuras y el tono azul recuerdan sutilmente al Periodo Azul de Pablo Picasso, entre 1901 y 1904, cuando sus primeras representaciones, más realistas, de personas y espacios domésticos se caracterizaban por el uso predominante de tonos azules y azul verdosos para enfatizar temas de desesperación y agitación. Para Ciochinǎ, los sueños y las emociones son el eje central de sus composiciones místicas.
«Quería que cada lienzo transmitiera una especie de aliento, una vibración serena, casi musical», afirma el artista. «Para mí, el azul se convierte en un punto de encuentro entre la realidad y el sueño, entre la memoria y el presente: un puente que invita al espectador a detenerse y contemplar».
Kenn Duncan (New Jersey, USA, 1928-1986) fue un gran fotógrafo estadounidense que se destacó por sus retratos en blanco y negro de artistas y celebridades del momento. Sus trabajos aparecieron publicados en las principales revistas como Vogue, Vanity, Life, Time, etc. Muchas de sus obras tienen como temática la danza; el mismo fue bailarín antes de fotógrafo, y se le considera como el fotógrafo de este arte.
Pepe Dámaso o José Dámaso Trujillo (Agaete, Gran Canarias, Islas Canarias, España 1933) es uno de los artistas canarios contemporáneos más destacados, tanto desde el punto de vista pictórico como cinematográfico. Colaboró con César Manrique en la creación del Centro Internacional de Arte Contemporáneo de Lanzarote y mantuvo con éste, hasta su muerte, una gran amistad. Sus primera obras coloristas y con una impronta fauvista, son de los años 50. Luego se relacionó con el informalismo en los 60 y quizás, lo más destacable de su obra tiene que ver con la serie, en los 80, de «Héroes Atlánticos», en la que quiere vincularse a una «tradición» identitaria canaria como Néstor de la Torre. En su iconografía abundan tanto las calaveras como los ángeles.
Como ocurre con otros artista de mi tierra, Internet no es pródiga con sus obras.
Rodrigo Muñoz Ballester (Tánger, Marruecos, 1950) es un artista español conocido como ilustrador. Uno de los grandes artistas que han elevado el comic a la categoría de arte. Su obra «Manuel», publicada en 1983, supuso un acontecimiento en la «Movida Madrileña» y, en particular, en el mundo gay. Así, el artista nos comenta en elDiario.es:
“La historia de Manuel es autobiográfica durante las primeras 25 páginas, las siguientes 25 ya no tanto, en estas ya eché a volar un poco la imaginación y aproveché para dar un paseo por el ambiente gay de la época”
Pero, sin lugar a dudas su obra por excelencia es la escultura también denominada «Manuel», re-expuesta en ARCO, cuarenta años después de su creación. Manuel fue el amor imposible del artista (era heterosexual) y en la obra quiere fusionarse para siempre con el mismo. El artista declaró que su intención nunca fue erótica y sólo pretendía teorizar sobre el amor y el deseo.
El desnudo se muestra también en obra gráfica e ilustración del cómic.
Stuart Pearson Wright (Northampton, Reino Unido, 1975) es uno de los mejores retratistas del Reino Unido, aunque se trabajo es más amplio, e incluye no sólo la pintura sino el grabado, la escultura e, incluso, la cinematografía y la música. Varios de sus retratos se encuentran en la National Portrait Gallery.
La obra de Stuart Pearson Wright (n. Northampton, 1975) refleja la búsqueda de una identidad perdida. Siendo uno de los primeros niños nacidos en el Reino Unido mediante inseminación artificial, el artista siente que este proceso ha creado un «vacío de identidad» que su obra intenta abordar. Explora y desmantela los estereotipos de masculinidad y feminidad representados en películas, libros y cómics, especialmente en las historias y mitos del Oeste americano.
Pintando la figura humana [..]Wright ha dedicado gran parte de su carrera a subvertir el retrato tradicional. Él y sus modelos, empleando sus propios rasgos y los de su prometida, crean personajes meticulosamente pintados y estilizados, ambientados en situaciones ficticias y sensacionalistas.
Sin haber conocido jamás a su padre, Wright afirma: «Cada vez que pinto mi rostro, veo el rostro de mi padre, sin saber quién es, quién fue ni cómo era. Por ello, me interesan las formas en que construimos nuestra identidad y las capas y procesos que atravesamos en esa construcción».
Wright no es un artista de desnudo, en el sentido de que estos no se encuentran demasiado presentes en su obra.
Tisbury Court, 1999
Amor y muerte 1
Amor y muerte 2
Nacimiento, amor y muerte
Tiempo de burbujas
Subiendo las colinas. Una tragedia adolescente de ineptitud erótica
Endre Bartos (Baja, Hungría, 1930-2006) fue un artista figurativo húngaro que rápidamente dio un giro hacia una pintura expresionista con colores intensos. En Bartos Design leemos:
«A Bartos no le interesaba simplemente representar la belleza o su ausencia, sino más bien desvelar las capas más profundas de sus sujetos, quienes a menudo ocultan su verdadera identidad al mundo exterior.
Su intención era retratar valores humanos universales que pueden pasar desapercibidos en el caos de la vida moderna. Las pinturas de Bartos desprenden un efecto sugerente, encarnando un «orden de valores» capaz de evocar una gama de emociones: bondad y tranquilidad, repulsión e inquietud, misterio y esperanza, así como resignación. A través de su obra, presentó a la humanidad en toda su complejidad: creativa, combativa y, sin embargo, plagada de contradicciones».
Evert Ploeg (Sydney, Australia, 1963) forma parte de una destacada serie de retratistas contemporáneos australianos. Ganó el prestigioso premio Archibald los años 1999 y 2007.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
migueldesnudo 