La obra de Juan Pablo Langlois (Santiago, Chile, 1936-2019) es un claro exponente de arte conceptual, y puede verse formalmente asociada a lo que en Europa se conoció como “arte poveda” o “arte pobre”. En Langlois la pobreza va referida a los materiales (papel, cartón, reciclados, productos de deshecho de la vida cotidiana,…) pero también a los personajes humildes que protagonizan su obra más figurativa. Formado como un arquitecto afín a la Bauhaus, y con trabajos artísticos iniciales relacionadas con el op-art, se le considera un escultor y, de un modo especial, un creador de instalaciones. En este género se da siempre el predominio de la idea sobre los elementos formales, por lo que resulta difícil un análisis de las distintas obras aisladas como, inevitablemente, vamos a ver en esta muestra de desnudos. Juan Pablo Langlois está considerado como uno de los artistas contemporáneos más destacados de Chile.
Kövér Gyula (Verpelét, Hungría, 1883-1950) fue un pintor y grabador que se formó inicialmente en la Academia de Bellas Artes de Budapest y, posteriormente, en Munich y París. En Alemania estudió en la escuela de grabado de Peter Halm, y en Francia tuvo como profesor al puntillista y simbolista Henri Martin.Viajó muy a menudo por Europa y fue objeto de varias distinciones. Su trabajo, después de la Primera Guerra Mundial – y ya plenamente afincado en Budapest – se centró en el desnudo femenino, sin descartar el retrato, los paisajes e, incluso, las caricaturas, que había desarrollado en el periodo bélico. Su pintura se encuentra representada en la Galería Nacional Húngara.
Cuando nos aproximamos por primera vez a la obra de Isabel Villar (Salamanca, España, 1934) nos viene inmediatamente a la cabeza el calificativo de “naif”. La artista lo rechaza – posiblemente con razón – porque fuera de los elementos formales que la constituyen, la obra es mucho menos ingenua de lo que aparenta. Pero es cierto que resulta imposible no pensar en los cuadros de Rousseau. En una entrevista para la revista Triunfo Digital, Villar dice:
“Esto de Rousseau me lo ha dicho mucha gente. Pero creo que esta influencia es sólo aparente. O sea, que es más el tema que luego la realidad de los cuadros. Tal vez yo tengo un mundo, esto que hago de familias, de decorar fotos antiguas, un poco de la época de Rousseau, y además, con animales”
Un discurso feminista se encuentra siempre en la base de esas niñas y mujeres que suelen emplazarse en espacios idílicos y disfrutan de su propia femineidad. Isabel Villar ha mantenido siempre un tono reivindicativo, tanto en su expresión artística ajena a las modas, como en su condición de mujer-artista. Un magnífico artículo de Jadira de Armas Rodríguez en Woman Art House glosa la vida y obra de esta excepcional artista.
Garry Shead (Sidney, Nueva Gales del Sur, Australia, 1942) es uno de los referentes del retrato australiano contemporáneo. Como tal ha sido ganador del premio Archibald en 1992, y finalista del mismo en 2009 y 2012, así como el premio Dobell, en el año 2004. Aunque viajó por distintos países europeos y asiáticos, su formación es, básicamente, local. Su obra se ve representada en la National Gallery of Australia y otras importantes colecciones australianas y de todo el mundo. Sus desnudos, muy característicos, son fácilmente reconocibles y parecen evocar, en muchos momentos, a grandes pinturas clásicas. Por ello, quiero iniciar esta muestra con una pintura, “The Circling Cosmos”, que me recuerda la obra de Chagall.
Los avatares de la historia política y personal de la artista, me obligan a clasificar a Lotte Laserstein (Paslek, ahora Polonia, 1898-1993) como una pintora germano-sueca. Su educación es alemana, siendo una de las primeras mujeres en acabar sus estudios en la prestigiosa Academia de Arte de Berlín. Durante el nazismo y dada su condición de judía (de “sangre judía”), tuvo que emigrar a Estocolmo y allí solicitó refugio político. La etapa alemana, en la que se relaciona con muchos miembros de la Nueva Objetividad, fue la más interesante de su producción. El la misma destacan los retratos de mujeres independientes, muchas veces andróginas, en entornos urbanos, que dan lugar a la creación de la figura de “Neue Frau” o “Nueva mujer”.
En la actualidad, en el Whitney Museum of American Art, se está llevando a cabo una exposición sobre la obra del Salman Toor (Lahore, Pakistán, 1983). En la página web del museo se lee:
“Conocido por sus obras figurativas a pequeña escala que combinan la técnica académica y un estilo rápido, parecido a un boceto, Toor ofrece vistas íntimas de las vidas imaginadas de los hombres morenos jóvenes y queer que viven entre la ciudad de Nueva York y al sur de Asia. Las paletas de colores recurrentes y las referencias a la historia del arte aumentan el impacto emocional de las pinturas de Toor y agregan un elemento fantástico a sus narrativas extraídas de la experiencia vivida.”
Salman Toor, pese a su origen paquistaní, se ha formado artísticamente y vive en Nueva York. Su arte es introspectivo y en el mismo muestra tanto sus vivencias personales como la de sus amigos gay. No busquemos en el mismo erotismo ni sexualidad de ningún tipo, sólo una reflexión serena sobre la identidad. En la misma recurre a expresiones tomadas de la historia del arte. Degas es, sin duda, uno de sus referentes.
A lo largo de casi seis años he mantenido este blog con el doble propósito de reivindicar el naturismo como filosofía vital y mostrar mi pasión por el arte en un aspecto que podríamos relacionar con el naturismo: el desnudo. Son dos propósitos distintos. El desnudo puede abarcar ópticas muy diferentes y su valor en el arte depende en gran medida de las reflexiones a las que pueda dar origen. No tiene por qué ser bello, ni tampoco naturista. Puede hablarnos de cualquier cosa pero, en el fondo, siempre habla de nosotros mismos: identidad, deseos y frustraciones, violencia,… El tema es tan amplio que resulta inabarcable por lo que ocupa la casi totalidad de las entradas en este espacio. Me ha ido absorbiendo, y por ello – pese a mi dedicación profesional a la docencia universitaria en el ámbito de la Química Orgánica – he intentado formarme más en ese otro mundo que muchos consideran radicalmente opuesto. Un Curso Universitario en Historia del Arte, un Postgrado en Arte Contemporáneo y un Máster en Humanidades: Arte, Literatura y Cultura Contemporánea en su especialidad de Arte. Algunos de los trabajos a los que esto ha dado lugar estos estudios se encuentran disponibles en el blog. Los cursos realizados me han permitido disfrutar más de esas obras, pero sigo siendo sólo un aficionado, incapaz de emitir juicios de valor. El arte debe ser contextualizado tanto en la historia del arte como en el análisis de la sociedad en la que se ve inmerso. Esto supone una labor reflexiva y difícil. La importancia de los artistas no es estática, sino que varía con el tiempo, y no debe correlacionarse con el valor de su obra en el mercado. Toda sociedad genera arte y por ello intento escoger autores de todos los países posibles. Me limita en mi intento, mi ignorancia y la falta de un número suficiente de producciones disponibles en la web. Lo que puedo comentar de los mismos no es mucho, pero pienso que el interés que pudiese tener este trabajo, es dar a conocer las obras dentro del propio entorno del artista, pudiendo clasificar al mismo en el espacio geográfico (índice por países) y temporal (índice cronológico). Llevo referenciados, en estos momentos, más de 900 artistas de 66 países diferentes.
Esta entrada hace el número mil. Eso no tiene ninguna importancia pública, pero para mí supone ese pequeño orgullo que da la consecución de un objetivo personal cumplido. Mi afirmación en la ilusión de encontrar personas que, desde cualquier lugar del mundo, puedan compartir los mismos intereses y, quizás, pensarse de un modo similar.
Para ilustrar esta entrada no puedo poner obras de ningún artista, pues ello pudiera parecer un intento de considerarlos por encima de los demás. Acudo a mis fotografías naturistas retocadas con filtro, aunque no sean artísticas.
Unos diez años antes de Ubaldo Oppi se nos presenta la obra de otro pintor italiano, Pietro Marussig (Trieste, Italia, 1879-1937), que también fue miembro fundador del grupo Novecento. Podemos apreciar muy bien en su obra ese aspecto fuertemente tridimensional (casi arquitectónico), característico de los retratos de este grupo, y que, en mi opinión, comparte con el arte realista-nacionalista alemán de la época del III Reich. Sin embargo, en las pinturas realizadas a principios de siglo, prima un estilo postimpresionista. Tengo pocos desnudos que mostrarles pero, les recomiendo que busquen y aprecien sus naturalezas muertas, entre otras obras.
Quiero mostrarles en esta entrada los destacados desnudos femeninos de Ubaldo Oppi (Bolonia, Italia, 1889-1942). Oppi fue alumno de Gustav Klimt y uno de los fundadores del Novecento italiano. Este movimiento – vinculado al fascismo al estar liderado por la amante de Mussolini, Margherita Sarfatti – se centra en un realismo enfático y grandilocuente que se quiere vincular a la historia artística italiana del Quattrocento y el Cinquecento. La obra de Ubaldo Oppi se encuentra entre el naturalismo y el arte metafísico, siendo considerada como un exponente del Realismo Mágico. Debo aclarar que, pese al nombre, este movimiento no guarda conexión con el movimiento literario sudamericano sino que se trata de una de las expresiones de la Nueva Objetividad desarrollada en Alemania a finales de los años 20 del pasado siglo.
William Dobell (Cooks Hills, New South Wales, Australia, 1899-1970) fue uno de los pintores australianos más destacados, especialmente en lo que concierne a los retratos. De hecho, ganó tres veces el prestigioso premio Archibald (1943, 1948 y 1959), que se concede en ese país al mejor retrato. Uno de estos premios, el primero, fue muy contestado por sus rivales que alegaron que se trataba, fundamentalmente, de una caricatura. Se trata del retrato de Joshua Smith. Y es que el estilo de Dobell es bastante variado, y se adapta a las características psicológicas de los retratados. Estudió arte en la Julian Ashton Art School de Sydney. Posteriormente, en Londres, sufrió la influencia de Augustus John y de William Hogarth, y estudió profundamente la obra de Rembrandt, Turner y Constable, así como de un amplio elenco de artistas europeos. A su muerte legó su obra al estado que, a través de la fundación que lleva su nombre, ha creado la Dobell Australian Drawing Biennal.
Inicio esta selección de desnudos con una obra temprana, con el característico formato realista de estudio, que nos muestra la calidad de este artista. Veremos luego que irá evolucionando hacia un mayor informalismo.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña “Libro”
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
