El desnudo en el arte: George Quaintance. El imaginario gay.

La visión de la erótica masculina desde el propio mundo masculino está fundamentalmente centrada en la propia identidad queer, hasta el punto de resultar difícil separar lo que es el propio discurso identitario de los esquemas sexuales transmitidos. Un referente, fundamentalmente en el mundo de la pintura, lo tenemos en George Quaintance (Virginia, USA, 1902-1957),  fotógrafo, ilustrador, bailarín, y creador en los años 40 de una serie de iconos del mundo gay que, en los 50 fueron exportados por todo el mundo: hombres musculosos con piel aceitada y brillante que parecen protagonizar el western más tradicional o escenas acuáticas diversas. Sus personajes no se encuentran totalmente desnudos, o al menos, no muestran nunca el sexo, lo que le permitió soslayar la censura del momento. En el “semivestido”, los vaqueros ajustados generaron una moda que se ha mantenido con el tiempo.

La obra de Quaintance ejerce una poderosa influencia sobre otro ilustrador de finales de los 50: “Tom of Finland”

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Aquí les muestro algunas de sus fotografías y esculturas, mucho menos conocidas.

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El cuerpo desnudo en fotografía: Antonio Garduño.

En los orígenes de la fotografía mexicana se encuentra Antonio Garduño cuya obra se aprecia ya desde principios del siglo XX. Fue un destacado fotoperiodista del tiempo de la revolución mexicana y sus innovadores trabajos fueron publicados en numerosas revistas de la época. Su obra no se centró en las contiendas militares del momento y se le conoció como el “fotógrafo de las novias”. En su producción destaca, sobre todo, las fotografías de los desnudos que realizó a su amiga, la pintora y poetisa mexicana, Carmen Mondragón, conocida como Nahui Olin. Considero que en las mismas se refleja un alto grato de naturalidad y libertad creativa que se sobrepone a la artificiosidad usual de este tipo de retratos en la época.

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El desnudo en el arte:William H. Johnson

William H. Johnson (Florence, South Carolina, USA, 1901-1970) fue un extraordinario artista negro (odio el eufemístico afro-americano) que desarrolló una destacada obra que se mueve entre el expresionismo figurativo y el naif. Una obra muy amplia si se tiene en cuenta que no pintó en los últimos 23 años de su vida – que estuvo recluido en un sanatorio psiquiátrico donde murió – y que se conserva casi íntegramente en el Smithonian. Esta institución tiene un interesante programa educativo basado en este autor, cuyo material puede descargarse libremente.

Johnson se movió entre los Estados Unidos y Europa. En Francia, gracias a Soutine, entró en contacto con el expresionismo. Viajó por Italia, se casó en Dinamarca y visitó igualmente el norte de África y los Países Escandinavos. Volvió a los Estados Unidos en 1938 produciéndose un cambio brusco en su estilo. Se ciñó en la comunidad negra que describió con múltiples variantes, y empleó un estilo basado en líneas muy simplificadas y colores intensos, nunca más de tres o cuatro en cada obra, que realizó fundamentalmente en papel. En palabras suyas:

“Aunque haya estudiado durante muchos años y en todo el mundo, … aún he podido preservar lo primitivo en mí … Mi objetivo es expresar de forma natural lo que siento, lo que hay en mí, tanto rítmica como espiritualmente, todo lo que con el tiempo se ha guardadode primitivismo y tradición en mi familia, y ahora se concentra en mí “.

Los desnudos que les presento forman parte de una selección entre los producidos entre 1938 y 1940. Pueden ver una relación más amplia aquí o aquí.

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El desnudo en el arte: Agnolo Bronzino

Vamos unos siglos hacia atrás para presentar a un destacado artista del Alto Renacimiento italiano: Agnolo di Cosimo, más conocido como Agnolo Bronzino (Florencia, Italia, 1503-1572), posiblemente por su piel morena. En su juventud fue discípulo de Pontormo y en su obra, fuertemente manierista, se aprecia la influencia de Miguel Angel. Fue pintor Oficial de Cosme I de Médicis, a quien retrata en esta obra como Orfeo:

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Cosme I como Orfeo – Agnolo Bronzino

Su obra más conocida es la “Alegoría de los triunfos de Venus”, conocida también como “Una alegoría con Venus y Cupido”(1540-1545). Esta es una obra de temática erótica con tintes incestuosos (Cupido, dios del deseo, era hijo de Venus), a la que se intenta suavizar mínimamente con algunos símbolos moralizantes: El Tiempo, que con expresión de enfado descubre la escena. El engaño, figura agazapada detrás del niño que alienta la relación amorosa y ofrece, con cara delicada, un panal de miel, aunque su cuerpo oculto es el de una serpiente. Un expresivo rostro masculino que, tras Cupido, se lleva las manos a la cabeza con expresión de horror. Sobre el mismo, el Olvido, que lucha contra el Tiempo, a quien dirige este último sus miradas airadas.

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Una alegoría con Venus y Cupido – Agnolo Bronzino

La relación Venus y Cupido se ve de diferente modo en la siguiente obra en la que el sátiro parece centrar más el interés de la diosa:

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Venus, Cupido y Sátiro – Agnolo Bronzino

Igualmente,  la obra “Venus y el amor efímero” parece repetir elementos formales que se encuentran en la “Alegoría con Venus y Cupido”, en la que aparecen las mismas máscaras (?) a los pies de Venus. Cupido ahora es un adolescente.

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Venus y el amor efímero – Agnolo Bronzino

Otros desnudos destacados son, a mi opinión, el retrato de Andrea Doria, o los del enano Morgante.

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Andrea Doria como Neptuno – Agnolo Bronzino

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También existe una pintura religiosa en Bronzino, aunque los desnudos, como resulta previsible, son menos destacados:

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La piedad de la Santa Cruz (izquierda) – La resurrección de Cristo (derecha)

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San Juan Bautista – Agnolo Bronzino

Para finalizar esta reseña, les muestro algunos dibujos del artista florentino:

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El cuerpo desnudo en fotografía: Jean Paul Bourdier

Jean Paul Bourdier es un fotógrafo francés afincado en los Estados Unidos donde ejerce como profesor de arquitectura, fotografía y estudios visuales, en la University of California en Berkeley. En su fotografía nos muestra el cuerpo humano integrado en la naturaleza, pero no como elemento natural que surge de la misma, al modo naturista, sino como un elemento compositivo imprescindible para la creación de una nueva realidad. Incluso cuando parece establecerse una mímesis hombre-paisaje ésta se manifiesta pretendidamente irreal. Los paisajes corporales tienen siempre un elemento surrealista fuertemente reforzado por los colores antinaturales de los cuerpos desnudos. Curiosamente, según nos cuenta en su página web, no utiliza recursos digitales para destacar sus extrañas y sugestivas visiones. Incorpora las técnicas del bodypainting a la fotografía analógica. Entresaco de una interesante web sobre su obra, las siguientes declaraciones del artista:

En mi trabajo, el primer principio ordinal tangible de las líneas es la línea del horizonte (cuyo espectro es el marco fotográfico); el primer principio ordinal de los colores es el cielo, y un principio máximo de mi trabajo presente es mi relación con lo que llamo nuestros ancestros, mientras continúo explorando mi relación con geometrías, compañerismo y la ligereza del ser…Éstos “ancestros” son los pintores que me han llegado a lo más hondo y a quienes quiero rendir tributo.

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El desnudo en el arte: Hans Erni

Después de haber comentado hace unos días el caso de Pierre-Yves Trémois, vuelvo a la carga con otro diseñador gráfico, un auténtico “peso pesado” de la ilustración: Hans Erni (Lucerna, Suiza, 1909-2015) al que le debemos, entre otros trabajos, la ilustración de más de 200 libros y creación de numerosas medallas; aunque también fue pintor y muralista. Veo algunas similitudes entre la obra de estos dos artistas, como la preeminencia de un dibujo de formas sencillas sobre formas más complejas presentes en la obra. Un dibujo heredero de Picasso, de quien fue un gran admirador, así como de Bracque. Aunque el artista formó parte, inicialmente, del grupo francés Abstraction-Création, de fuerte carácter abstracto y que pretendía contrarrestar el influjo del surrealismo de Bréton, su obra se volvió pronto muy figurativa dominando en todo momento la representación del cuerpo humano inmerso en actividades deportivas. En este sentido trabajó para el Comité Olímpico Internacional quien, con ocasión de la Olimpiada de Barcelona, lo condecoró con su medalla de oro por su obra artística de carácter deportivo.

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El desnudo en el arte: Oskar Kokoschka

Oskar Kokoschka (Pöchlarn, Austria, 1886-1980) fue el más radical de los expresionistas alemanes y esa radicalidad la pagó en vida con un gran desapego por parte del público vienés, pese a las alabanzas que le prodigó Klimt. Su situación mejoró cuando se trasladó a Berlín en 1910 y el arquitecto Alfred Loos lo tomó de la mano y actuó como su mecenas. A partir de los años 20 su obra se ha ido revalorizando hasta la actualidad aunque, como era previsible, durante el periodo nazi fue catalogada como “arte degenerado”. Abandonando la sencillez de trazo de la pintura vienesa del momento este artista generó una obra abigarrada de formas, texturas y colores cuya visión puede llegar a ser incómoda.

En esta primera pintura que les muestro, “Dos amantes desnudos”, se nos presenta autorretratado con Alma Mahler, la viuda del célebre compositor, con quien mantuvo una intensa relación amorosa.

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Dos amantes desnudos – Oskar  Kokoschka

Sus autorretratos son frecuentes y el siguiente – una de sus últimas obras – puede considerarse como uno de los más destacados. “Time, Gentleman, please”  juega con la señal de cierre de los pubs británicos para transponerla a la llamada de la muerte que el personaje observa con una mirada aterrada. Vemos unas formas descompuestas que parecen inducirnos a centrar nuestra mirada en esos ojos un tanto desorbitados por el miedo.

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Time, Gentleman, please – Oskar Kokoschka

He aquí algunas otras obras de este singular artista:

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Los paganos – Oskar Kokoschka

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Autorretrato con muñeca – Oskar Kokoschka

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Paisaje con desnudo cerca de Avignon – Oskar Kokoschka

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El amor rechazado – Oskar Kokoschka

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¿Dónde está Ariadna? – Oskar Kokoschka

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Orfeo y Eurídice – Oskar Kokoschka

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Este par de fragmentos del inmenso “Tríptico de Prometeo”:

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Sus dibujos, no es que sean convencionales, pero si mantienen mas esa tradición plana y lineal del arte vienés de la época y me recuerdan a la de otros expresionistas como Schiele:

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