Pese a su nacimiento en París, Sir Edward John Poynter (París, Francia, 1836-1919) fue un artista inglés. A ese país se trasladó con su familia desde muy joven y en el mismo realizó sus primeros estudios artísticos. Su obra tiene una fuerte impronta clasicista con un interés destacado en los temas de carácter histórico, mostrando ocasionalmente un cierto orientalismo. Sin embargo, fue atraído por el movimiento simbolista, particularmente por los prerrafaelistas. Durante una estancia en Roma – que llevó a cabo por motivos de salud – conoció a una de las figuras destacadas del movimiento, Frederic Leighton, por el que sintió una gran admiración. También conoció al impresionista-simbolista americano J.M. Whistler y fue cuñado de uno de los iconos prerrafaelistas: Edward Burne-Jones.
Ninfas – Edward Poynter
Estudio para Ninfas – Edward Poynter
La ninfa del arroyo – John Poynter
Diadume – John Poynter
Andrómeda – Edward Poynter
Andrómeda – Edward Poynter
Una visita a Escolapio – Edward Poynter
Estudio para ninfa de la tormenta – Edward Poynter
Estudio para ninfa de la tormenta – Edward Poynter
Tanto Émile Fabry (Verviers, Bélgica, 1865-1966) como Jean Delville se proclamaron «pintores idealistas» puesto que perseguían el ideal de elevar al público a través de su arte. A Fabry podemos inscribirlo, plenamente, en el movimiento simbolista, con influencias de los prerrafaelistas que conoció durante su estancia en Inglaterra durante la Primera Guerra Mundial. Fue miembro de algunos prominentes grupos artísticos tales como «Pour l’Art» y «Rose+Croix». Durante su etapa final se dedicó, casi exclusivamente, a la pintura de frescos, en colaboración con algunos arquitectos modernistas.
Recientemente, he mostrado en este blog una parte de la producción artística de Delmas Howe, que calificaba de «arte gay». Quiero hoy presentarles a un pintor con un estilo muy diferente. Gilbert Lewis (Hampton, Virginia, USA, 1945) es posiblemente artista homosexual, que retrata, fundamentalmente, a personajes homosexuales. Pero, ni siquiera una obra como «Tibuto», en la que se evidencia una historia de caracter sexual, me harían etiquetar como «gay» su pintura.
Tributo – Gilbert Lewis
Enamorado del «trecento» italiano, que pude apreciar durante un viaje a ese país, sus retratos tienen una simplicidad formal y un dominio de los colores pastel que aplica como acuarela o pastel. Una simplicidad que no es ajena a un dominio del retrato en lo que tiene de expresión formal de unas características físicas y psíquicas. Un arte que va dirigida a cualquier público.
“Una de mis motivaciones en la pintura ha sido celebrar el comienzo de la edad adulta … A pesar de nuestro enfoque ostensible en la juventud, los hombres jóvenes están en una especie de mundo inferior, ya no son adolescentes y, sin embargo, no son adultos completos … modelado para que pudiera hablar y saber que alguien estaba escuchando «.
Quizás no sea un artista muy conocido fuera de los Estados Unidos. En Filadelfia, existe una buena colección de su obra en el Woodmere Art Museum, especializado en el arte del Valle de Delaware.
Arnold Böcklin (Basilea, Suiza, 1827-1901) fue un artista simbolista muy próximo a la escuela de los prerrafaelistas. Viajó por Europa, tanto por los países flamencos como los mediterráneos. De estos últimos absorbió el uso renacentista de los elementos mitológicos. Pero su deuda con el romanticismo, y muy marcadamente con Friedrich, dan a la mayoría de su obra un tono sombrío. La muerte llega a estar presente, especialmente en su obra icónica «La isla de los muertos» de la que hizo varias versiones bastante similares. Su influencia en el movimiento surrealista fue notable y algunos de sus artistas, como Dalí, Max Ernst o De Chirico, la manifestaron públicamente.
Jugando con las olas – Arnold Böcklin
Ulises y Calipso – Arnold Böcklin
Tritón y Nereida – Arnold Böcklin
La sirena – Arnold Böcklin
Pan silbando a un mirlo – Arnold Bücklin
La familia de Tritón – Arnold Brücklin
El nacimiento de Venus – Arnold Böcklin
Niño desnudo – Arnold Böcklin
Luto de María Magdalena sobre el cadáver de Cristo – Arnold Bücklin
El pasado año, gracias al Museo Yves Saint Laurent de Marrakech, tuvimos ocasión de conocer una muestra de la obra de Jacques Azéma (París, Francia, 1910-1979), un pintor casi olvidado que se mantuvo toda su vida ligado a Marruecos, desarrollado su actividad en Casablanca y, fundamentalmente, en Marrakech. Creador de una obra luminosa y sensual, con elementos oníricos y eróticos, en la que se aprecian influencias de De Chirico, pero que se muestra siempre como muy original.
François Croissy en un artículo para ARTCRITIQUE comentó:
«Su pintura se caracteriza por una gran sensualidad. A menudo se trata de gouaches, lo que explica su grano muy particular y su asombrosa gama cromática, muy suave.»
En el artículo se destaca igualmente su gran importancia como docente e impulsor de una escuela artística marroquí.
Will McBride (San Luis, Misuri, USA, 1931-2015) tuvo una educación artística en su país, pero su interés por la fotografía es posterior a 1955 cuando, después de su servicio militar con el ejército americano en Alemania, se estableció en la misma con carácter definitivo. En su primera etapa actuó como fotorreportero para la revista «Twen», dirigida por Willy Fleckhaus. Según nos cuenta Eugenio Vega, en un magnífico trabajo al que van referidas todas las citas de este artículo:
«La integración de texto y fotografía en una estructura secuencial contribuyó a definir una coherencia gráfica que se convirtió en una seña de identidad de la publicación»
La obra de McBride el aspecto compositivo toma un papel tan preponderante que acabó por distanciarlo de la exigencias de maquetación, más rígidas, de Twen. De su gran trabajo para esta revista, efectuado en la India sobre la figura de Siddartha se dice:
«Cada fotografía era una gran producción en sí misma que requería dibujantes para los storyboards y asistentes para llevar accesorios, suministrar componentes, traducir instrucciones, manejar unidades de flash y luces de reflectores que McBride utilizaba para suavizar las zonas de sombra. Un proceso que se volvió cada día más complejo por una caótica forma de trabajar, inseparable de su proceso creativo.»
Su caótica forma de trabajar y la fusión entre su vida privada y artística le costó la separación de su mujer y sus hijas y una cierta polémica social:
«Su casa, que era a la vez su estudio, se llenaba de jóvenes desconocidos y de vagabundos a quienes aquel lugar ofrecía no sólo refugio sino también libertad. Más de una noche era fácil encontrar allí una veintena de jóvenes, con sus sacos de dormir por los rincones, en un ruidoso ambiente viciado por el olor a hachís. McBride era consciente del contraste de toda aquella gente con los sobrios y conservadores vecinos que poblaban el barrio, pero confiaba, quizá ingenuamente, en una especie de convergencia entre gentes tan distintas.»
Sin duda, el escándalo mayor, y las censuras, las protagonizó su obra «Zeig Mal!» (Muéstrame) obra de educación sexual para niños y padres, en colaboración con la Dra. Helga Fleischhauer-Hardt.
Ignoro si algunas de las obras de desnudos que les muestro a continuación forman parte de este libro (supongo que sí), pero creo que en todos los casos, las fotografías muestran una narrativa compleja que no tiene una lectura erótica unívoca.
Las reseñas en la web sobre Emmanuel Benner (Mulhouse, Haut-Rhin, Francia, 1836-1896) son bastante escasas, pese a la abundancia de reproducciones artísticas que tenemos del mismo. El pintor fue miembro de una familia artística (también lo fue su hermano gemelo Jean),y se destacó con el desnudo femenino, que se muestra a menudo en entornos románticos, dentro de la tradición de la época. Estuvo en contacto con impresionistas como Degas, que dejan también su impronta en muchas de sus obras. Se comenta que se encuentran presentes también en su pintura temas orientalistas, aunque yo no los aprecio en ninguna de las obras que incluyo como ejemplos:
La muerte parece haber rondado siempre alrededor de la obra de Hugo Simberg (Hamina, Finlandia, 1873-1917), que falleció a los 44 años. Discípulo de Akseli Gallen-Kalela, el simbolista finlandés más destacado, creó en sus obras un mundo macabro protagonizado por demonios y ángeles de la muerte. Hablar de desnudo en estas obras puede no ser lo más adecuado.
Fue un buen grabador, fotógrafo, y desarrolló magistralmente la pintura al temple.
De sus pinturas al temple cabe destacar las que decoran la Catedral de Tampere, en la que un imponente friso, denominado la «Guirnalda de la vida», que muestra una serie de niños desnudos que sujetan y anclan en el espacio una gruesa guirnalda. Esta obra comparte protagonismo con el fresco «Resurrección» de Magnus Enckell.
Para llevar a cabo esta pintura se valió claramente de un conjunto de fotografías efectuadas a modelos. La Galería Nacional Finlandesa dispone de una gran colección de estas y otras fotos realizadas por el artista. En lo que he podido observar los desnudos son escasos dentro de la gran producción. Pese a ello, he tenido que seleccionarlos por cuestiones de espacio:
El hecho de etiquetar como «arte gay» – con lo que siempre he criticado el término – la obra del pintor y muralista Delmas Howe (El Paso, Texas, USA, 1935), sólo puedo justificarlo porque considero que el artista nos muestra siempre a una comunidad masculina haciendo uso de todo el imaginario asociado tradicionalmente a la homosexualidad masculina. Sus figuras que describen el mundo cowboy y sus rodeos tienen como referencia, o al menos como precedente, la obra de George Quaintance. El ángel sexuado, la citas sadomasoquistas, e incluso el sexo explícito (normalmente muy en segundo plano), configuran tanto una temática como una estética característica. Debo aclarar que «arte gay» no quiere decir que sea «arte para gays». Se trata de Arte, y la obra de Delmas Howes se muestra fundamentalmente en el Museo de Albuquerque (donde se encuentra su obra más famosa «Las Tres Gracias«) pero también en otros museos americanos. En Europa, se encuentra presente en el Museo Británico.
Pido disculpas por esta larga cita, que corresponde a alguien tan prestigioso como Edward Lucie-Smith:
«Delmas Howe ocupa una posición extraña en el mundo del arte estadounidense. Actualmente, es probablemente el ‘artista gay’ más conocido de Estados Unidos, en el sentido de que es el artista más conocido que pone el sentimiento homosexual en el centro de su trabajo. Un gran número de hombres homosexuales estadounidenses han aprendido a reconocer sus propios sentimientos al tropezar con sus pinturas. Su sitio web, http://www.delmashowe.com recibe miles de visitas cada año, y el éxito de la reciente El documental ‘The Truth or Consequences of Delmas Howe’, que celebra su personalidad, su estilo de vida y, sobre todo, quizás, la remota y pequeña ciudad del centro de Nuevo México donde vive y trabaja. Los jóvenes homosexuales lo consideran un héroe y algunos incluso hacen peregrinaciones para verlo. Recientemente recibió un Premio del Gobernador del Estado de Nuevo México, un reconocimiento no a su fama en el mundo gay, sino a sus esfuerzos culturales sostenidos durante mucho tiempo en su comunidad local. . En términos importancia social, su carrera rivaliza con la de la principal artista feminista de Estados Unidos, Judy Chicago, que también vive en Nuevo México. No es casualidad que los dos artistas sean amigos personales «.
Teseo – Delmas Howe
Desnudo de espaldas con jine sobre toro – Delmas Howe
Leonard Baskin (New Brunswick, New Jersey, USA, 1922-2000) fue tanto un escultor como un artista gráfico. Aunque no siempre se evidencia, Basquin aborrecía la devaluación de la figura, que protagonizaba el expresionismo abstracto, y sus obras se inspiraron en el clasicismo, la mitología y la tradición judía. Sus esculturas son oscuras, centradas en la muerte o en pesadillas en las que, generalmente, se fusionan imágenes de hombre y pájaro.
Sin embargo, quisiera poner de relieve su faceta de dibujante y grabador, porque desarrolló en la misma un estilo muy personal. Vemos las mismas obsesiones pero su expresión formal es más amplia .
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
migueldesnudo 
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