Glyn Philpot (Clapham, Londres, Reino Unido, 1884-1937) fue un pintor y escultor que se formó en la Lambeth School of Art y en la Académie Julian de París, y se destacó, fundamentalmente, por sus retratos. Su producción pictórica combina la alegoría religiosa de su recién adquirido catolicismo – en obras de estilo simbolista – con su amor al desnudo masculino. Homosexual, retrató numerosos jóvenes: conocidos, amigos y amantes. Quizás, de esta dualidad surgen obras como este San Sebastián con el que inicio mi pequeña selección.
San Sebastián – Glyn Philpot
Viaje del espíritu – Glyn Philpot
Negro durmiendo – Glyn Philpot
Cristianos y esperanzados llegan ante la Ciudad Celestial – Glyn Philpot
La obra de Pier Toffoletti (Torreano, Udine, Italia, 1957) se ha abierto camino por todo el mundo, desde Tokio a Nueva York, pasando por su tierra natal, donde continúa trabajando en su provincia de Udine. Un artista que tuvo una formación poco convencional. Diplomado en artes aplicadas, publicidad y fotografía, ejerció como publicista y dibujante de animación antes de dedicarse a la pintura. Sus obras tienen esa simplicidad estructural (que no formal) característica de la imagen impactante publicitaria y, al mismo tiempo, el juego de la manipulación digital de la fotografía. El conjunto es impactante, como se muestra en la selección que les incluyo aquí.
Después de la Segunda Guerra Mundial, el polo cultural que suponía la ciudad de París cambió su orientación y apuntó a Nueva York. A esta ciudad se dirigieron artistas procedentes de todas partes del mundo. Hacia finales de siglo es posible que la situación no fuese tan extrema, pero los Estados Unidos mantuvieron su poderosa atracción sobre asiáticos, centroeuropeos y latinoamericanos. El nuevo entorno sociocultural modeló la producción de estos artistas, generando un sincretismo que sólo puede comprenderse sobre la base de sus culturas originales y las vivencias, oportunidades y aspiraciones que surgen de su nuevo mundo. Como ejemplo, quiero presentarles la obra de la artista brasileña, de padre alemán, Mona Kuhn (Sao Paulo, Brasil, 1969). Su fotografía es muy variada tanto temática como estilísticamente pero, si hay algo característico de la misma es el dominio del color adquiriendo el máximo protagonismo en la obra. En una gran secuencia inspirada en su Brasil natal, un fuerte difuminado reduce las formas a zonas cromáticas de distinta intensidad luminosa. La luz directa, reflejada o matizada por la naturalez (hojas, nubes,…) contribuye también, en muchas ocasiones a esa abstracción formal.
Pero en otros casos la luz perfila fuertemente las formas y los desnudos adquieren la estructura de retratos.
Francis Luis Mora (Montevideo, Uruguay, 1874-1940) fue un artista que se expresó mediante numerosas técnicas (óleo, acuarela, dibujo, grabado, escultura…). Aunque de origen uruguayo, viajó pronto con su familia a España donde tuvo una formación fundamentalmente autodidacta, aprendiendo en el Museo del Prado la técnica de los maestros españoles, especialmente Velázquez. Posteriormente, viajó a los Estados Unidos y trabajó en Nueva York hasta su fallecimiento. Se comenta que intentó adaptar el arte español al modelo americano. En este sentido, resultan muy característicos su desnudos femeninos acompañados por pañoletas o mantones de Manila. También realizó un grupo considerable de obras que podemos asociar al impresionismo americano.
En su obra, en la que predominan retratos y pintura de género, no abundan los desnudos. Sin embargo, aquí les muestro algunos que he podido encontrar en la web.
A lo largo de todas mis entradas en el blog he pretendido mostrar las múltiples visiones que, desde la óptica de la identidad personal del artista, permiten una representación del cuerpo humano desnudo. Esas visiones pueden proyectar los gustos estéticos del autor pero no necesariamente. El cuerpo sexuado ha jugado siempre un destacado protagonismo en los roles sociales y el artista puede centrar su atención en los mismos. Esto resulta muy importante en el arte feminista. Una joven artista como Phoebe Mills (Mánchester, Reino Unido) quiere contraponer en su obra una mirada femenina sobre el cuerpo masculino a la tradicional mirada masculina. La artista considera que el hombre ha «endulzado» las formas femeninas para adaptarlas a sus gustos personales. Pretende mostrar ahora una visión masculina que, desde la ironía, no serían consideradas como válidas por el propio hombre (pene, vello corporal), aunque no parece posicionarse sobre su gusto personal.
Priscila Frank comentó en su artículo algunas palabras de Mills. Las reproduzco porque me parecen muy significativas:
«Comencé a pintar modelos masculinos en poses que recordaban estos famosos desnudos femeninos, pero en lugar de ocultar rasgos que serían considerados poco atractivos bajo la mirada masculina, los glorifiqué ”. Celebrando cada barriga, vello púbico y parche de piel pastosa, Mills ofrece a sus sujetos lo que a las mujeres se les negó durante mucho tiempo: la libertad de ser representadas como realmente son.
Phoebe Mills es una artista multimedia de la que no he podido conseguir casi ningún dato, ni siquiera he podido encontrar una web personal, pero me parece que merece conocerse más sobre una obra que muestra un planteamiento diferente.
Marcel Delmotte (Charleroi, Bélgica, 1901-1984) fue un artista en cuya obra se aprecia una transición del simbolismo hacia el surrealismo. De formación autodidacta, sus continuas visitas a museos y exposiciones, le aportaron un buen conocimiento del arte clásico y algunos artistas tales como Piero della Francesca, Caravaggio, Poussin o David, dejaron su impronta en la obra de este artista. De un modo muy destacado, hay que citar al surrealista Giorgio de Chirico. Menos conocido que otros surrealistas belgas, como Paul Delvaux o René Magritte, o que el simbolista Jean Delville, generó – en mi opinión – un estilo que no terminó de decantarse por ninguno de los ismos del momento. Algunas de sus obras como «Atlas» o «las columnas de Hércules» me recuerdan al «Prometeo» o a «los últimos ídolos» de Delville:
Atlas – Marcel Delmotte
Las Columnas de Hércules – Marcel Delmotte
Con el mismo gusto por las luces sombrías y un tono fuertemente expresionista tenemos esta magnífica «Crucifixión»:
Crucifixión – Marcel Delmotte
En otros casos, parece apreciarse el clasicismo geometrizante de De Chirico:
Pero, lejos de estas apreciaciones, con carácter totalmente personal, la obra de Delmotte es muy variada y se aprecian en la misma diferentes técnicas y estilos:
Dentro de las técnicas pictóricas, la acuarela no parece tener demasiados seguidores, especialmente en el mundo contemporáneo. Por ello me complace encontrar a una artista como Wendy Artin (Boston, USA, 1963) que mediante la acuarela crea una obra que aúna calidad y atractivo formal. Formada en la Universidad de Pensilvania, pero también en Roma y París, su obra se encuentra actualmente en muchas colecciones públicas y privadas. Un fuerte clasicismo parece encontrarse en la base de unas figuras dibujadas literalmente por la luz que, interaccionando con la superficie de los cuerpos desnudos insinúa, más que delimita, las formas corporales. El colorido de la obra nos recuerda igualmente las sanguinas de artistas clásicos, como Miguel Angel.
YouTube nos muestra un pequeño video sobre la obra de Wendy Artin. Los dejo aquí con algunos de sus numerosos desnudos.
El nacimiento de la fotografía en las décadas de 1829 y 1830 estuvo ligado al mundo científico y desde el mismo se fue popularizando para generar todo tipo de retratos. Pero esta obra no era considerada como arte. Cuando el mundo artístico empezó a tener en cuenta esta «técnica» lo hizo inicialmente como un método auxiliar que permitía tener modelos fáciles para los trabajos pictóricos de estudio. Cuando la fotografía se empezó a tomar en serio, como arte, no intentó captar directamente una fría «realidad» sino que intentó incorporar todos los elementos creativos de la pintura. Surge de este modo, entre finales de 1880 y la Primera Guerra Mundial, un movimiento denominado «pictorialismo» que luchaba contra la banalización de la imagen y centraba su interés, más en el espíritu creativo del autor, que en la supuesta objetividad de la fotografía. El esquema romántico del momento se ve muy presente en estos artistas, que utilizan para reforzarlo técnicas como los difuminados, ambientes oscuros y situaciones atmosféricas, que parecen propiciar situaciones dramáticas.
Uno de los últimos artistas clásicos del periodo comentado, fue William Mortensen (Park City, Utah, USA,1867-1965), muy popular en los años 20 y 30 del pasado siglo, pero luego olvidado por la presión de destacados colegas que «sacralizaron» la objetividad fotográfica. Mortensen retrató muchas figuras cinematográficas del momento pero también observamos su interés por lo fantástico, por un mundo misterioso con brujas o grandes monstruos.
Quiero introducir pronto a este artista para permitir un diálogo entre la producción del mismo y la de su homólogo Max Liebermann, que acabamos de comentar. Ernst Lieberman (Langemüss, Alemania, 1869-1960) comparte con Max su apellido y nacionalidad, pero la situación se plantea ahora de un modo muy distinto. Hay unos 25 o 30 años de diferencia entre los mismos y en la sociedad alemana ha irrumpido el Tercer Reich.
La obra de Ernst Liebermann – como la de Max – se ve influenciada por el impresionismo y el modernismo/simbolismo pero, de algún modo, también pone de manifiesto alguno de los valores (salud física y deporte, familia, raza, etc.) que defendía el nazismo. No fue represaliado por éste, como todos los artistas que el régimen consideró que producían un «arte decadente» y, quizás este hecho ha contribuído a una menor difusión de su obra. Berthold Hinz en un estudio que aparece en el catálogo de la magna exposición «les Realismes, 1919-1939» – llevada a cabo por el «Centre George Pompidou» en 1981 – es extremadamente crítico con el arte del IIIº Reich al que acusa de un mantenimiento de los estereotipos a través de una pintura de género, ajena tanto a la temática social real como al conjunto estilístico de las vanguardias. Ernst Libermann no creo que haya sido un modelo del pintor del nazismo, como quizás lo fuese Ivo Saliger o Adolf Ziegler, y muchos de sus desnudos considero que deberían formar parte de una antología del arte modernista. Aquí les muestro algunos:
Max Liebermann (Berlín, Alemania, 1847-1935), hijo de una familia judía acomodada vivió muy de cerca la experiencia de la guerra franco-prusiana de 1870 que le impactó profundamente, iniciando su andadura como pintor con un estilo realista sombrío influenciado por el húngaro Mihály Munkácsy. Posteriormente, conoció el impresionismo francés a través de la escuela de Barbizon, adoptando este estilo aproximadamente a partir de 1895 que mantendrá hasta el final de su vida, con algunas derivaciones hacia el modernismo. Miembro fundador de la influyente asociación «Secesión de Berlín», su obra fué secuestrada durante el periodo nazi. Con posterioridad se ha ido recuperando y actualmente se encuentra en numerosos museos alemanes, aunque no es demasiado conocida en el exterior de ese país.
Entre sus desnudos se destacan los que protagonizan niños:
En la piscina – Max Liebermann
Después del baño – Max Liebermann
Baño de muchachos – Max Liebermann
Baño de niños – Max Liebermann
Jinete desnudo en la playa
Recuerdos del verano – Max Liebermann
Estudio de joven – Max Liebermann
Junto a estas obras, les muestro otros destacados desnudos de este artista.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
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Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
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