Joao Zeferino da Costa (Rio de Janeiro, Brasil, 1840-1916) fue un artista que desarrolló su actividad en el campo de la pintura, fundamentalmente de tema religioso, como fruto de su experiencia europea en Roma y París. También trató la pintura histórica – llegando a sustituir interinamente en su cátedra de Pintura histórica a su maestro Victor Meirelles – el paisaje y, en menor medida, el desnudo. En este último, muy de estudio, se aprecia claramente el academicismo de tradición europea. Zeferino da Costa tuvo una notable actividad como profesor en la Academia Imperial de Bellas Artes y formó a algunos de los grandes maestros brasileños.
Desnudo académico – Zeferino da Costa
Desnudo masculino de pié con bastón – Zeferino da Costa
Vanessa Beecroft(Génova, Italia, 1969) es una controvertida artista que se mueve fundamentalmente en el campo de la performance pero también de la fotografía que, en ocasiones, tiene un carácter independiente de la reprodución directa de estos eventos. Sus obras tienen un sello que las hace facilmente reconocibles (además de la etiqueta VB seguida de un número, con la que se citan): un grupo más o menos numeroso de mujeres altas, muy delgadas y parecidas entre si, que suelen mantenerse inmóviles en el escenario, sugiriendonos un poco una visión 3D de la obra de Helmut Newton. La pieles muy maquilladas, usualmente de blanco, magnifican la uniformidad, aunque muchas veces se contrasta con negro o tonos marrones. Muchos sectores critican sus performances al considerar que objetualiza completamente la figura de la mujer, mientras que otros hacen incapié en ese aspecto retador e intimidatorio que nos produce su obra. Un empoderamiento que puede considerarse más como un postfeminismo que como un antifeminismo. En cualquier caso, a medida que ha pasado el tiempo sus performances se han vuelto más complejas y difíciles de interpretar.
En los últimos tiempos hemos visto que también ha ampliado su campo de actuacón a otras artes como pintura o escultura:
Tótila Albert Schneider (Santiago, Chile, 1892-1967) fue un destacado escultor que se formó, durante la Primera Guerra Mundial, en los talleres del prestigioso escultor alemán Franz Metzner, especializado en la escultura arquitectónica. Vivió bastante tiempo en Europa, donde formó parte del grupo chileno conocido como «Generación del 28», pero volvió definitivamente a su pais en 1939. En Chile, con gran precariedad de medios, desarrolló su obra con un estilo propio. Dentro de la misma, resulta particularmente relevante su escultura «La Tierra» que, por falta de medios se quedó como un estudio en yeso pero que, en el año 2007, el gobierno chileno restauró y realizó un vaciado en bronce.
La Tierra (original en yeso) – Tótila Albert
La Tierra (fundición en bronce) – Tótila Albert
En Montevideo se encuentra también una obra monumental suya, homenaje al intelectual uruguayo José Enrique Rodó:
Monumento a Rodó – Tótila Albert
Otras obras de este escultor, localizadas en Internet:
Pareja – Tótila Albert
Largo – Tótila Albert
Danza – Tótila Albert
Creciente – Tótila Albert
Tótila Albert creó su propia academia en 1953 y está considerado como uno de los grandes innovadores de la escultura chilena.
La vejez ha estado presente en la obra de varios artistas contemporáneos. La apreciamos en la obra de Lucien Freud, Stanley Spencer, Andrés Serrano o las extraordinarias fotografías de Paz Errázuris. Quiero mostrar ahora la producción de Ángel Ballestero Pinazo (nombre artístico A.Pinazo. Toledo, España, 1970) que trabaja actualmente como profesor en Puerto Rico, pero que realizó en Valencia una tesis de máster (2007) que, con el título “H.Irrealismo: La senectud masculina al desnudo”, nos muestra su interés hacia el cuerpo desnudo en la vejez. En los objetivos de este trabajo indica:
Se trata de conferir a la representación de la senectud una legitimidad artística mediante la realización de una tesis de Master teórica y práctica; de recrear la belleza de unos cuerpos que, al margen de la estética y los cánones establecidos, sea sugestiva y demuestre que existe una belleza interior y exterior al margen del canon dominante. Y todo ello mediante el análisis del cuerpo desnudo representado en las obras clásicas que, por general, establecieron el canon de belleza en cuerpos de mujeres.
Los desnudos femeninos tienen tambien un lugar, aunque menos destacado en la producción de este artista.
Identidad y temporalidad vital se ponen de manifiesto en óleos como los siguientes:
El sueño de lo vivido – A. Pinazo
Sometido – A. Pinazo
Imagen fin del mundo – A. Pinazo
Vencedor – A. Pinazo
Homenaje a Manet – A. Pinazo
Me parecen particularmente interesante sus dibujos hiperrealistas
Roger Hiorn (Birmingham, Reino Unido, 1975) es un artista que une escultura, performance, instalación y, ocasionalmente, video. La fusión entre hombre y objeto pretende un sentido que va más allá de la apreciación estética y, según declara:
«Creo que es importante para un artista poder actuar de una manera nueva: en lugar de considerar siempre las direcciones tradicionales de la escultura, la performance o la pintura, quizás el artista pueda inventar o influir en la posibilidad de un nuevo comportamiento»
Ganador del Premio Faena de las Artes argentino en 2016 realizó uno de sus «montajes» en Buenos Aires con el título «En el umbral». En éste, el artista desnudo interacciona, entre otras cosas, con restos de aviones procedentes de la Guerra de las Malvinas. Una reflexión sobre la violencia.
Podemos ver un pequeño video sobre la misma en la plataforma de YouTube.
Unos años antes, en 2011, presentó en el Hepworth Wakefield de Inglaterra una performance en la que un grupo de jóvenes permanece sentado sobre una serie de objetos diversos. Avanza desnudo y se sienta silencioso contemplando una llama que termina por apagarse.
En una reseña de «The Guardian» para esta exhibición se comenta:
… esta «intervención carnosa realmente incómoda entre una máquina o un objeto hecho por el hombre y una persona», surgieron de la fascinación por una fotografía de Man Ray que representa a su esposa apoyada en una imprenta, «un acto de fusión» entre lo mecánico y lo humano.
Los trabajos de este artista forman parte de numerosas colecciones entre las que podemos destacar la Tate.
Georgette Agutte (París, Francia, 1867-1922) fue una artista singular, tanto por la extraordinaria calidad de su obra como por sus circunstancias personales entre las que destaca simplemente su condición de mujer en el siglo XIX. Su padre, discípulo de Corot, murió pronto y se casó con un crítico de arte que le proporcionó una serie de relaciones que le permitieron seguir, como alumna libre, los cursos de Gustave Moreau. En ese momento no se aceptaba a las mujeres en las escuelas de bellas artes. De hecho se convirtió en la primera mujer en la «École Nationale de Beaux-Arts de Paris». Se relacionó con Renoir, Matisse, Rouault, Modigliani y Picasso, entre otros. Intervino en el salón de los independientes, y creó una obra pictórica en la que predomina el fovismo. Divorciada de su primer marido y casada en segundas nupcias, se suicidó a las pocas horas de la muerte de éste.
Dedico una única entrada a estas dos extraordinarias fotógrafas de los Países Bajos, no por el hecho de constituir una pareja (artística y/o sentimental) sino porque, al publicar en muchas ocasiones su obra de un modo conjunto, no puedo garantizar que obras que etiqueto sólo como de una de ellas no tengan una autoría conjunta. Diana Blok (Montevideo, Uruguay, 1952), hija de un diplomático holandés y de madre argentina, y Marlo Broekmans (Hoorn, Holanda, 1953) trabajan en Amsterdan y generan una obra muy comprometida con el ideario LGTB en la que exploran sus mitos, sueños y sentimientos. Las relaciones interpersonales y, concretamente las familiares, abundan en la obra de Diana Blok , cuyos componentes más combativos se muestran en sus videos, mientras que la heterosexualidad es más manifiesta en la obra de Broekmnans.
Ambas artistas suelen preferir el blanco y negro, en el que la luz juega un papel muy importante.
Madre e hija – Diana Blok
Hermanos bailarines – Diana Blok
Diana BlokDiana Blok y Marlo BroekmansHermanas – Diana BlokMarlo BroekmansAutorretrato con hermana – Diana Blok
Emisión filatélica finlandesa (2014) que muestra fragmentos de la obra de Tom de Finlandia
La óptica queer, llevada a su grado maximo en la ilustración de los desnudos, tiene como gran valedor a Tom de Finlandia (Kaarina, Finlandia, 1920-1991), cuyo verdadero nombre es Touko Valio Laaksonen. Influído por la obra de George Quaintance de de Paul Cadmus, nos da una visión homoerótica de hombres musculados, lampiños, con un sexo gigantesco. Complementan los cuerpos (sólo ocasionalmente visten) ropas de cuero y gorras miliares, dentro de la estética de la subcultura «Leather» y que se convirtieron en estereotipos gays a partir de los años 70-80 del pasado siglo. La actividad sexual se manifiesta brutal y sin ningún tapujo o censura. La obra de Tom de Finlandia se difundió rápidamente por los Estados Unidos a partir de 1957 en revistas denominadas genéricamente como «beefcake». En un momento en el que la homosexualidad estaba reprimida socialmente estas revistas, bajo una máscara de culturismo y salud física en general, consitituían un modo de difusión de la visión homoerótica de la comunidad gay.
Su obra tiene un claro reconocimiento en el mundo actual, matizado en algunos casos debido a la dureza de las imágenes y el subyacente debate sobre la relación arte/pornografía.
Fernando Ureña Rib (La Romana, República Dominicana, 1951-2013), literato. pero fundamentalmente pintor, nos ha legado un destacado conjunto de pinturas en las que el color y la sensualidad pueblan un mundo casi exclusivamente femenino. Un color que aúna la luz caribeña y el colorismo veneciano aprendido en Europa. Su erotismo se aleja de lo vulgar y adquiere dimensiones íntimas y poéticas.
La obra de Ureña Rib ha sido expuesta en museos e instituciones de todo el mundo y, desde 1994, se difunde a través de la Fundación Ureña Rib que no sólo promociona el arte de este artista sino que muestra a toda la comunidad el arte sudamericano.
La interpretación de la obra fotográfica, como cualquier obra artística, puede ser compleja. Cuando nos encontramos con una artista como Sam Taylor-Wood (Croydon, Reino Unido, 1967), que trabaja como directora de cine, fotógrafa y, especialmente, como artista visual, la situación se complica. Máxime en un blog como éste que no puede mostrar bien la multiplicidad de visiones que exigen los montajes o los vídeos. Su obra no está particularmente dirigida hacia el desnudo por lo que intento entresacar los mismos – de carácter muy diferente – entre lo que me muestra Internet.
Hombre desnudo – Sam Taylor-Wood
En «Wrecked» encontramos una clara referencia a la «última Cena» de Leonardo de Vinci:
Wrecked – Sam Taylor-Wood
«Third Party» es una instalación que proyecta circularmente siete videos con el título de «Soliloquy». Estos últimos han sido adquiridos, como obras fotográficas independientes, por varias colecciones museísticas. Los «Soliloquy» consisten en una figura de grandes dimensiones y en la parte inferior una o varias pequeñas fotos a modo de «predellas» renacentistas, presentas como una única fotografía de 360º.
Soliloquy III – Sam Taylor-Wood
Soliloquy IV – Sam Taylor-Wood
Soliloquy VII – Sam Taylor Wood
Imagen del «Valle de la Muerte» – Sam Taylor-Wood
En el Valle de la Muerte (Destricted) nos presenta un video desconcertate por su contenido erótico. Un actor porno se masturba en un paisaje solitario. Según las declaraciones de la artista, la obra no tiene ningún contenido pornográfico e intenta representar el mito bíblico de Onán, la fertilidad e, igualmente, la soledad del personaje. Plantea la relación entre pornografía y arte, entre la imagen de un sexo desprovisto de significado y aquella que implica un discurso intelectual. Podemos ver la obra en varias plataformas. Por ejemplo aquí.
Otro vídeo fundamentado en el desnudo es Brontosaurio, en la que bajo la música del Adagio para Cuerdas de Barber, se realiza una danza de muerte y de vida. Al mismo pertenecen las imágenes siguientes:
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
migueldesnudo 