Aunque algo menos conocido que Rubens y que Van Dyck, Jacob Jordaens (Amberes, Bélgica, 1593-1678) puede considerarse como el tercer elemento de una trilogía que protagonizó el arte flamenco en el siglo XVII. Su obra muestra, entre otros, la influencia de Rubens y, de hecho, finalizó algunas obras que este maestro había dejado inacabadas para Felipe IV, en la Corte Española. También se aprecia la impronta dejada por Jan Brueghel el viejo, o de artistas del norte de Italia como Caravaggio o Veronese, aunque nunca viajó a ese país. Su pintura muestra colores intensos e iluminaciones dramáticas. Como era habitual en la Italia de la época, el desnudo se circunscribe, casi de un modo absoluto, a representaciones mitológicas clásicas.
La caída de los gigantes – Jacob Jordaens
Susana y los viejos – Jacob Jordaens
Alegoría de la fertilidad – Jacob Jordaens
Las hijas de Cécrope – Jacob Jordaens
El niño Júpiter alimentado por la cabra Amaltea – Jacob Jordaens
El amor de Cupido y Psiqué – Jacob Jordaens
La educación de Júpiter – Jacob Jordaens
Las bodas de Tetis y Peleo – Jacob Jordaens
En sus desnudos masculinos parece cobrar relevancia la figura del sátiro, aunque también vemos otras representaciones:
Agresivo, absurdo, cruel, incongruente, exagerado, manipulador…, son algunos de los apelativos con los que se cita a menudo la obra de Donigan Cumming (Danville, Virginia, USA, 1947), un artista que ha desarrollado su labor, desde 1970, en Canadá, y que nos lega una obra «incómoda». Podríamos decir que hace un fotoperiodismo pero «de otra manera», con un alto grado de intervención personal y manipulación de la imagen. Su proyecto más famoso, Pretty Ribbons, se centra alrededor Nettie Harris -actriz y periodista en un tiempo – a quien describe en sus últimos momentos de vida. Imágenes impactantes, tomadas con el consentimiento de la mujer que sabía que iban a ser publicadas. Los modelos de Cumming siembre han sido conscientes de este hecho y de que el fotógrafo quiere darles la palabra para hablar de otra historia, su otra historia desconocida. Éste comenta:
“La fórmula básica de mi trabajo es que el material tiene que transportar las semillas de su propia destrucción crítica. No es una ventana transparente a la otredad.”
Cumming dice que buscó una verdad sobre las personas «confrontándolas con la mayor agresividad posible y empujándolas, engañándolas para que revelasen los secretos de su cultura».
Les dejo con unas obras que invitan a una lectura pausada y reflexiva. Son imágenes que no pueden pasar desapercibidas.
Edith Neff (Filadelfia, USA,1943-1995) es una artista poco conocida fuera de su ciudad natal. Por ello, una importante retrospectiva del Woodmere Art Museum de Filadelfia, realizada el pasado 2019, ha intentado visualizar la importancia intrínseca de esta pintora realista que – con colores brillantes y un adecuado uso de las luces – describe magníficamente la realidad social y cultural de su ciudad. Filadelfia se aprecia como una ciudad humana, con vida y cultura propia, contrapuesta a la frialdad de Nueva York. En la misma aparecen algunos desnudos destacables, aunque escasos:
Sin embargo, la obra que me ha resultada más impactante, y que promovió mi interés por esta artista, fue «Desnudo (Warren Muller) en el balcón de Sidney». Me remito nuevamente al Woodmare Art Museum que, sobre la misma, comenta:
«… el hombre está pintado a gran escala y aislado por la pared verde del balcón. Neff transmite quietud y tranquilidad en su pose con la ciudad detrás. Se crea una intensidad y una sensación de tiempo congelado con contrastes de ricos verdes, naranja quemado, blanco y gris. El intercambio entre el desnudo y el espectador es íntimo y perturbador»
10 importantes artistas feministas y 10 destacadas obras de las mismas, que reflejan sus importantes diferencias identitarias. ¿Serías capaz de asignar correctamente las obras a sus autoras?. Si no es así puedes ayudarte con la correspondiente entrada de la artista en el blog.
George Minne (Gante, Bélgica, 1866-1941) abordó tanto la ilustración gráfica como la escultura, pero destacó particularmente en esta última. Su obra sigue en gran medida la inspiración de Rodin, pero utiliza formas simplificadas, recogidas en sí mismas, ajenas al mundo y dotadas de una fuerte espiritualidad, que las alejan muchas veces del expresionismo, y las posicionan claramente dentro de un simbolismo escultórico. La influencia de la escultura gótica y de los prerrafaelistas se evidencia en sus numerosos jóvenes de rodillas.
Joven arrodillado – George Minne
Un grupo de estos jóvenes, idénticos, miran reflexivamente al agua en la denominada «Fuente de los arrodillados» de Gante. Esta obra fue fundida más tarde, pero se conservan dos originales de la obra, una en mármol y otra en yeso:
Francisco Soria Aedo (Granada, España, 1898-1965) fue uno de los artistas más importantes del arte figurativo granadino de la primera mitad del siglo XX. Estudió en Madrid con otro destacado pintor granadino, José María López Mezquita y, aunque no se ha determinado su posible influencia, parece ser que conoció a Sorolla. Lo que sí está clara es la impronta que dejaron sus numerosos viajes por Marruecos, que marcaron el estilo luminoso y colorista que mostró en sus pinturas costumbristas. En ellas vemos representadas muchas figuras populares españolas y marroquíes.
Ganador de numerosas distinciones, Soria Aedo compaginó su labor artística con el desempeño docente en su «Cátedra de Preparación al colorido», en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando.
Inicio la muestra de sus desnudos con una obra, Pepita, que fué considerada como uno de los desnudos más destacables del momento:
Hay algo extraño y fascinante en la pintura de Christophe Hohler (Basilea, Suiza, 1961). Sus figuras, desnudas o no, parecen emerger de ninguna parte y portan un elemento de debilidad, de tragedia y soledad; aunque ésta última sea compartida. Son figuras de ejecución rápida, creadas sin modelo, en las que dominan los colores rojos y negro (ocasionalmente amarillo). Sus modelos muestran una humanidad y una individualidad en la que la forma física parece carecer de importancia y, en este sentido, desnudo y vestido no son referencias fácilmente aplicables. Cuando se ha preguntado al artista de dónde surgen sus figuras responde: «Al pintar el sujeto se revela a sí mismo».
El desnudo fotográfico se muestra sólo en una pequeña, aunque destacada, parte de la inmensa producción fotográfica de Fritz Henle (Dortmund, Alemania, 1909-1993). Asociado casi siempre a la revista Life, su producción corresponde más a la de un fotoperiodista, que viajó por todo el mundo, que a la de un fotógrafo de estudio. Así – como podemos apreciar en la obra que les muestro – en sus fotografías dominan los espacios abiertos en los que integra el desnudo. El uso de las populares cámaras Rollei, con su característico formato cuadrado, le dieron el apelativo de «Mr. Rollei». En 1947 adoptó la ciudadanía americana.
Para el destacado historiador de la fotografía Helmut Gernsheim, Fritz Henle fue el último de los grandes fotógrafos clásicos.
Nieves (modelo de Diego Rivera) – Fritz Henle
Estudio de desnudo – Frtiz Henle
Desnudo con las manos en las caderas – Fritz Henle
Estudio de desnudo en las rocas – Fritz Henle
Estudio de desnudo inspirado en Leonardo da Vinci – Fritz Henle
Retrato de canada Lee – Fritz Henle
Desnudo en la playa – Fritz Henle
Estudio de desnudo con los brazos en alto – Fritz Henle
Doble exposición – Desnudos – Fritz Henle
Desnudo en silla de metal – Fritz Henle
Desnudo en la playa – Fritz Henle
Desnudo triple – Fritz Henle
Desnudo en la playa con huellas de vehículo – Fritz Henle
Nicolas Poussin (Les Andelys, Francia, 1594-1665) es quizás el principal referente artístico del arte francés del siglo XVII. Su obra marca el paso del renacimiento al barroco, pero manteniéndose en un clasicismo que lo convirtió en una de las principales fuentes de inspiración del neoclasicista Jacques Louis David. La pintura de Poussin parece tener pocas conexiones con el artes francés del momento, y se inspira en artistas italianos como Rafael o Giulio Romano y, de un modo general, en su colorista escuela veneciana, con un radical rechazo al caravaggismo. Fue todo un erudito en el mundo clásico y su mitología se encuentra muy presente en los desnudos, pero también en otras obras en las que reune clasicismo, paisaje, sobriedad y tono reflexivo, como en la conocida como «Et in Arcadia ego«. Creó obra religiosa y destacó en la composición de paisajes, dándoles un protagonismo inusual en aquella época.
Kazmá Petrov-Vódkin (Jvalynsk, 1878-1939) fue un destacado profesor, músico, dibujante, escritor y pintor. Discípulo del célebre pintor impresionista ruso Konstantin Korovin, creó una obra pictórica muy singular que suele encuadrarse dentro del simbolismo. Si bien es cierto que la pintura simbolista influyó decisivamente en su obra, también lo fue el arte del quatrocento italiano. Aventurándome como crítico de arte (que no lo soy) observo en algunas obras un tratamiento compositivo del color al modo del fovista de Raoul Dufy, como en su obra más famosa: «El baño del caballo rojo»
El baño del caballo rojo (1912) – Kazmá Petrov-Vódkin
Tres bañistas – Raoul Dufy
Siempre me ha llamado la atención las Bañistas de Dufy, en la que se nos muestra tres mujeres. Las dos más destacadas con sendos bañadores azul y rojo. La figura más adelantada es azul, y el efecto psicológico de este color intenta alejar la figura. La mujer del bañador rojo se encuentra en un plano más alejado, pero este color parece acercarla. El resultado es una pretendida bidimensionalidad del cuadro. Aquí se pretende lo opuesto. El intenso color rojo del caballo sobre el fondo azul, nos lo acerca y muestra la vitalidad del animal, manteniendo al jinete (en amarillo) en un plano algo más alejado y colocándolo en una posición de inestabilidad. También resulta diferente la posición del observador en los dos casos. Mientras que en las «Tres bañistas», las mujeres se ven desde abajo, en «El baño del caballo rojo» el observador se encuentra situado por encima de los objetos representados. Una de las características de la obra de Petrov-Vódkin, especialmente en su primera etapa, es el uso de una perspectiva esférica. El observador se encuentra tan alto que se aprecia una curvatura esférica de la tierra, con imágenes que pueden recordar a la fotografías con lentes ojo de pez.
La obra «Muchachos jugando» también recuerda a la del creador del fovismo: Henri Matisse:
Muchachos jugando –
Sin más comentarios, les muestro algunos otros desnudos de este artista, censurado en su momento en Rusia, al considerarse que no era suficientemente fiel al «realismo socialista».
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
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