Es ciertamente arriesgado hablar de los desnudo en la obra de Anton van Dyck (Amberes, Paises Bajos, 1599-1641) pues este artista se distinguió por los retratos cortesanos relacionados con el entorno de Jacobo I y Carlos I de Inglaterra. Sus desnudos forman parte de su obra italianizante, de carácter religioso o mitológico, que le llegó de la mano de su primer maestro Van Balen- que había estado en Italia – y posteriormente de Rubens, que aportó a la pintura flamenca un fuerte dramatismo basado en el color. Posteriormente viajará también a Italia donde pudo apreciar la obra de Tiziano, artista por el que sintió una gran devoción.
Júpiter, como sátiro, con Antíope – Anton van Dyck
Sileno borracho – Anton van Dyck
Sileno borracho – Anton van Dyck
Diana y una ninfa sorprendidas por un sátiro – Anton van Dyck
San Jerónimo – Anton van Dyck
San Jerónimo – Anton van Dyck
Amor y Psiqué – Anton van Dyck
El martirio de San Pedro – Anton van Dyck
El martirio de San Sebastián – Anton van Dyck
Hombre sentado, inclinado hacia atrás – Anton van Dyck
No ha sido éste un buen año para nadie. Para algunos, una auténtica pesadilla. Próximo a su finalización, las fiestas navideñas que centran un momento de reunión familiar para una amplia parte de la población mundial – que vertebran nuestra vida social más íntima – están en peligro por culpa de la Covid. No serán lo que fueron, y quizás no vuelvan a serlo nunca porque muchas cosas cambiarán. Con todo quiero ser optimista y pensar que saldremos adelante. Yo me siento afortunado. En este momento todo mi círculo familiar se encuentra bien y he logrado compaginar las restrictivas (también razonables) normas legales, con un aceptable acercamiento a mis hijos y sus parejas. Una Navidad algo diferente, pero vivir también es adaptarse al cambio. Con la ya tradicional foto, posando desnudos junto al árbol, queremos – mi mujer y yo – desearles antes que nada salud, felicidad, y fuerzas para seguir adelante en un año que se nos pronostica como duro y difícil, pero deja también abierta una puerta a la esperanza.
Alessandro Varotari, conocido como Padovanino, (Padua, Italia, 1588-1649) era hijo del pintor Daría Varotari, discípulo de Veronés. Muy influenciado por la obra de Tiziano, que supuestamente conoció en su Padua natal, pintó algunas obras sobre las que se ha dudado sobre la autoría. De hecho, su fama se debió en general a su labor de copista. Sin embargo nos legó una obra que tiene interés propio y en la que se aprecia igualmente su conocimiento de Miguel Angel, Annibale Carracci y Palma el Joven.
Inicio esta muestra con la obra «Orfeo y los animales» que podemos observar en el Museo del Prado.
Orfeo y los animales – Padovanino
También resulta curioso su «San Sebastián». Este santo ha sido siempre un pretexto para pintar una figura masculina desnuda y se convertirá, con los siglos, en un símbolo del mundo gay. Sin embargo, es raro que se muestre sin ningún elemento de ropa.
Veamos otras obras:
Marte y Venus con el ajedrez – Padovanino
Cupido y Psiqué – Padovanino
Sátiro y ninfa – Padovanino
Tres gracias y cupidos – Padovanino
Venus y Adonis con Amor – Padovanino
Las tres gracias – Padovanino
Suzana y los viejos – Padovanino
Venus durmiente con putos – Padovanino
Ariana en Naxos con Baco a lo lejos – Padovanino
Venus y Marte sorprendidos por Vulcano – Padovanino
Valentin Serov (San Petersburgo, Rusia, 1865-1911) fue un pintor que dominó diversas técnicas artísticas como el óleo, la acuarela, dibujo y grabado. También un notable profesor que transmitió a sus alumnos la importancia del dibujo como bosquejo cara a la ejecución de la obra, y de la iluminación del modelo. Referente a éste, es notable por abogar por el posado de mujeres desnudas. Hoy puede ésto resultarnos raro, pero durante todo el periodo academicista europeo sólo posaban desnudos los hombres, y cuando los impresionistas quisieron retratar a mujeres desnudas, acudieron generalmente a prostitutas. En principio su obra se ve dominada por el realismo y los colores oscuros de Ilya Repin, pero luego los tonos claros van adquiriendo un mayor protagonismo en un cierto «impresionismo» ajeno a los cánones del movimiento francés. En algunas obras, como en el retrato de Ida Rubinstein – pintado una año antes de su muerte – se aprecia una evolución hacia el modernismo y, si me permiten la opinión – hacia un cierto expresionismo.
Retrato de Ida Rubinstein – Valentin Serov
Como comentaba, Serov concedió una gran importancia al dibujo. Su relevancia artística es indiscutible, pero también han tenido una relevancia mediática a partir del año 2009 en el que se llevó a cabo, en Rusia, la exposición «Mensajes del gran líder. Los autógrafos de Stalin». En la misma vemos como muchas de las imágenes llevan sobreescritas comentarios irónicos o soeces del dictador.
Gracias a un Tweet de JCR (@Alabandine_) he podido entrar en contacto con la obra de un fotógrafo que me ha parecido muy destacable: Evgeny Mokhorev (San Petersburgo, Rusia, 1967). Junto a los recursos expresivos típicos de la fotografía en blanco y negro – basados fundamentalmente en los contrastes lumínicos y en la gradación de los grises para permitir texturas – me sorprende encontrar que este fotógrafo concede una gran importancia compositiva a los brazos y las manos de sus personajes. Estos fijan más nuestra mirada que los propios rostros, en muchas ocasiones ocultos, y son los que nos narran una historia, no siempre inmediata, pero sí emotiva. Mokhorev forma parte de famoso grupo fotográfico «Mirror», es miembro de la Unión de Fotógrafos de Rusia y sus obras han sido expuestas tanto en Europa como en los Estados Unidos.
La obra de Marcantonio Raimondi, o Marcantonio (Molinella, Italia, 1480-1534) tiene un gran interés historiográfico no sólo por la cuidada ejecución de su obra sino porque fue el primer impresor de grabados en serie, contribuyendo de este modo a la difusión de las obras artísticas por toda Europa. Se dedicó especialmente a la obra de Rafael, de la que llegó a reproducir no solo sus pinturas concluídas sino sus bosquejos y dibujos. También reprodujo muchas obras de Durero. Se comenta que éste tuvo que acudir a la justicia veneciana para impedir que en las copias de Marcantonio se reprodujese también su logotipo (esa célebre A), con la consiguiente incertidumbre de la autoría. No resulta muy claro qué diseños son propios y cuáles ajenos y tampoco los que pudieron ser ejecutados por su taller. La grabación de los «I Modi», obra erótica de Giulio Romani le dió notoriedad y lo condujo a la cárcel. No voy a mostrar éstos, comentados previamente, y me centraré en una selección de su vasta obra.
El sueño (Rafael)
David y Goliat
Adán y Eva
Adán y Eva
Apolo, Jacinto y Amor
Galatea (Rafael)
Baco
La masacre de los inocentes (Rafael)
Orfeo y Eurídice
Dos hombres desnudos tras un árbol
Marte, Venus y Cupido
Termino con el grabado de Marcantonio Raimondi sobre la obra de Rafael «El juicio de Paris» que será el modelo compositivo que utilizaría Manet para su célebre «Almuerzo en la hierba»:
Aimé Nicolas Morot (Nancy, Francia, 1850-1913) fue un pintor y escultor francés, alumno de Alexandre Cabanel y colega, en la Académie Julian, de Bouguereau. Obtuvo el Premio de Roma y varias distinciones entre la que se encuentra la medalla de Honor del Salón de París por la que fue su obra más conocida: El buen samaritano.
El buen samaritano (óleo, 1880) – Aimé Morot
Esta obra se nos presenta también como un grabado, y disponemos también de un boceto, mucho menos conocido de la misma.
El buen Samaritano (grabado) – Aimé Morot
El buen samaritano (boceto de 1878) – Aimé Morot
Su pintura, plenamente realista, se va abriendo camino hacia el modernismo, como podrán apreciar en algunas de las muestras que les presento.
John Burton Harter (Jackson, Mississippi, USA, 1940-2002), conocido como Burt por sus amigos, fue tanto un artista como un conservador museístico. Para ello se formó en la Universidad de Louisville, luego en la Universidad Estatal de Louisiana, en la Universidad Hebrea de Jerusalem, en la Universidad de Viena y el la Universidad Estatal de Arizona. Su obra pictórica es amplia, pero en sus desnudos se aprecia la influencia de Paul Cadmus. Frecuentemente lo encontramos autorretratado, como podemos apreciar en las obras que se muestran. Su homosexualidad se refleja en sus pinturas. Sobre la incidencia en la misma, el propio artista comentó:
«Soy en primer lugar un artista y, circunstancialmente, un artista gay, pero una gran parte de mi trabajo refleja una orientación gay. No se trata especialmente de una agenda, sino más bien de unas imágenes que me parecen importantes tanto para mi como para los espectadores de mi trabajo.»
Comprometido con todo lo que afectase al mundo gay, desde la visualización de los artistas a la lucha contra el SIDA – que afectaba particularmente a la población homosexual – como la promoción de artistas gay, creó la Fundación John Burton Harter. Su vida se vió truncada en el año 2002 en que fue asesinado. Nunca se conoció al culpable.
Dentro de los desnudos de Paul Cézanne (Aix-en-Provence, Francia, 1839-1906) se encuentran numerosas obras cuya temática se aparta de los característicos bañistas que acabamos de ver. Dibujos de desnudos «de estudio», dentro del esquema realista de ese siglo y que también observamos en otros pintores impresionistas, elaboraciones que se justifican con alusiones mitológicas, algunos retratos… Para muchas de estas obras posaron familiares, dada la dificultad de encontrar modelos en aquellos tiempos. En otras ocasiones lo hizo de memoria. Les muestro algunos de ellos.
Enfrentarse a la obra de Paul Cézanne (Aix-en-Provence, Francia, 1839-1906) es difícil, incluso tratándose de la pequeña parte de su producción que corresponde al desnudo. Estamos ante uno de los artistas más influyentes del siglo XX, pese a que su éxito fue tardío y vivó relativamente aislado tanto de sus compañeros impresionistas como de la crítica y el público. El postimpresionismo de Cézanne lleva, casi a su extremo, las propuestas visuales del impresionismo y su deseo de mostrar la realidad tal y como la percibimos, sin intentar modificarla mediante consideraciones basadas en una hipotética naturaleza objetiva de la misma. De este modo intentó reflejar en algunas de sus obras la visión estereoscópica de los objetos, es decir, la sutil diferencia de visión de los dos ojos, que el cerebro fusiona y reinterpreta. Las formas se simplifican y adquieren una cierta geometrización que preludiará tanto el cubismo como la abstracción. El color adquiere una dimensión estructural. Posiblemente, los elementos más característicos de la pintura de Cézanne se desarrollen en sus paisajes y bodegones. Trató la figura humana sólo durante un pequeño periodo de tiempo y nunca se sintió satisfecho por el resultado. Dentro de estos trabajos les mostraré, en esta primera reseña, las referidas a «los bañistas» (casi siempre mujeres) al mostrar una gran coherencia estilística y temática.
Sin Cézanne sería imposible entender las denominadas vanguardias del siglo XX.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
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