Se considera al poeta y pintor Henry Ossawa Tanner (Pittsburgh, Pensilvania, USA, 1859 – 1937) como el primer afroamericano que tuvo un reconocimiento internacional, aunque esto fue cuando ya estaba definitivamente establecido en París, en 1981. En esta ciudad – donde frecuentó l’ Académie Julian y se unió al American Art Student Club – se hizo famoso , especialmente, por su obra de carácter religioso. El estilo de estas pinturas es simbolista. También la de muchos paisajes de Egipto y el norte de África, que pintó con notable maestría. Sus desnudos son escasos. En estos se aprecia la huella realista de su profesor Thomas Eakins. Me parecen tan notables que creo que deben incluirse en una antología del desnudo artístico.
Henry Ossawa Tanner (1859-1937), American painter;
La filiación de Marcel René von Herrfeld (París, Francia, 1889-1965) me sorprendió porque, pese a su lugar de nacimiento, se le considera un artista alemán y, curiosamente, hijo del pintor español Luis Ricardo Falero. La realidad es que este pintor es fruto de un enlace previo de su madre René Alice Herrfeld y un cantante de ópera húngaro. Su educación y vivencias fueron, en todo momento, alemanas.
La influencia de Falero en su pintura es indiscutible, especialmente en una primera etapa de tipo simbolista, que luego el artista irá derivando hacia un realismo de tipo más expresionista con elementos de la «Nueva Objetividad». En las obras que les muestro, parece apreciarse un cierto orientalismo y esa imagen pin-up que se pudo de moda en las revistas gráficas después de la Segunda Guerra Mundial.
Auguste Levêque (Nivelles, Bravante Valón, Bélgica, 1866-1921) fue un pintor que se movió entre el realismo y el simbolismo. No encuentro muchos datos sobre el mismo, quizás por la poca popularidad de los artistas simbolistas, con la excepción de tres o cuatro muy relevantes. Sabemos que estuvo inicialmente integrado en el «Salon d’Art Idéaliste«, fundado por Jean Delville que de un modo radical rechazaba tanto el realismo como el impresionismo. Sin embargo ese mismo carácter radical del grupo haría que lo abandonas pronto. Por otra parte, la vida de este salón fue breve: de 1896 a 1898.
Inicio esta pequeña selección de sus desnudos con su obra posiblemente más conocida: Idilio de verano.
Kene Grégoire (Teteringen, Países Bajos, 1951) es uno de esos pintores que suelen considerarse representantes del denominado – a falta de un nombre mejor – Nuevo Realismo. En este movimiento, en el que parecen aunarse las formas realistas con un cierto carácter psicológico y social, podemos incluir al americano Hopper. Sus estilos son, lógicamente diferentes pero parece existir en la obra de ambos artistas, un cierto aire de intimidad y tristeza que los vincula. La técnica, al decir de Francisco G. Expósito en su blog, consiste en acrílicos en los que los colores se aplican como esmaltes sobre una grisalla de base, al modo del siglo XVII.
Dentro de sus desnudos, me permito mostrarles la siguiente selección:
Elio Luxardo (Sorocaba, Brasil, 1908-1969) fue un artista italiano pues era hijo de migrantes italianos que acababan de establecerse en Brasil y toda su actividad fotográfica se desarrolló en Italia, una vez pudo regresar a este país en los años 30. Durante esos años retrató en Roma al mundo del cine, la cultura y los espectáculos, siempre relacionados con el fascismo. Represaliado, cambió su actividad después de la Segunda Guerra Mundial, dedicándose a la moda y a la publicidad.
Les muestro ahora una selección de algunas de sus obras que involucran desnudos.
Quiero agradecer al Museo del Prado la puesta en valor de una artista tan interesante – desde el punto de vista de la obra como del propio entorno sociocultural de la misma – como fue Lavinia Fontana (Bolonia, Italia, 1552-1614). Que una mujer sea artista y se dedique profesionalmente a la pintura, no es hoy ninguna novedad. No era así en el siglo XVI, pero aún más sorprendente que su marido, también pintor, actuase como asistente de la misma, tanto como ayudante artístico como ocupándose de las tareas domésticas. Un hecho que también la destaca: pintó desnudos femeninos y masculinos, como era previsible, de temas mitológicos.
Acusa las influencias de su padre, también pintor de la escuela boloñesa, y progresivamente, de la familia Carracci. Su pintura religiosa se muestra deudora de Correggio y Parmigianino, pero en sus retratos se aprecia la huella de los manieristas florentinos. Su colorismo es típico de la escuela veneciana.
Esta notable artista, con la que se inicia el periodo barroco, fue muy reputada en su época y llegó a ser pintora oficial de la corte del papa Clemente VIII.
La particular situación sociopolítica del Campo de Gibraltar no es una novedad, y la familia de José Cruz Herrera (Campo de Gibraltar, Cádiz, España, 1890-1972) vivió este hecho. El pintor quedó, pese a sus numerosos viajes, ligado a ese territorio. Su formación inicial en Cádiz, continuó en la Academia de San Fernando en Madrid, luego en París, Roma, y más tarde en diversos países sudamericanos. En 1929 se trasladó a Marruecos lo que marcó su estilo. El colorismo, la luz, y el mundo árabe van a determinar el orientalismo de muchas de sus obras en las que, sin embargo, sigue apreciándose su admiración por Velázquez.
La obra de José Cruz Herrera puede contemplarse en la colección de Carmen Thyssen-Bornemizsa, pero también en un museo propio, Museo José Cruz Herrera, en su ciudad natal.
Len Prince (Detroit, Michigan, USA, 1953) es un fotógrafo que abarca una actividad muy amplia (paisajes, vida cotidiana, moda, retratos, desnudos…) pero que se ha dirigido particularmente al mundo del espectáculo y la performance. Incluso dentro del desnudo sus obras muestran algunos estilos diferentes, abundando los fondos oscuros en los que la luz modula ligeramente los cuerpos; pero aparecen también, ocasionalmente, contrastes destacados.
Aunque haya tardado mucho en presentar la obra de Paul Gauguin (París, Francia, 1848-1903), no cabe ninguna duda de que fue uno de los artistas más destacados de la segunda mitad del siglo XIX y su obra un referente para toda la vanguardia del siglo XX. Los expresionistas alemanes alemanes, los fovistas y, de un modo muy directo, el movimiento Nabis, deben muchísimo a este destacado artista que, a falta de una etiqueta mejor, se le encuadra dentro del postimpresionismo francés. El propio Picasso se vió influido por la obra de este artista que se inició como tal de la mano de su amigo Pisarro con unas pinturas que representaban el mundo rural bretón.
Estudio de desnudo o Suzanne cosiendo (1880) – Paul Gauguin
Joven bretón – Paul Gauguin
Jóvenes bretones bañándose – Paul Gauguin
En 1887 viajó a Martinica – en la que estuvo seis meses – lo que supuso un cambio en su obra hacia otra más colorista dando lugar a una transición hacia su pintura más conocida, realizada posteriormente durante su estancia en Tahití. De hecho, fueron dos viajes a esta isla polinésica. El primero de 1891 a 1893, y el segundo, y definitivo, a partir de 1895. Problemas familiares y de salud complicaron la vida de este artista.
La obra de Gauguin es plana, soportada por amplias superficies cromáticas y, con frecuencia, por líneas delimitadoras intensas, como hicieron los cloisonistas (Louis Anquetin, Émile Bernard). Sus colores son puros, pero mates, utilizando para ello una técnica conocida como «peinture a l’essence» en la que utilizaba aceite de trementina. También empleó otras muchas técnicas complejas. Les recomiendo el amplio análisis que se lleva a cabo en Wikipedia, sobre un artista que se mostró siempre disconforme con la deriva que tomaba arte europeo del momento.
Ana la Javanesa – Paul Gauguin
Mujeres desnudas – Paul Gauguin
Te Arii Vahine (La Reina, la mujer del Rey)- Paul Gauguin
Pyotr Konchalovsky (Slavianka, Ucrania, 1876-1956) fue un prolífico pintor ruso que vivió inmerso, desde su propio ámbito familiar, en un mundo cultural y artístico. Su padre fue editor de arte y en su casa se dieron cita muchos de los más destacados artistas rusos del momento. El propio Konchalovsky formó parte – después de la casi obligada visita a París y su permanencia en la Académie Julian – de numerosas asociaciones artísticas. Dentro de éstas cabe destacar la conocida como «Sota de Diamantes». Según nos informa la Colección del Museo Ruso:
“Los artistas del grupo buscaron desafiar a la sociedad: negaron las tradiciones académicas y alabaron a los postimpresionistas como Paul Cezanne y los pintores cubistas y fauvistas. Los artistas de «Jack of Diamonds» también pidieron un retorno a las tradiciones de la impresión y el arte popular rusos, baratos y populares.”
Pyotr Konchalovsky pintó naturalezas muertas, paisajes, retratos encuadrables en el denominado realismo socialista y un buen número de desnudos, algunos de los cuales les muestro aquí.
Desnudo sentado – Pyotr Konchalovsky
Muchacho bañándose – Pyotr Konchalovsky
Scheherezade – Pyotr Konchalovsky
La Edad de Oro – Pyotr Konchalovsky
Desnudo sobre fondo verde – Pyotr Konchalovsky
La modelo (boceto para pintura) – Pyotr Konchalovsky
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
migueldesnudo 