Théo van Rysselberghe (Gante, Bélgica, 1862-1926) fue uno de los artistas fundadores del «Grupo de los XX» que luchó contra el academicismo belga y generó una obra próxima a los postulados del postimpresionismo francés. En el caso de Rysselberghe, vemos una pintura bastante próxima al divisionismo o puntillismo de Seurat o Signac. Viajó a menudo a Marruecos, pero su interés por el orientalismo – tan común por realistas e impresionistas de finales del XIX – parece orientarse más a los efectos lumínicos que a la temática de sus obras.
Desnudo con sombrero de Panamá – Théo van Rysselberghe
Hacia finales de los años 60 del pasado siglo, tuvo su máximo desarrollo el movimiento conocido como pop art, que se había iniciado en los Estados Unidos la década anterior, y que se fue luego extendiendo por Europa. Era un movimiento popular, en el sentido que sus elementos discursivos eran de uso general y reconocible: objetos industriales de consumo o el propio cuerpo humano. Se refuerza y simplifica el dibujo y las tintas se aplican de un modo plano. El desnudo adquiere un carácter erótico y -con alguna notable excepción como Andy Warhol -, se exhibe desde una normativa masculina heterosexual. Pero los años 60 supusieron también en apogeo de una revolución feminista que se mantuvo muy fuerte hasta finalizar los 80. Ángela García Codoñer (Valencia, España, 1944) se formó dentro de la neofiguración española democrática y popular cuyos exponentes más significativos fueron el Equipo Crónica y el Equipo Realidad. Destacadas obras de la artista se presentaron en la colectiva Pop Feminista (2015). La obra de García Codoñer reflexiona sobre el cuerpo de la mujer, su papel como objeto de consumo publicitario y las imposiciones de la moda, en la sociedad española del momento. También como fuente de placer. Creo que resulta muy útil comparar la obra de esta artista con la de Tom Wesselmann, que tiene un planteamiento estético similar ¿Nos hablan de lo mismo?
Como comenté en la entrada anterior, Gustav Seitz (Mannheim, Alemania, 1906-1969) fue un gran escultor pero, igualmente, un destacado dibujante formado en el Gewerbeschule Mannheim. Veamos algunas de sus dibujos y grabados:
Gustav Seitz (Mannheim, Alemania, 1906-1969) fue un extraordinario artista del que se conservan, no sólo un gran número de piezas escultóricas, sino numerosos dibujos. Como escultor fue discípulo de Georg Schreyögg, pero su formación se vio ampliada por sus viajes culturales por Italia y por Francia. En este último país conoció a Charles Despiau. En su relativamente corta vida, le tocó vivir una situación muy convulsa que le afectó personalmente: La Segunda Guerra Mundial seguida de la política de bloques que vivieron las dos Alemanias. Fue hecho prisionero, y su taller, con muchas de sus obras, destruído. Pese a ello, nos lega una obra tan extensa de la que me veo forzado a seleccionar, por razón de espacio, sólo algunas de sus esculturas. Les recomiendo un impresionante artículo en el blog «Forma es vacío, vacío es forma«.
Algunas piezas ensambladas en la «Puerta del Amor»:
Max Oppenheimer (Viena, Austria, 1885-1954), conocido ocasionalmente como MOPP, fue uno de los máximos exponentes del expresionismo, muy influido por otros expresionistas como Egon Schiele o Oskar Kokoschka. En 1906 se asoció al grupo vanguardista de Praga, OSMA. Fue miembro de la Secesión de Berlín y trabajó en esta ciudad hasta que emigró, en 1938, a los Estados Unidos. Sus desnudos son escasos pero importantes.
Jean-Eugène Buland (París, Francia, 1852-1926) fue uno de esos artistas que en la transición del siglo XIX al XX mantuvieron una apuesta a favor de un realismo, denominado naturalismo, derivado del movimiento romántico. La misma posición que su profesor Alexandre Cabanel, quien también rechazó las «modernidades» que venían del impresionismo. Su obra se apoyó en la fotografía para obtener una mayor verosimilitud visual. Obtuvo, durante dos años, el Gran Premio de Roma.
La obra de Justin Maurice O’Brien (Hurstville, Nueva Gales del Sur, Australia, 1917-1996) me parece excepcional en cuanto se diferencia notablemente de la producción de otros retratistas australianos contemporáneos. El estilo es original, pero también la temática: aunque no toda su obra tiene carácter religioso, la mayoría de sus escenas parecen transmitir un punto de intimidad o trascendencia. Justin O’Brian fue el primer ganador, en 1951, del Premio Blake de arte religioso.
Muchacho griego de Skyros – J.M. O’Brien
Remendando redes – J.M. O’Brian
Remendando redes – J.M. O’Brian
Estudio para El Pescador – J.M. O’Brian
Estudio para Venus I – J.M. O’BrianVenus en la terraza – J.M. O’Brian
Mujeres desnudas en el cobertizo de baño – J.M. O’Brien
La performance – que apareció formalmente en los años setenta del pasado siglo pese a que ya era conocida desde los primeros años del siglo XX -, puede resultar de difícil comprensión en tanto que se aparta de las formas tradicionales del arte y de los circuitos de comercialización del mismo. Es concebida como una acción artística en la que la obra reposa sobre la presencia del artista y su cuerpo, y se vincula al arte conceptual. Steve Giasson (Quebec, Canadá, 1979) es un destacado artista conceptual, creador-ejecutor de un número considerable de performances. Quiero destacar sus dos series «Performances Invisibles» (2015-2016 y 2016-2021). Su «invisibilidad» va referida a su ejecución en ausencia de público. Fueron documentadas fotográficamente y colocadas en la página web previamente citada. A la misma debemos referirnos para conocer los elementos conceptuales relacionados con ellas y los créditos de las imágenes. Selecciono algunas de estas imágenes, pertenecientes a la segunda serie, con objeto de documentar esta entrada de blog, pero sugiero visionar las secuencias completas tal y como nos las muestra el artista.
Aunque nació en Sudáfrica, Gary Schneider (East London, Sudáfrica, 1954) es un pintor americano que vive y desarrolla su labor en Nueva York. En su particular exploración del cuerpo humano se muestra la identidad de un modo misterioso y oscuro. Según el International Centre of Photography:
«En su serie Desnudos, Schneider hizo que sus sujetos se acostaran sobre terciopelo negro con las manos en los muslos y toma una exposición que puede durar hasta tres horas. Durante ese tiempo, dibuja la luz sobre sus rostros y cuerpos con una linterna, produciendo sujetos que parecen magullados y luminosos».
Louis Ritman (Kamianets-Podilskyi, Ucrania, 1889-1963). Es un pintor americano puesto que, de niño, emigró con su familia a los Estados Unidos donde obtuvo la nacionalidad. Su formación es americana, aunque vivió el impresionismo francés de un modo muy directo pues, durante veinte años, pasó los veranos en Giverny. La influencia de Cézanne en la obra de Ritman es evidente.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
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