El desnudo en el arte: Carlos Martiel, performer.

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Por mucho que han avanzado las técnicas de reproducción artística, la pintura no puede ser aprehendida en su totalidad a partir de las mismas. Falta siempre la materialidad. ¿Qué decir entonces de la performance?. Fruto de esa idea postmoderna que pretende desvincular el arte del mercado, está concebida como una acción única en el espacio y en el tiempo. En ocasiones se graba pero, usualmente, sólo nos quedan testimonios fotográficos de las mismas, completamente descontextualizados. El cuerpo del artista constituye en lugar de acción y por ello el desnudo adquiere dimensiones más destacadas que en las representaciones artísticas convencionales. Les presento aquí, con las dificultades reseñadas, la obra de Carlos Martiel (La Habana, Cuba, 1989), un destacado artista con un fuerte reconocimiento internacional. Muchas de sus performances tienen un componente muy estático (en algunas está horas inmóvil) lo que no permite una cierta comprensión de las mismas a través de la fotografía. De hecho el artista muestra una gran admiración por la escultura y comenta su interés por generar representaciones con un fuerte componente estético.

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Así, por ejemplo, la performance «Punto de Fuga» (2013) que hace alusión célebre «Hombre de Vitrubio de Leonardo de Vinci tuvo una duración de siete horas. Sobre la misma el autor y Katerina Vahitova nos comentan:

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De «Punto de Fuga» – Carlos Martiel

«Para la performance, un prestigioso médico italiano, Alberto del Genio, pasó cinco horas cosiendo 88 hilos de lana negra (traídos a Italia desde Sudamérica) en el cuerpo de Martiel. Cuando el doctor terminó, el artista estaba de pie en el centro de la sala principal del Museo Nitsch, entre dos paredes especialmente construidas para la función. Un grupo de 12 asistentes tensó los hilos de lana unidos a Martiel y los ató a las paredes. Los hilos cosidos a la espalda de Martiel siguieron la misma dirección hasta un único punto en la pared. Los hilos que se extendían desde su torso se expandieron en muchas direcciones, creando la ilusión de que estaba siendo atravesado por un punto de fuga. Martiel permaneció de pie durante dos horas.»

La siguiente fotografía forma parte de la performance «Toda Percepción es una Interpretación: You are part of it». La revista Art on Cuba nos muestra las principales claves:

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«Esta poderosa pieza fue producida con la cooperación de numerosos inmigrantes haitianos indocumentados de Little Haiti, que prepararon platos típicos haitianos para ser consumidos por la audiencia. Carlos Martiel, de rodillas, reemplaza la cuarta pata de una mesa donde se servirán dichos platos. Asimismo, habrá un video ( visto a través de un monitor) que acompaña el espectáculo, donde se reproducirán las manos de un inmigrante preparando la comida, y la voz del inmigrante es escuchada en una entrevista realizada por el propio Martiel»…

En el caso de «Simiente», Martiel muestra su cuerpo tendido impregnado con sangre donada por inmigrantes de muchos paises, en una representación que nos recuerda la obra de Nitsch.

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Simiente – Carlos Martiel

En «Imperio», un cepo, utilizado para la caza, aprisiona su pié:

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Imperio – Carlos Martiel

Ese cuerpo torturado, aunque sin las sangrientas representaciones de Nitsch, se muestra también en «Trofeo»:

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Trofeo – Carlos Martiel

En «Segregación» creo que el contenido de la imagen es suficientemente explícito:

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Segregación – Carlos Martiel

La obra de Carlos Martiel tiene un fuerte componentente sociopolítico. Según sus palabras recogidas en una entrevista para Creators (recomiendo la lectura completa):

Comencé a trabajar con mi cuerpo porque este me permitía de una manera efectiva criticar, reflexionar, o señalar problemáticas que tienen su raíz en el hecho de ser negro. Mi trabajo no podía ser de otra manera porque nací en Cuba; porque provengo de una familia de emigrantes haitianos y jamaicanos; porque nunca tuve ningún privilegio. El performance fue la única vía que encontré para exorcizar de mi interior años de prejuicios ajenos.

…empecé a observar mi cuerpo como sujeto y objeto. Luego mi trabajo se ha ido moviendo en otras direcciones y actualmente tiene ejes centrales, como las relaciones de poder, la inmigración, o la violencia.

 

 

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El desnudo en el arte: William Kentridge

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William Kentridge frente a una de sus obras

 

Uno de mis artistas contemporáneos favoritos -después de descubirlo el año pasado en el museo Maxxi de Roma y haber presenciado la gran exposición que le consagró este año el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía – es William Kentridge (Johanesburgo, Sudáfrica, 1955). Tenemos ante nosotros a un artista multidisciplinar que pone de manifiesto las tendencias geográficas descentralizadoras del arte postmoderno. Nos presenta siempre una obra con un gran contenido social y político, aunque en unas declaraciones al diario El Pais matiza:

«Hay un tipo de arte político que tiene que ver con la representación de las certezas, pero a mí me interesa más la ambigüedad y la incertidumbre. Normalmente lo político exige un significado inequívoco a favor o en contra. Creo que la contradicción y la paradoja son más certeras que aquello que no deja lugar a dudas».

Con todo la política es el eje central de su obra. El artista dispone de estudios universitarios en arte, pero también en política africana, y toda su familia se ha visto envuelta en esta actividad. Así nos cuenta:

«Mi abuelo fue miembro del Parlamento durante 40 años. Obviamente, estamos hablando de Sudáfrica, un parlamento solo de blancos. Crecí en una familia que estaba muy involucrada con las batallas legales contra el apartheid: los grandes juicios por traición en la década de 1950 y principios de los 60, y más tarde con el centro de recursos legales que mi madre fundó. Mi padre estuvo involucrado en una serie de casos muy importantes que tenían aspectos políticos para ellos, ya sea la investigación sobre la Masacre de Sharpeville, la muerte de Steve Biko o uno de los juicios contra Nelson Mandela «.

Sus dibujos, que en muchas ocasiones anima (es también un cineasta), están muy influenciados por los pintores expresionistas alemanes y en Picasso, prevaleciendo siempre los colores blanco y negro. Un mundo complejo al que podemos aproximarnos mediante los vídeos: William Kentridge group presentation (1 of 2)William Kentridge group presentation (2 of 2).

Por último, quiero recordar que Kentridge obtuvo el pasado año el Premio Princesa de Asturias de las Artes.

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Ubu dice la verdad – William Kentridge

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Dibujo de Ubu (Hombre que escucha) – William Kentridge

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Dibujo para Félix en el exilio – William Kentridge

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El desnudo en el arte: Cyril Mann

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Autorretrato – Cyril Mann

 

 Cyril Mann (Londres, Reino Unido, 1911-1980) fue un pintor y escultor británico encuadrado usualmente dentro del arte figurativo al que hace evolucionar hacia posiciones próximas a la abstracción. Después de un periodo inicial en Canadá donde se relacionó con el grupo paisajista denominado «Grupo de los siete», volvió a su país y, después de la Guerra Mundial, pintó, con escasa acogida del público, obras en las que se muestra la devastación provocada por la contienda. Su producción se vuelve mucho más importante en los años 60 en los que presenta numerosos trabajos de desnudos, para los que utilizó en general a su joven esposa como modelo, centrando su atención en los efectos de la luz sobre las distintas superficies.

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Desnudo recostado – Cyril Mann

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Reflejos – Cyril Mann

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Desnudo sentado leyendo (izquierda) – Venus Moderna (derecha)     Cyril Mann

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Hombre desnudo – Cyril Mann

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El cuerpo desnudo en fotografía: Hans Breder

La obra del artista germano-americano Hans Breder (Herford, Alemania, 1935-2017) es amplia en cuando a temática y medios artísticos. Pintor, fotógrafo, video-artista, escultor,..Pretendió mantenerse en un punto intermedio entre la especialización y  experiencia interdisciplinar extrema, generando para ello, en la Escuela de Arte de la Universidad de Iowa, su programa Intermedia. Del mismo indica:

«Mi programa define intermedia no como una fusión interdisciplinar de diferentes campos en uno, sino como una constante colisión de conceptos y disciplinas».

Su obra fotográfica, de la que les muestro una pequeña selección, podría encuadrarse en un arte conceptual. Nos muestra un desnudo femenino fragmentado por la reflexión (espejo o agua), generador de formas biológicas más inquietantes que eróticas. Muchas me recuerdan las muñecas del surrealista Hans Bellmer,  pero sin ese toque de perversión que se encuentra ligado a la obra de este artista.

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El desnudo en el arte: La escultura de Samuel Salcedo

Samuel Salcedo (Barcelona, 1975)  trabajó como asistente de Jaume Plensa hasta  desarrollar su propio estilo en el mundo de la escultura. Su producción, hiperrealista, no nos induce a una fría visión mimética de la realidad. Los rostros suelen estar ocultos por máscaras de distintos tipos que nos obligan a una reflexión sobre el significado de la representación, sobre nuestra imagen pública y la realidad que ocultamos, consciente o inconscientemente, tras esa imagen. A ese respecto, el artista realiza unas amplias declaraciones en la versión on-line de la revista «Metal«. Unas máscaras,ocasionalmente simples tocados, bastante diferentes de las tiernas de Sam Jinks. Presentes o ausentes estas esculturas están revestidas de una fina ironía. La dimensiones no son muy grandes, como mucho las normales del cuerpo humano y generalmente bastante más pequeñas, muy alejadas de las monumentales obras de Ron Mueck.

DJ Pangburg en su artículo «El hiperrealismo bestial, grotesco y absurdo de Samuel Salcedo» nos muestra una buena introducción a la obra de este artista que tiene cada vez mayor proyección internacional.

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El desnudo en el arte: Ricardo Martínez de Hoyos

Ricardo Martínez de Hoyos (Ciudad de México, México, 1918-2009) fue un artista autodidacta que creó una figuración con grandes volúmenes, algo cubista aunque de perfiles redondeados, inspirada el la civilización precolombina olmeca. Una cuidada iluminación, que genera tanto transparencias como difumina contornos, imprime a las obras un carácter misterioso y poético.

Les recomiendo una visita a la página de su fundación, Fundación Ricardo Martínez, e igualmente, el visionado de este pequeño video alojado en YouTube. Aquí muestro algunas reproducciones de este gran artista contemopáneo mexicano.

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El desnudo en el arte: José de Ribera

Si algo caracteriza al movimiento barroco es su deseo de mostrar los sentimientos de sus personajes adoptando para ello perspectivas inusuales, ópticas distorsionadas heredadas del manierismo y fuertes juegos de luz. El claroscuro de Caravaggio – verdadero padre de este movimiento – con violentos contrastes entre las zonas iluminadas y las oscuras, siempre va a estar de algún modo presente. Cuando se destaca al máximo hablamos del «tenebrismo». En España el tenebrismo tiene un nombre: José de Ribera (Xátiva, Valencia, España, 1591-1652) que desarrolló su carrera casi completamente en Roma donde siempre alardeó de su condición de español, por lo que fue conocido como «Lo Spagnoletto» (El Españolito). Posteriormente vivió en Nápoles, pero nunca regresó a España. Pese a la etiqueta de tenebrista hay una clara evolución en su obra marcada por una ampliación de la gama cromática y la influencia de pintores españoles como Velázquez (que lo visitó en Nápoles en 1630) y Murillo, así como del holandés Van Dyck. En 2011 el Museo del Prado consagró una amplia exposición a mostrar la evolución del pintor, desde sus primeras obras romanas a las más maduras que forman parte de la colección del museo. En la misma nos indican ya algunos cambios en el formato y temática:

«Mientras que los cuadros de composición que había hecho en Roma se caracterizan por su formato apaisado, su elevado número de personajes y su aspiración a convertirse en cuadros de historia, los que hizo durante su primera década en Nápoles fueron por lo general verticales y con un predominio de temas relacionados con la Pasión».

Puede resultar interesante este vídeo de YouTube relacionado con esta exposición (Ribera Joven) aunque existen trabajos más amplios sobre la misma.

José de Ribera adquirió gran popularidad durante el realismo del siglo XIX y fue un referente para varios artistas importantes del siglo XX.

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Xileno ebrio – José de Ribera

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San Onofre – José de Ribera

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Ticio – José de Ribera

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Prometeo – José de Ribera

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El martirio se San Bartolomé – José de Ribera

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El martirio de San Bartolomé – José de Ribera

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Sísifo – José de Ribera

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Pablo el Hermitaño – José de Ribera

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Apolo y Marsias – José de Ribera

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Hécate – José de Ribera

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El martirio de San Felipe – José de Ribera

 

 

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El desnudo en el arte: Károly Patkó

Károly Patkó (Budapest, Hungría, 1895-1941) tuvo una formación, fundamentalmente, húngara, siendo alumno de István Réti , un pintor realista de interiores y temas religiosos. Realizó varias visitas a Italia y en los años 30 y empezó a experimentar con los materiales, principalmente con la tempera hacia la que fue derivando toda su obra. Pese a su temprana muerte nos legó una obra muy abundante, una muestra de la cual podemos contemplarla en la colección de pinturas presentes en colecciones privadas que registra Wikimedia Commons. Muestro aquí una selección personal de sus desnudos.

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El desnudo en el arte: Beryl Cook

La obra de la inglesa Beryl Cook (Egham, Surrey, Reino Unido, 1926-2008) se caracteriza por su toque alegre, desenfadado. Con sus figuras, cuya volumetría me recuerda a Botero, y un fuerte toque naif, crea un mundo elegantemente irónico que parece centrarse fundamentalmente en la mujer. Admiraba a Stanley Spencer y se comenta que su obra está influída por la de Edward Burra, aunque es mucho más alegre que la de este artista. Muy galardonada (obtuvo la Orden del Imperio Británico) nos legó una amplia producción en la que los desnudos ocupan sólo una pequeña parte de la misma.

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Adán y Eva – Beryl Cook

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Desnudo sobre piel de leopardo – Beryl Cook

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Té en el jardin – Beryl Cook

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La noche de las señoras – Bery Cook

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«Meadow suite» (izquierda) – Pastel de cumpleaños (derecha)      Bery Cook

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El baño (izquierda) – Beryl Cook

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El refresco del mediodía – Beryl Cook

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El desnudo en el arte: Otto Lohmüller y el desnudo infantil.

A lo largo de más de tres años y 577 entradas en este blog, he intentado mantener mi opinión y valoración personal lo más alejada posible de la breve reseña con la que suelo ilustrar a los artistas que voy seleccionando para mostrar la multiplicidad de miradas que inciden sobre el desnudo en la Historia del Arte. La selección de autores es difícil cuando son contemporáneos y se encuentran en plena productividad. Algunos no presentan problemas, por ser ampliamente aclamados por la crítica, pero la inclusión o exclusión de otros se vuelve una labor compleja. Otto Lohmüller (Gengenbach, Alemania, 1943) debo reconocer que me presenta sentimientos contradictorios que no he logrado resolver. Pintor, ilustrador y escultor, vinculado a las corrientes más realistas, es conocido, fundamentalmente, por sus desnudos infantiles. Líder del grupo de los Boy Scouts y vinculado al naturismo alemán (FKK) nos presenta usualmente a estos niños en entornos naturales; pero, ¿podemos considerar naturista su producción?. Un extraño  erotismo parece desprenderse de muchas de sus obras. Y, puestos a extrañarnos, la que se considera web personal del artista corresponde a una fundación que pretende la creación de un gran museo consagrado a su obra.

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Noble Traits - the Spirit of Victory - Der Geist des Sieges - Zac Sawyer (2014) after Franz von Stuck

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