Hermano de otros dos destacados pintores, Luis y Manuel, José Jiménez Aranda (Sevilla, España, 1837-1903) fue uno de los maestros sevillanos del siglo XIX. Creador de una obra costumbrista y paisajística, Jiménez Aranda muestra un realismo muy influído por Fortuny, a quien conoció en un viaje a Roma y con quien mantuvo una gran amistad. Su obra muestra una evolución de una estética romántica, fuertemente colorista, a un cierto simbolismo modernista. Fue también un notable dibujante e ilustrador y se le considera una influencia decisiva en la obra de Joaquín Sorolla.
Richard Sawdon Smith (Reino Unido) es un destacado profesor de fotografía en la Norwich University of the Arts, editor y, fundamentalmente, artista. Su visión corporal explora aspectos de la salud y la enfermedad, de la identidad y de una masculinidad no heteronormativa. En palabras suyas:
«Me utilizo como modelo principal, por lo que es una forma de autorretrato, pero tiendo a evitar esto como una descripción, ya que simplemente uso mi cuerpo para representar las ideas que me interesa fotografiar. Con este fin, he creado diferentes personajes que habito para producir las imágenes y mantener una distancia crítica y una perspectiva del trabajo. La primera persona se llamaba The Damaged Narcissist pero desde que me tatué el cuerpo, la nueva persona se llama The Anatomical Man.»
Su reconocimiento internacional se inició, posiblemente con el premio John Kobal de Retrato Fotográfico, que le concedió la National Portrait Gallery de Londres en 1997. Se trata de un retrato de un amigo enfermo de sida.
Simon I – Richard Sawdon Smith
La polémica estuva servida, y el Time on Saturday, que había publicado las fotos de los ganadores de concursos previos, se negó a publicar su obra.
Esta obsesión por la enfermedad en general, y el sida en particular, la veremos a lo largo de la obra. Así comenta, en el artículo referenciado previamente:
«En general, la inspiración viene de lo que está a mi alrededor, lo que afecta mi vida, sigo creyendo firmemente en lo «Personal es político». Siempre he hecho retratos y fotografías de desnudos, esto ahora se ha incrementado con un interés en las imágenes anatómicas y médicas; tales referencias aparecen consistentemente en todo mi cuerpo de trabajo»
Listening to Myself: The Anatomical Man (izda.) – Richard Sawdon Smith
En esta entrada (nº 800) quisiera mostrarles la obra de Patrick Earl Hammie (New Haven, Connecticut, USA, 1981), un artista que me ha llamado poderosamente la atención aunque no termino de comprender su discurso narrativo. En cierto modo hago mío el comentario que he leído en el power of h Weblog:
«No estoy seguro de lo que estoy viendo. El sentido de la narrativa en las piezas da la impresión de que es una obra de teatro. O una película. No hay antecedentes para el contexto. Están desnudos, por lo que la narración se vuelve abstracta. Se trata del cuerpo masculino y femenino».
El desnudo masculino protagoniza, en cualquier caso, sus pinturas
El cuerpo masculino se muestra observado, auto-observado muchas veces, con una mirada en la que no cabe fetichismo de ningún tipo. Ni complacencia ni rechazo. Los protagonistas parecen narrar una historia de la que el espectador es ajeno.
Luca Cambiaso (Moneglia, Génova, Italia, 1527-1585) fue un pintor renacentista -también conocido como Luqueto – que desarrolló su labor en Génova y, posteriormente, en España. Fue el artista genovés más destacado del siglo XVI y funtó la escuela genovesa de pintura. En España trabajó, bajo las órdenes de Felipe II, en el Monasterio del Escorial. Su especialidad fueron los frescos, en los que se aprecia una fuerte influencia de Miguel Angel y Corregio, aunque su obra tenía un particular estilo que destacaba el volumen de las imágenes, geometrizándolas como harían siglos mas tarde los cubistas.
Venus y Adonis – Luca Cambiaso
Venus y Cupido – Luca Cambiaso
Diana descubriendo el embarazo de Calisto – Luca Cambiaso
Hércules disparando el arco – Luca Cambiaso
Un hombre llevando a otro a sus espaldas – Luca Cambiaso
George Spencer Watson (Londres, Reino Unido, 1869-1934) fue uno de esos pintores que parecen olvidados, pese a que algunas de sus obras se encuentran en galerías tan destacadas como la Tate Britain. Sus pinturas muestran en algunas ocasiones un realismo de inspiración renacentista, mientras que otras se enmarcan en el romanticismo inglés. Destacado retratista, les muestro aquí algunos de sus desnudos:
Desnudo, 1927 – George Spencer Watson
La Creación – George Spencer Watson
Prometeo consolado por los espíritus – George Spencer Watson
Xu Beihong, o al modo occidental Beihong Xu, y también conocido como Ju Péon (Yixing, Jiangsu, China, 1895-1953), fue un artista y educador, pionero en la modernización del arte chino, que incorporó a sus pinturas sus conocimientos sobre el arte occidental. Inicialmente viajó a Tokio y luego a París, estudiando en la Académie Julian y en l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts. Sin embargo, su aportación al arte chino se fundamenta en el neoclasicismo francés, oponiéndose en todo momento a las vanguardias europeas de principios de siglo, que consideró que eran una muestra de la decadencia del capitalismo occidental. Extraordinario dibujante – consideró en sus clases que esta herramienta era fundamental para poder realizar cualquier pintura – y un gran calígrafo, obtuvo la fama en su país fundamentalmente por su pintura de animales (caballos, gatos,…). Posteriormente se convirtió en una referencia de China en el extranjero y sus exposiciones itinerantes ayudaron a difundir el arte chino por todo el mundo.
Severo Rodríguez Etchart (Buenos Aires, Argentina, 1865-1903) fue uno de esos destacados artista sudamericanos que, en la transición de los siglos XIX al XX, asumieron las técnicas artísticas de moda en el continente europeo. Con una formación local, en un principio, viajó a Italia para estudiar en la Academia Albertina y posteriormente, a París, donde tomó clases en la ya muy mentada Academia Julian. En esta última, fue discípulo de Bourguereau – que tenía un estilo realista muy academicista – y posiblemente, entró en contacto con los impresionistas. Por ello su obra parece moverse entre un esquema realista, con los elementos orientalistas de moda en las postrimerías del XIX, y la paleta más libre y luminosa del impresionismo.
No dispongo de mucha información sobre la artista finlandesa Wendla Irene Soldan-Brofeldt, conocida como Venny Soldan-Brofeldt (Helsinki, Finlandia, 1863-1945). Apenas unas pinceladas que apuntan a una artista formada tanto en su país como en San Petersburgo, casada con un escritor finlandés y notable activista feminista que vivió en la comunidad artística de Tuusula con familias como la de Sibelius. Sus desnudos revelan de un mundo naturista protagonizado por jóvenes en el campo o junto al mar con una técnica que me parece próxima al impresionismo.
Estos días, los medios españoles están resaltando la importancia de la exposición «Canova. Eterna bellezza» que se está llevando a cabo en el Palacio Braschi de Roma. Antonio Canova (Possagno, antigua República de Venecia, Italia, 1757-1822) es, posiblemente, la máxima expresión del neoclasicismo en la escultura, habiéndose dicho del mismo que fue el mejor escultor italiano después de Bernini. Durante el siglo XIX su importancia fue muy grande. Su obra recrea fundamentalmente los mitos de ese mundo grecorromano, tallados sobre un mármol extraordinariamente pulido, que le aporta una gran tactilidad. A la misma se une un buscado, y matizado, efecto de luces y sombras. Este conjunto de texturas y luces aporta a su escultura un toque mágico que matiza el realismo excesivo. Pese a su clasicismo, aparecen algunas influencias románticas, como en su «Eros y Psiqué».
Las distintas formas de expresión artística se han caracterizado siempre por constituirse, no sólo en un modo de expresión estética, sino también en un punto de focalización de la realidad social y personal, siempre polifacética. El arte contemporáneo ahonda mucho más en esta última visión. Por tanto, no resulta de extrañar que la obra de un artista se vuelva polémica, cuando presenta una realidad difícil de aceptar por algunos colectivos. En cualquier caso, la reacción de un sector del público ante una pintura que muestra un desnudo feminizado de Zapata – expuesto con el título «Las Revoluciones» el pasado mes de noviembre, en el Museo del Palacio de Bellas Artes de México – parece un poco excesiva. Su autor, Fabián Cháirez (Chiapas,México, 1987) pretende en ésta y otras muchas obras romper con un discurso tradicional de masculinidad, para abrir paso a la amplia gama de masculinidades contempladas en la teoría de género. Sus personajes parecen corresponder con los estereotipos del «macho» (políticos relevantes, luchadores,…) pero su tratamiento los cuestiona añadiendoles un elemento femenino que les supone un cierto grado de indefinición. En ocasiones parece apreciarse un cierto carácter político, en el que la Iglesia no queda al margen.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
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Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
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