Walter Richard Sickert (Múnich, Alemania, 1860-1942) fue, pese a su lugar de nacimiento, un polémico artista inglés. La polémica se debe menos a las características de su obra – asociada a un posimpresionismo inglés, e influida por Degas – como al hecho de habérsele asociado con el célebre Jack el Destripador. En su pintura se destacan los cuadros en los que se recrean los acontecimientos que tuvieron lugar en Londres protagonizados por el célebre asesino de prostitutas. Son obras oscuras, aunque no sean ni sangrientas ni morbosas. En distintos momentos se le atribuyó la identidad del asesino y en otras un cierto grado de colaboración con el mismo, pero no existe la menor evidencia de tales hechos. El carácter histriónico del artista y sus ansias de popularidad favorecieron una actitud ambigua ante estas imputaciones.
Wu Meng Chun (Ciudad de Jingzou, Liaoning, China, 1973) es un pintor y cineasta formado en su país pero cuya obra empieza a trascender sus fronteras. Sus personajes masculinos parecen hablarnos de una particular visión de género, de una masculinidad que no se ajusta a los esterotipos corrientes y – aunque en algunas ocasiones en las que aparecen primeros planos florales me recueradan vagamente a Pierre y Gilles – su obra nunca tiene el tono marcadamente homoerótico y kitsch de la pareja francesa. Las figuras se contrastan cromáticamente con los fondos azules pero se perfilan poco, perdiendo de este modo dureza y agresividad y volviéndose más introspectivas. El artista muestra en la plataforma Vimeo todo un manifiesto de intenciones. Dado que el video es breve y se encuentra en español no lo transcribo aquí, aunque recomiendo su visionado. Me limitaré a mostrar algunas de sus pinturas:
Jacopo Comin, también denominado Jacopo Robusti, Il Furioso o Tintoretto (Venecia, Italia, 1518-1594) fue uno de los artistas más destacados de la Escuela Veneciana. Formó parte de una conocida trilogía del Alto Renacimiento Italiano, con Tiziano y Veronese. De hecho perteneció a la escuela de Tiziano, del que se comenta que se lo quitó rápidamente de encima porque podía hacerle sombra. En cualquier caso no tuvo nunca el prestigio de su maestro. Quizás contribuyó a ello su peculiar temperamento y los métodos poco ortodoxos que se valió para obtener sus encargos. Artista extraordinariamente prolífico, fue el exponente más notable del manierismo veneciano, con sus posturas violentas y rebuscadas. El color tiene un destacado papel en sus composiciones anticipándose también con éste al movimiento barroco.
El profesor Jesús Hernández Perera (Historia del Arte nº 26, p. 121, historia 16) nos describe esas características de Tintoretto:
«En su manera cuenta mucho el alargamiento de las figuras, delgadas y verticales; interés por el espacio, con atmósferas profundas en las que la desviación hacia un costado de los protagonistas permite notables amplitudes ambientales; inacabado de ciertos trozos en contradicción con partes muy modeladas, con efectos fosforescentes y vigoroso claroscuro»
Considera la obra de este artista como un antecedente del claroscuro de Caravaggio y una gran influencia para El Greco.
Una de sus obras más conocidas es «Susana y los viejos», basada en una historia del libro bíblico de Daniel, en la que se centra sólo en el aspecto erótico de la escena:
Existe otra versión, «menos espectacular» de esta obra en el Museo del Prado:
Los efectos del claroscuro (quizás un poco exagerados en la reproducción) son notables en «El rescate de Arsinoe»:
Toda la técnica manierista está presente en esta atrevida obra, «San Marcos liberando al esclavo», cuyo protagonismo – contra lo usual de la época – pasa de la figura del santo (casi invisible pese a su tamaño) a la del esclavo desnudo, donde confluyen todas las líneas de tensión compositiva.
Sí resulta protagonista en esta «Traslación del cuerpo de San Marcos», con la figura del santo en un fuerte escorzo, gran profundidad arquitectónica y luces irreales:
Otra obra, también de carácter religioso:
Adán y Eva – Tintoretto
Siguiendo la costumbre de la época, la mayoría de sus desnudos tienen como excusa escenas mitológicas. Sin más comentarios, les presenta algunos de los mismos:
El pintor escocés William Strang (Dumbarton, Reino Unido, 1859-1921) fue el alumno más destacado del artista francés, naturalizado británico, Alphonse Legros, quien lo introdujo en el estilo realista en vigor en el continente europeo. Aunque su temática artística fue muy variada, destacó fundamentalmente como retratista. Practicó tanto la pintura al óleo como el grabado. Dentro de la primera técnica, me gusta particularmente la obra que lleva por título «La Tentación», que forma parte destacada de la colección de la Tate Gallery. La limpieza del dibujo neoclásico, la cuidada composición que mantiene una doble triangulación que destaca la importancia de los rostros de los dos protagonistas y de la manzana de la discordia, me parecen ejemplares. Junto a ellos, la incongruente presencia del leopardo, uno de los elementos «orientalistas» que se ponían de moda en Francia en aquellos tiempos.
La tentación – William Strang
Otros óleos relevantes del pintor:
Alegoría – William Strang
El hogar del pescador – William Srang
Adoración – William Strang
Ninfa y pastores – William Strang
William Strang fue también un destacado grabador que mostró su conocimiento de los grandes maestros como Rembrant o Goya. Aquí algunos ejemplos:
La modelo – William Strang
Eva tentada por Satán en forma de serpiente – William Strang
La expulsión – William Strang
Satanás surgiendo del lago ardiente – William Strong
Finalizo con un par de dibujos utilizados como estudio de la figura femenina:
En el Día Internacional de la Mujer, quiero dedicar estas líneas a una extraordinaria pintora y escultora: Irma Stern (Schweizer-Reneque, República Sudafricana, 1894-1966). De familia judía alemana, su padre fue internado en un campo de concentración por los ingleses, acusado por sus tendencia pro-Boer. Liberado éste, la familia regresó a Alemania. Irma Stern estudió allí en la Weimar Academy of Art, pero la influencia artística más destacada la obtuvo del expresionismo alemán, especialmente de Max Pechtein, miembro del grupo «Die Brücke»(El Puente). En 1920 volvió a Sudáfrica donde vivió hasta su muerte, aunque viajó mucho por el continente africano absorbiendo sus culturas tradicionales que integró en paisajes y retratos. Su pintura no fue comprendida por una sociedad neocolonial y puritana que la consideraba fea y, ocasionalmente, escandalosa sexualmente. Sí mantuvo la admiración de los alemanes, y hoy, indiscutiblemente, de toda la comunidad. Su casa natal se ha convertido en un museo que aglutina su colección permanente así como numerosos objetos recogidos por la artista en sus viajes africanos.
Les presento aquí a un fotógrafo que cuestiona la realidad fotográfica como un hecho natural, ajeno a la mirada del artista. Thomas Ruff (Zell am Harmersbach, Alemania, 1958) es fundamentalmente, un creador de series de obras de grandes dimensiones, en las que con diversas técnicas altera la relidad inmediata de los objetos para plantearnos una nueva aproximación. Sus fotografías – tomadas por él o descargadas de la Red – abarcan toda clase de temáticas. En la serie «Desnudos» utiliza imágenes pornográficas difundidas en Internet para manipularlas mediante procesos de compresión y descompresión en jpeg, que generan artefactos y una pérdida muy notable de definición. Sus imágenes nos hablan de voyeurismo y privacidad. De cómo miramos.
Pueden seguir una interesante entrevista con el fotógrafo en este enlace.
La obra de Nikolai Abraham Abildgaard (Copenague, Dinamarca, 1743-1809) se mueve dentro de ese marco del neoclasicismo con elementos románticos en la que se inscribe también la del suizo Henry Fuseli, que comentamos recientemente y que influyó directamente sobre el artista danés. Con un reconocido prestigio – apodado el Rafael del Norte – fue profesor de la Academia danesa y en su escuela se formaron artistas tan relevantes como Christoffer Wilhelm Eckersberg o Caspar David Friedrich.
Filoctetes herido – Nikolai Abraham Abildgaard
Desnudo – Nikolai Abraham Abildgaard
Adrasto se suicida en la tumba de Atis – Nikolai Abraham Abildgaard
Pesadilla – Nikolai Abraham Abildgaard
Disputa por el cuerpo de Moisés – Nikolai Abraham Abildgaard
Ymir amamantado por la vaca – Nikolai Abraham Abildgaard
En sus dibujos y grabados nos encontramos, como en Fuseli, el tema de Adán y Eva, aunque sin el toque erótico de éste:
Otras muestras:
Dos estudios de dibujo masculino – Nikolai Abraham Abildgaard
Adrasto se suicida en la tumba de Atis (grabado) – Nikolai Abraham Abildgaard
Federico Beltrán Masses (Güira de la Melena, Cuba, 1885-1949) fue un artista que desarrolló su actividad fuera de su patria. Hijo de un militar español, viajó pronto a España donde estudió Bellas Artes en Barcelona y se incorporó luego al taller de Sorolla en Madrid. Pese a que fué un gran viajero, su estudio se centró en París, donde vivió hasta 1946. Persona muy extrovertida, con gran facilidad de relación, se convirtió en su propio marchante artístico en sus numerosos viajes dentro de Europa, Asia y los Estados Unidos. En este último país fue el artista favorito y retratista de la jet set.
Johann Heinrich Füssli, conocido como Henry Fuseli (Zúrich, Suiza, 1741-1825) fue un artista muy destacado pero de difícil clasificación en su conjunto. Neoclasicista y neomanierista, sobre todo en un principio, sus obras parecen luego estar fundamentalmente ancladas en el romanticismo alemán, pese a que ya en esa época trabajaba en Inglaterra. Lo fantástico, oscuro y, ocasionalmente grotesco, le aportan un carácter singular y se le considera incluso un precursor del surrealismo. Uno de sus admiradoras más destacados fue Willian Blake, que lo consideró como un adelantado a su tiempo.
En mi intento de mostrar la destacada producción de este artista quiero inicar el visionado con dos obras muy originales sobre Adán y Eva, con un inusual componente erótico:
Pero aquí les dejo algunos ejemplos de su particular mitología y sus fantásticos y oscuros personajes:
Podemos incluir en la lista algunos de sus dibujos:
Raramente dedico una entrada del blog a dos artistas diferentes, pero es que Wilhelm Plüschow (Wismar, Alemania, 1852-1930) y su primo Wilhelm Gloeden (Meclenburg, Alemania, 1856-1931) parecen no ser tan diferentes. No sólo comparten el vínculo familiar sino también la misma temática fotográfica, el mismo modelo (Vincenzo Galdi) – aparentemente amante de Plüschow – y, ocasionalmente, los mismos escenarios. Todo esto ha dado lugar a una cierta confusión a la hora de atribuir las obras a uno u otro artista. Según cita atribuida a Dell’Orto en Wikipedia:
«Tal confusión parece bastante extraña, puesto que las imágenes de Plüschow poseen una inmediatez deliberada, una crudeza, un realismo que Gloeden evita. Mientras los trabajos de Gloeden presentan un aspecto artístico-experimental más marcado y se inspiran en las tendencias artísticas de su época, la obra de Plüschow aparece claramente distinta, tanto en el estilo como en el contenido. Aunque los modelos de Gloeden fueran, en general, ligeramente más jóvenes, parecía preferir a los chicos musculosos o entrados en carne; los modelos de Plüschow tienden a ser más flacos. Además el barón creyó que los jóvenes latinos tenían que ser de piel oscura, y dado que muchos chicos sicilianos eran en realidad relativamente pálidos, él a menudo les pintó el cuerpo con un líquido oscuro antes de fotografiarlos. (…) Los modelos de Plüschow, al revés, tuvieron la palidez de los chicos proletarios y ciudadanos que pasaron gran parte del su tiempo en recintos cerrados propios de la gran ciudad que era Roma. El hecho que en sus fotos aparezcan chicos mostrando penes semierectos, demuestra que el efecto erótico fue buscado conscientemente por el fotógrafo. «
El carácter homosexual de ambos fotógrafos se evidencia plenamente en unas obras en las que predominan niños y jovencitos, especialmente varones. Fotografías fuertemente demandadas en la época que sirvieron de referencia a un tipo de fotoerotismo gay posterior.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
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