Jean-Eugène Buland (París, Francia, 1852-1926) fue uno de esos artistas que en la transición del siglo XIX al XX mantuvieron una apuesta a favor de un realismo, denominado naturalismo, derivado del movimiento romántico. La misma posición que su profesor Alexandre Cabanel, quien también rechazó las «modernidades» que venían del impresionismo. Su obra se apoyó en la fotografía para obtener una mayor verosimilitud visual. Obtuvo, durante dos años, el Gran Premio de Roma.
La obra de Justin Maurice O’Brien (Hurstville, Nueva Gales del Sur, Australia, 1917-1996) me parece excepcional en cuanto se diferencia notablemente de la producción de otros retratistas australianos contemporáneos. El estilo es original, pero también la temática: aunque no toda su obra tiene carácter religioso, la mayoría de sus escenas parecen transmitir un punto de intimidad o trascendencia. Justin O’Brian fue el primer ganador, en 1951, del Premio Blake de arte religioso.
Muchacho griego de Skyros – J.M. O’Brien
Remendando redes – J.M. O’Brian
Remendando redes – J.M. O’Brian
Estudio para El Pescador – J.M. O’Brian
Estudio para Venus I – J.M. O’BrianVenus en la terraza – J.M. O’Brian
Mujeres desnudas en el cobertizo de baño – J.M. O’Brien
La performance – que apareció formalmente en los años setenta del pasado siglo pese a que ya era conocida desde los primeros años del siglo XX -, puede resultar de difícil comprensión en tanto que se aparta de las formas tradicionales del arte y de los circuitos de comercialización del mismo. Es concebida como una acción artística en la que la obra reposa sobre la presencia del artista y su cuerpo, y se vincula al arte conceptual. Steve Giasson (Quebec, Canadá, 1979) es un destacado artista conceptual, creador-ejecutor de un número considerable de performances. Quiero destacar sus dos series «Performances Invisibles» (2015-2016 y 2016-2021). Su «invisibilidad» va referida a su ejecución en ausencia de público. Fueron documentadas fotográficamente y colocadas en la página web previamente citada. A la misma debemos referirnos para conocer los elementos conceptuales relacionados con ellas y los créditos de las imágenes. Selecciono algunas de estas imágenes, pertenecientes a la segunda serie, con objeto de documentar esta entrada de blog, pero sugiero visionar las secuencias completas tal y como nos las muestra el artista.
Aunque nació en Sudáfrica, Gary Schneider (East London, Sudáfrica, 1954) es un pintor americano que vive y desarrolla su labor en Nueva York. En su particular exploración del cuerpo humano se muestra la identidad de un modo misterioso y oscuro. Según el International Centre of Photography:
«En su serie Desnudos, Schneider hizo que sus sujetos se acostaran sobre terciopelo negro con las manos en los muslos y toma una exposición que puede durar hasta tres horas. Durante ese tiempo, dibuja la luz sobre sus rostros y cuerpos con una linterna, produciendo sujetos que parecen magullados y luminosos».
Louis Ritman (Kamianets-Podilskyi, Ucrania, 1889-1963). Es un pintor americano puesto que, de niño, emigró con su familia a los Estados Unidos donde obtuvo la nacionalidad. Su formación es americana, aunque vivió el impresionismo francés de un modo muy directo pues, durante veinte años, pasó los veranos en Giverny. La influencia de Cézanne en la obra de Ritman es evidente.
Geza Kende (Budapest, Hungría, 1889-1952) fue un paisajista y autor de retratos que se formó en la Academia de Bellas Artes de Budapest y, posteriormente, en Italia y Francia. En 1932 se estableció en Los Ángeles (California, USA) integrándose en la sociedad artística local y fue miembro del «California Art Club», «Painters and Sculptors of Los Angeles», y de la «Society of Western Artists».
Giacomo Manzú (Bérgamo, Italia, 1908-1991), pseudónimo de Giacomo Manzoni, fue un extraordinario escultor autodidacta italiano cuyo espíritu creativo se formó con el descubrimiento de la obra de Maillol y, posteriormente con el estudio de la escultura de Miguel Ángel y de los clásicos greco-latinos. En los primeros años 30 crea una obra que se aleja del monumentalismo del Novecento pero también abandona su arcaísmo inicial para dirigirse hacia formas más próximas a artistas como Rodin. Un artista singular que supo yuxtaponer su filiación comunista con su amistad con el Papa Juan XXIII y una producción religiosa para el Vaticano.
Cuando descubrí la obra de Eve Mansdorf (USA, 1955) me atrajo automáticamente. He creído percibir un aire naturista en la misma, entendiendo ese naturismo – no tanto como una armonía del cuerpo con la naturaleza – como la descripción de situaciones familiares en la que el desnudo es algo natural y cotidiano. Cuando leo la amplísima entrevista de Larry Groff para «Painting Perceptions«, no encuentro nada que apoye objetivamente mi visión. Adicionalmente, se cita continuamente la inclusión de su estilo pictórico en la denominada «observational painting» (¿pintura observacional?). No me queda claro el significado exacto de este término. ¿Se relaciona con el hiperrealismo?. Dejo las discusiones a los teóricos y les comento solamente que la artista estudió con Dick Cunningham y Edwin Dickinson y dice estar influida por otros pintores como Balthus, Lucian Freud, Antonio Lopez Garcia y Euan Uglow.
El mundo de Pablo Rebollo Pérez (Madrid, España, 1968) gira alrededor de la escultura. Creador, restaurador, fundidor…, produce piezas de inspiración clásica y pequeño tamaño, pensadas para un consumo doméstico alejado de los grandes espacios expositivos públicos. Son bronces que parecen respirar una ligereza inusual para este material y que cantan la belleza de las formas humanas. Adicionalmente, Pablo Rebollo es profesor de arte y de dibujo.
Henry Lamb (Adelaida, Australia, 1883-1960) fue un pintor británico que se destacó particularmente como retratista y como tal retrató a muchos de los miembros del Grupo Bloomsbury, con el que estuvo asociado. También fue miembro fundador del «Camden Town Group» en 1911 y del «London Group» en 1913. Seguidor de Augustus John, su obra, como la de su maestro, se encuadra dentro del estilo post-impresionista.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
migueldesnudo 