Arturo Rivera (Ciudad de México, México, 1945-2020) fue uno de los artistas mexicanos más destacados del siglo XX. Su obra es oscura y anatómica. Un mundo dramático en el que el dolor y la muerte parecen omnipresentes. Evoca a artistas barrocos, pero también a los simbolistas. En la presentación de la colección del BBVA podemos leer:
«Hay en casi toda su obra una apelación, a veces demasiado explícita, a la violencia; imposible librarla de un cierto tono iconoclasta y provocador. Aunque ha declarado su admiración por Caravaggio (1571-1610), a quien considera el primer pintor realista de la historia, incluye en su lista de admiraciones a otros “realistas”, como Francisco de Zurbarán (1598-1664), Diego Velázquez (1599-1660) y Johannes Vermeer (1632-1675). Además, el toque moderno de su realismo podría tener que ver con el expresionismo de Francis Bacon (1909-1992) y con el temple desgarrante que caracterizó la segunda mitad del siglo XX y lo que llevamos del XXI».
Gahee Park (Seul, Corea del Sur, 1985) es una artista coreana que vive y trabaja en Montreal (Canadá). Su obra, muy colorista, tiene influencias múltiples y, entre ellas, quiero destacar la del Pop Art americano. Eric Troncy en Le Consortion publicó:
«A menudo se evoca la proximidad estilística de las obras de GaHee Park con el surrealismo y Henri Rousseau, pero como muchos artistas figurativos contemporáneos, ella combina varias influencias con tanta precisión como heterogéneas: se puede encontrar algo de Fernand Léger en el tratamiento del cabello de Park; un poco de Alex Katz con sus tintes planos muy ligeramente modelados; algo de la exposición y postura de los cuerpos de Pierre Molinier; elementos del cubismo en sus personajes de dos ojos y tres bocas, etc».
En la revista Metal, la propia artista nos comenta la temática de su obra:
«Me atrajo el arte como una forma de explorar temas prohibidos o tabú, como la sexualidad, la desnudez, imágenes grotescas o extrañas, etc. Todavía exploro algunas de esas áreas en mi trabajo, pero más que eso, todavía tiendo a ver el arte como un lugar para explorar ciertos temas que son difíciles de abordar en la vida diaria normal. Solía sentirme cohibido porque mi familia veía algunos de mis trabajos más sexualmente explícitos y evité mostrárselos por un tiempo. Pero eso en gran medida se ha desvanecido. Han visto mi trabajo ahora y más o menos lo aceptan como legítimo, aunque no lo comprendan del todo».
Uno de los artistas asociados al Pop Americano es Jim (James) Dine (Cincinnati, Ohio, USA, 1935). Formó parte del grupo de «nuevos realismos» que se considera punto de partida del movimiento Pop, pero nunca se sintió identificado con el mismo. De hecho, las obras que les muestro a continuación no me recuerdan mucho a las de Warhol, Wesselman o Lichtenstein, por ejemplo.
… el artista pop Jim Dine es conocido por incorporar imágenes de objetos familiares y personalmente significativos en su arte. Su uso repetido de los objetos – como túnicas, manos, herramientas y corazones – es una firma de su arte.[…] Es considerado uno de los dibujantes más consumados de su generación, y es conocido por su serie de autorretratos y retratos de su esposa, Nancy. Dine se convirtió a la escultura a principios de los años 80, cuando creó obras basadas en la antigua escultura Venus de Milo.
No sé si «el orgullo de ser mujer» es la etiqueta apropiada para designar la obra de la activista y fotógrafa danesa Marie Hald (Aalborg, Dinamarca, 1987), pero es lo que me evocan sus trabajos. Usualmente mujeres obesas que se muestran orgullosas de su cuerpo y de sí mismas, que consideran que no tienen nada de lo que avergonzarse. Mujeres con masectomías totales o parciales, denostadas por los mismos criterios que pretenden fijar – especialmente para la mujer – unos cánones de belleza que deben cumplir. En una cita del fotoperiodista Søren Pagter:
“Marie Hald está trabajando intensamente en proyectos sobre la mujer y su relación con la belleza y el cuerpo femenino. Su trabajo es muy íntimo y personal, tanto con reportajes como retratos. Aunque ha recibido premios y su trabajo ha sido publicado y exhibido, merece un reconocimiento mayor por su trabajo centrado en importantes cuestiones de género”.
En una nueva serie de fotografías, la fotógrafa danesa y ganadora del World Press Marie Hald retrata a jóvenes escandinavas que insisten en ser ellas mismas. Gordas. Algunas de ellas son activistas de Instagram y han optado por dejar de publicar sólo selfies de sus caras, también muestran sus cuerpos. Incluso en la playa. Y en bikini. Algunas son activistas en su vida diaria, como dicen, “simplemente ocupando como ellos el espacio” y de vez en cuando obligándose a hacer algo provocativo como comer un helado en público.
Adam Elsheimer (Fráncfort, Alemania, 1578-1610) fue un pintor alemán que se formó, en un principio, con el pintor holandés Uffenbach, para trasladarse posteriormente a Venecia y Roma. En Venecia conoció la obra de los tres grandes artistas Tiziano, Tintoretto y Veronese, y se especializó en una obra paisajística de pequeño formato. Entre sus temas también hay pinturas mitológicas, con una fuerte influencia de Caravaggio y sus contrastes lumínicos. Su obra influyó en Rembrandt y en Rubens.
Elena Luksch-Makowsky (San Petersburgo, Rusia, 1878-1967), nacida en una familia de artistas, fue una pintura y escultora rusa que se formó inicialmente en la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo, luego en Munich – donde expuso con los miembros de la Secesión de Viena – y finalmente, en Hamburgo. No he podido encontrar muchas pinturas con una temática relacionada con el desnudo, pero sobresalen dos: «Adolescencia» y un autorretrato con su hijo Peter, obra conocida como «Ver Sacrum.»
Ningún movimiento artístico es un conjunto coherente de ideas y normas. Evidentemente, el Pop Art no lo es. El punto de partida de este colectivo podemos localizarlo en una exposición conjunta de varios artistas que se citan como «nuevos realistas», sin ningún programa previo, y que se llevó a cabo, en 1962, en la Sydney Janis Gallery de Nueva York. Quizás su punto de unión era el rechazo al Expresionismo Abstracto. Desde un principio el grupo incluyó a los que serían principales líderes del pop americano, pero también a algunas figuras inglesas y, minoritariamente, francesas e italianas. Todavía no existía propiamente el Pop Art, que se va enraizando en un proceso de radicalización en la que se van excluyendo tanto a los elementos europeos como al subconjunto de los «nouveaux réalistes» americanos que, al igual que los europeos, realizaban una obra con un contenido más social. Sin una unidad en lo referente a técnicas o estilos, algunos siguieron líneas afines al movimiento Dadá – en tanto hicieron uso de «objés trouvés» y de «ready made» – pero de un modo general, uno de los elementos identificativos del Pop Art Americano es una pretendida asepsia; sin mensaje, sin ningún recurso a la emoción.
Tom Wesselmann
Según uno de sus principales líderes, Andy Warhol:
Andy Warhol
«Los artistas pop crearon imágenes que cualquiera que fuese paseando por Broadway reconocería al instante… cómics, mesas de picnic, pantalones de hombre, celebridades, cortinas de baño, neveras, botellas de Coca-Cola… todas las grandes cosas de la era moderna que el Expresionismo Abstracto ha intentado ignorar siempre». ( citado por Marco Livigstone, pag. 17)
Roy Lichtenstein
De un modo general podemos decir que el Pop-Art Americano se caracteriza, adicionalmente, por:
George Segal
Popularismo. Representación de cosas vulgares y escenas banales
Uso de fuentes asequibles para todos: collages y montajes, fotocopias, cómics, anuncios y carteles.
Modos de reproducción industrial de la imagen, como la serigrafía. Producción seriada de imágenes con mínimas variaciones (usualmente cromáticas).
Formas delineadas, frontales y «planitud impenetrable que forzaban una sensación de movimiento hacia el espacio ocupado por el espectador» (C.W. Glenn, pag. 30).
Apropiacionismo. Se añaden modificacioness a obras originales con objeto de incorporar en la misma elementos de tensión.
Paleta limitada de colores, frecuentemente puros: rojo, blanco, azul, amarillo…
Gusto por la ornamentación
Sexualización
Producción de obras de gran formato, tendentes al monumentalismo.
John Wesley
Lógicamente, los diversos artistas inciden de un modo diferente en los aspectos anteriormente citados.
Mel Ramos
Se ha comentado en ocasiones la ambigua coexistencia entre el Pop y el Kich, por lo que termino con una cita de Solomon:
«Ha existido una tendencia a analizar obras de los artistas… que utilizan imágenes populares (Lichtenstein, Warhol, Rosenquist, Wesselmann, etc.) sin otorgar ningún respeto al mérito de sus cuadros debido a la llamativa presencia de cómics, etiquetas de lata de sopas y carteles, y a que es muy fácil encuadrarlos dentro de un estilo superficial. El hecho de que estas imágenes sean «divertidas»… tiene muy poco que ver con… el precario equilibrio entre la vulgar fealdad y la exquisita belleza… que el público en general no estaba preparado para afrontarlo» (citado por C.W: Glenn, pag. 43)
Nota: Todas las citas indicadas van referidas a la obra: El Arte Pop. Museo Reina Sofía.
Las imágenes que ilustran este texto corresponde a artistas que ya poseen una entrada en este blog.
El MUNAL clausura ahora una exposición dedicada al gran artista mexicano Santos Balmori Picazo (Ciudad de México, México, 1898-1992). Un artista polifacético que vivió una vida azarosa. Hijo de padre español y madre mexicana vivió en Asturias (España), luego en Mendoza (Argentina) y Santiago (Chile). Posteriormente estudió en la real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid, España) teniendo como maestros a Moreno Carbonero, Joaquín Sorolla y Julio Romero de Torres. Tanto aquí, como en una etapa parisina posterior, estuvo en contacto con la intelectualidad artística y cultural del momento. También viajó por Suiza y por el Norte de África pero, en todo momento se mantuvo fiel a su nacionalidad mexicana.
En el anuncio de la exposición del MUNAL citada, podemos leer:
«Santos Balmori fue un artista multifacético y apartado, por cuenta propia, de las corrientes plásticas que permearon el quehacer artístico mexicano de su tiempo. Es cierto que su trabajo como ilustrador y cartelista se alinea a las temáticas revolucionarias y combativas, no obstante, su obra de caballete se separa de los cánones de la Escuela Mexicana de Pintura y manifiesta un lenguaje pictórico mucho más cercano a las corrientes figurativas europeas; con claras referencias al Cubismo analítico, el Realismo español, el Expresionismo alemán y, en menor medida, a la pintura metafísica italiana».
Domenico Cresti (Passignano, Perugia, Italia, 1559-1638), conocido por el nombre de su ciudad origen «Il Passignano» o «Domenico Passignano«, fue un pintor perteneciente a la escuela de Venecia, aunque era florentino de nacimiento. Su obra se ve influida por Federico Zuccaro, Andrea del Sarto, y por el gran trinomio del arte veneciano: Tiziano, Tintoretto y Veronese, de los que aprendió el uso del color. Una composición meritoria y un dibujo poco relevante, aunque parece ser que no ha sido muy estudiado. Il Passignano pertenece al Renacimiento tardío o estilo de la Contramaniera, estilo que surge como reacción al Manierismo imperante.
Francisco Amighetti Ruiz (San José, Costa Rica, 1907-1998), conocido por amigos y discípulos como Don Paco, fue uno de los mejores xilógrafos sudamericanos del siglo XX. Formó parte del grupo de artistas «Nueva Sensibilidad» que intentaba avanzar hacia un nuevo arte basado en la tradición y adaptación de la cultura prehispánica, lo negro y lo latino. La mujer, la vida cotidiana, el campesino, constituyeron la temática de su obra. También fue un destacado pintor y muralista, siendo muy reconocido su mural «La agricultura», elaborada con la colaboración de Margarita Bertheau para la Casa Presidencial:
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
migueldesnudo 