Lawrence Graham-Brown es un artista jamaicano, residente en los Estados Unidos, con una obra multidisciplinar en la que domina la performance. La búsqueda de una identidad racial y homosexual, centran la atención de un trabajo que se escenifica en su propio cuerpo. Contestado muchas veces, especialmente por la burguesía de su país, su obra tiene una difusión internacional.
Les muestro algunas imágenes de sus performances
aunque lo realmente interesante es la visión de su obra «For the Love of Man», comisionada por la Race Walking Association del Reino Unido. Tomada de YouTube
Salvator Rosa (Nápoles, Italia, 1615-1673) fue un artista que desarrolló su trabajo entre Florencia, Nápoles y Roma. Muchos de sus paisajes, y las obra de carácter mitológico e histórico, parecen seguir la tradición clasicista de Poussin. Sin embargo, se interesó enormemente por temas de carácter dramático y truculento, con un destacado uso del claroscuro. Quizás esto se deba a la influencia del que fue uno de sus primeros profesores, su cuñado Francesco Fracanzano, discípulo de Rivera. En su conjunto, su obra parece anticipar el romanticismo, que se desarrollaría un siglo después.
Bujas y sus encantamientos – Salvator Rosa
(detalle de la obra anterior)
Prometeo encadenado – Salvator Rosa
Bruja – Salvator Rosa
Escena en el puerto – Salvator Rosa
Odiseo y Nausicaa – Salvator Rosa
Escila y Glauco – Salvator Rosa
San Sebastián – Salvator Rosa
Igualmente fue un gran dibujante y, especialmente grabador, desarrollando con gran acierto la técnica del aguafuerte.
Eivar Moya (Valledupar, Colombia, 1970) es un destacado artista colombiano que con gran maestría aúna sus profundos conocimientos del dibujo con una sabia composición pictórica, vigorosa y dinámica, en la que predomina el desnudo humano. Su obra ha sido expuesta en varios países americanos y, en Europa, en Italia, España e Inglaterra.
Para mí el verdadero motor de mi trabajo, es el SER HUMANO porque me permite, a través de la fuerza, el trazo y el gesto, representar un abanico inmenso de posibilidades, como lo es el erotismo, la calma, la violencia, el desenfreno, el odio, y muchísimas cosas más, es como un gran actor, que puede representar todos los papeles que se dan en la vida por eso, el ser humano, es quien mueve mi obra todo cuanto pueda colocar alrededor es anecdótico, es solo algo que acompaña la continuidad del mismo ser, por eso doy gracias a Dios, por todo eso, además siempre recuerdo lo que dijo el poeta “somos seres humanos, peor cosa, no podemos ser”.
James Barry (Cork, Irlanda, 1741-1806) ha sido, hasta fechas muy recientes, un pintor casi desconocido. «Resucitado» por la Galería Tate en 1983, es hoy reconocido como uno de los artistas irlandeses más destacados. Se formó en Dublín y, más tarde, un viaje a Italia le permitió contemplar la obra de los artistas renacentistas más importantes. La influencia de éstos es notable en su obra neoclásica, defendiendo en todo momento el desnudo, y discrepando del «prejuicio que muchas personas tienen hacia las figuras desnudas, como indecentes y tendentes a la obscenidad«. En su estilo no sólo se aprecia este clasicismo sino que empieza a observarse un cierto carácter dramático, que caracterizará al movimiento romántico.
Desnudo masculino sentado en una roca – James Barry
Desnudo masculino sentado – James Barry
Estudio de mujer reclinada desnuda – James Barry
La tentación de Adán – James Barry
Venus – James Barry
Satán, locura y muerte – James Barry
El nacimiento de Venus – James Barry
Desnudo de pié llevando una palma – James Barry
Satán y sus legiones desafiando la bóveda celeste – James Barry
El Támesis o el Trieunfo de la Navegación – James Barry
Hervé Guibert (Saint-Claud, Francia, 1955-1991) fue un intelectual polifacético cuya vida se vió truncada muy pronto a consecuencia del Sida. Cineasta, periodista, escritor y fotógrafo, mantuvo amistad con figuras tan destacadas como el filósofo Michel Foucault o la actriz Isabelle Adjani. Aunque algunos de sus desnudos fotográficos pueden tener un toque erótico, acorde a su condición homosexual, generalmente se muestran como introspectivos, autorretratándose a menudo. Un elemento de soledad y tristeza parece invadir la obra. Según cita Gloria Crespo en El País:
«Quería representar físicamente sentimientos que son invisibles ante la cámara e invitar al espectador a conectar con esas imágenes reconociendo sus propios deseos. Le interesaba el efecto que podía producir la fotografía no solo en la persona retratada y en el espectador, sino también en el propio fotógrafo» (Millán)
Esta foto, con posible lectura naturista, parece pertenecer también a Hervé Guibert:
Antonio Gattorno (La Habana, Cuba, 1904-1980) fue un destacado artista que alcanzó renombre internacional. Mantuvo un amplio bajage cultural y artístico fruto de sus estudios iniciales en la academia de San Alejandro de La Habana, los posteriores, sobre los maestros del Renacimiento italiano (en Roma), del arte clásico español del Greco y Goya (en Madrid) y, finalmente, de la escuela libre de Montparnasse. Volvió a Cuba en 1927. En su pais fue uno de los primeros en abanderar un criollismo modernista con indiscutible reminicescias del muralismo mexicano. Afinales de la década de los 30 empezó a exponer en Nueva York, un punto de partida para la difusión de su obra por América y Europa.
Parece establecido que cualquier análisis de la obra de Jacques Majorelle (Nancy, Francia, 1886-1962) parta de su condición de hijo del célebre diseñador de mobiliario Louis Majorelle, pero la influencia de éste no parece haber sido muy grande. Le impulsó a una carrera de arquitectura que abandonó para dirigirse a lo que le apasionaba: la pintura. Se formó en l’Académie Julian, célebre lugar de encuentro de pintores internacionales, pero también tuvo una autoformación personal fruto de sus numerosos viajes por Europa y África. Egipto se le reveló como un descubrimiento y sus continuas visitas a Marruecos, en fechas posteriores, lo convirtieron en un poderoso seguidor de la corriente orientalista. Sin embargo, su obra no incide tanto en ese mundo de harenes, descritos con el realismo minucioso que caracterizó a este movimiento de la segunda mitad del siglo XX, como en la luz y el color. Se le considera como uno de los primeros modernistas.
El fotógrafo Franz Fiedler (Prostejov, Moravia, República Checa, 1885-1956) tuvo, en su época, fama de excéntrico. No me extraña a la vista de muchas de sus producciones en las que el clásico debate medieval, Eros-Tanatos, parece resolverse, más que como una confrontación, como en un íntimo deseo de unión, en el que el amor – o la pasión – se lleva el protagonismo. Fue uno de eso de esos fotógrafos profesionales que se unieron al movimiento de la Nueva Objetividad (en alemán, Die Neue Sachlichkeit) que se caracterizó por un tono más representativo y estático en oposición al expresionismo.
Su estilo es bastante variado como tratan de mostrar las siguientes imágenes:
Helmut Kolle (Berlín, Alemania, 1899-1931) no pudo legarnos una obra muy extensa puesto que se inició en la pintura a principios de los años 20, impulsado por su pareja, el crítico de arte Wilhelm Uhdem, y fallecíó, con 31 años, después de caer gravemente enfermo unos años antes. Recibió clases de dibujo de Ferdinand Hodler y Lovis Corinth. Su estancia de cuatro años en París marcó una pintura, de tendencia homoerótica, con influencias cubistas (Picasso y Braque) y de Rousseau. Se comenta que fue el primer pintor alemán que trienfó en París una vez terminana la Primera Guerra Mundial.
De interés la presentación en YouTube: Helmut Kolle.
Leonardo da Vinci (Vinci, antigua República de Florencia, Italia, 1452-1519) es indiscutiblemente uno de los grandes genios de la cultura mundial y uno de los representantes máximos de la concepción humanística del hombre renacentista. Pintor, escultor, dibujante, arquitecto, ingeniero, anatomista, poeta… Lo abarcó todo. Dentro del mundo artístico establece con Miguel Angel y Rafael la trilogía más representativa del Quattrocento italiano. Su obra pictórica, pese a su extraordinaria importancia, no es abundante y sólo conozco una obra suya en la que se muestre un desnudo: Leda y el cisne, de la que no se conserva el original. Sabemos que realizó esculturas pero tampoco se han conservado; quizás con la excepción de una «Virgen con niño riendo» atribuída recientemente al Maestro. Pero sus dibujos son numerosos. Se conserva una gran colección en las que el desnudo se utiliza tanto con fines anatómicos como artísticos. Son casi exclusivamente desnudos masculinos. Leonardo da Vinci era homosexual y a los 24 años fue acusado de sodomía, pero este hecho no parece plasmarse de ninguna forma en su arte. Técnicamente, entonaba el papel utilizando varios materiales diluídos (tinta, carboncillos, sanguina, etc.) lo que le permitía luego generar sombras y luces que daban aspecto tridimensional a sus figuras. La pintura se llevaba a cabo con plumas de ganso endurecidas, y la tinta se fabricaba con gallaritas, sulfato férrico y goma arábica.
Mas allá de su célebre «Hombre de Vitrubio», con el que encabezo esta entrada del blog, les muestro una pequeña selección de dibujos:
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
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