George Segal (Nueva York, USA, 1924-2000) fue un pintor y escultor vinculado al Pop Art americano. Como escultor se distinguen sus obras blancas, realizadas en yeso y gasas (como las utilizadas para las escayolas), acompañadas en ocasiones con objetos ready-made, como marcos de puerta. En sus pinturas se aprecia fuertemente las características del Pop americano: dibujo sencillo, que delimita espacios cromáticos intensos, y planaridad.
Partimos de una dificultad, pues el término «modernismo» es uno de los más ambiguos cuando va referido al arte. Designa ocasionalmente cualquier tendencia vanguardista emplazada cronológicamente en el interregno de los siglos XIX y XX, pero también al estilo designado en Francia y Bélgica como «Art nouveau«, «Nieuwe Kunt» en los Paises Bajos, «Sezession» en Munich y Austria, «Jugendstil» en Alemania, «Modern Style» en Reino Unido y «Style Liberty» en Italia. Muchos nombres que ponen de manifiesto su extensión geográfica pero también pequeñas diferencias en sus formas de expresión. Pese a ello parece que la Historia del Arte pasa por este término «de puntillas», cuando se intenta referir al mundo de la pintura; no así al referirse a la arquitectura.
El modernismo supone una ruptura frente al academicismo, historicismo y o eclectivismo. Tuvo como uno de sus precursores a la «hermandad prerrafaelita» y se caracteriza por una búsqueda de la belleza a cualquier precio, endiosamiento y narcisismo. Es un movimiento que presta gran importancia a la ornamentación y, en los años 20, deriva en el «art déco«, que no debemos confundir con éste.
En su libro «El Modernismo» (Alianza, 1982), Robert Schmutzler introduce así, muy literariamente, el movimiento:
«Se llama Art Nouveau o modernismo aquel estilo que se desarrolló alrededor de 1900 cuyo leimotiv era un largo y sensual movimiento. Sus ondulantes trazos curvos, que hacen pensar en las algas y las lianas, asemejándose también a la manchada piel de una pantera o al brusco movimiento de un golpe de látigo, encuentran en el juego suave y centelleante, ya moderado o furioso, su razón de ser»
Quiero insistir que el modernismo pretende destacar la afinidad y síntesis entre las artes y da una gran importancia a la música. Sin embargo, la escultura está virtualmente excluida del movimiento, y la pintura tiene un carácter secundario frente a la arquitectura o las artes decorativas.
Lo ornamental determina el estilo en su conjunto. Líneas ondulantes y curvas vertiginosas que muestran amplios espacios vacíos. Fondo y forma pueden intercambiarse en ocasiones e, igualmente, lo que está delante y detrás. Las figuras adquieren una sensación de bidimensionalidad y el cromatismo, como forma de representación espacial, queda reducido a algo secundario, Se destaca la influencia del japonismo en el modernismo temprano.
Más compleja es la relación entre modernismo y simbolismo, un movimiento diferente con el que convivió en el tiempo. La figura de William Blake tuvo una gran influencia en los albores del movimiento.
«Los ornamentos del modernismo no son solamente decorativos, sino también significativos; se encuentran en una extrecha relación con una forma sentido, con un símbolo» (Schmutzler)
Caligrafía y símbolo se unen: «El modernismo convirtió por primera vez el cartel en unidad de escritura e imagen o de escritura y ornamento» (Schmutzler).
El tratamiento del cuerpo humano, en este movimiento es poco favorable al desnudo. El aspecto decorativo se impone y las figuras se vuelven estilizadas poco antropomórficas mas o menos sumergidas en un inmenso tejido ornamental.
Aunque he comentado que el modernismo no incidió demasiado en el mundo de la pintura, hubo muchísimos pintores destacados. A la hora de mostrar ejemplos, debo indicar que 36 artistas citados en el blog están asimilados a este movimiento artístico o asumieron en algún momentos sus postulados básicos. A efectos ilustrativos he presentado en este artículo alguna de sus obras.
Como elemento comparativo, la pintura de un simbolista:
Narcis Virgiliu (Bucarest, Rumania, 1971) es un fotógrafo especializado en el desnudo que se introdujo en el mundo profesional en el año 2002. Trabajó para numerosas revistas y en sus producciones destacan las fotografías en blanco y negro, con un cuidado admirable de la iluminación. Abundan los desnudos parciales con elementos simbólicos y un cierto aire surrealista.
Si buscamos en la Wikipedia a Jonathan N. Katz (Nueva York, USA, 1938) nos encontramos a un historiador y escritor centrado en el mundo LGTBI, en la organización de la actividad sexual y en las identidades de género. Se destaca en este artículo su libro «La invención de la heterosexualidad». Sin embargo, Katz es también un gran artista que plasma estos temas en una pintura expresionista que me ha parecido muy interesante. En una entrevista para «The Gay & Lesbian Review Worldwide» Katz nos dice:
«Cuando comencé a escribir, vivía mi vida principalmente a través del intelecto, analizando y pensando en ideas y en la historia. Estaba aprendiendo sobre la vida a través de libros, artículos y manuscritos. Ahora me interesa experimentar el mundo emocionalmente, aprender interactuando con la gente. Mi obra de arte reciente refleja mi interés en sentir el mundo y tratar de expresar mis impresiones sensoriales de los cuerpos masculinos».
«Me parece importante trabajar contra las tendencias puritanas que quedan en la cultura estadounidense. Veo mis dibujos como una forma de afirmar mi sexualidad y nuestra sexualidad humana como algo que puede ser realmente encantador, inocente y misterioso».
«Disfruto mirando cuerpos masculinos desnudos, los encuentro sexualmente sugerentes y fascinantes, y disfruto tratando de resolver el problema creativo de capturar algo de esa sexualidad en papel. Miro a un modelo y trato de ver qué es único en su cuerpo particular o su personalidad o cómo irradia su sexualidad. Eso es parte de mi deseo en estos días de apreciar el mundo a través de los sentidos y no sólo a través del intelecto».
Paul-Émile Bécat (París, Francia, 1885-1960) fue un reconocido pintor francés que retrató a numerosos escritores de su época, exhibió en el Salón de París en 1913 y obtuvo el prestigioso Premio Roma en 1920. Su fama, sin embargo, la obtuvo como ilustrador y grabador, mediante la técnica de «punta seca», de una gran variedad de obra erótica.
Malthe Engelsted (Malta Odin, Zealand, Dinamarca, 1852-1930) fue un pintor danés que nos legó una obra de género serena y reflexiva. Algunos de sus desnudos infantiles, como su «Estudio de un joven desnudo», pueden considerarse una referencia incuestionable.
Hervé Szydlowski (París, Francia, 1962) centra su arte fotográfico en el desnudo humano. Retrata toda clase de personajes en las inmensas playas naturistas de Montalivet. Desnudo franco, natural y realista, que muestra tanto jóvenes como viejos, personas solitarias, parejas o familias. Muchas de sus imágenes nos recuerdan la obra de Sturges. Sobre este tema ha publicado dos libros: Montalivet, 1999-2011 (2012) y Montalibet (2015). Igualmente, creo que hay que destacar su libro «Vêtu du nu, 2000-2004» (2006) o «Soi» (2008), en este último caso actuó sólo como ilustrador.
Hervé Szydlowski nos presenta el cuerpo humano digno, objeto de todo el respeto que merece, como una obra magistral que cambia con el tiempo y provisto de una belleza intrínseca, sin consideraciones a una falsa idea estética o moral.
Hanjo Schmidt (Alemania, 1945) crea figuras expresionistas de gran formato. Con pinturas acrílicas y trazos muy amplios y espesos, modela sus imágenes a partir de fotografías que no copia sino recrea. En Infomag Magazine ponemos leer las siguientes consideraciones:
«El hecho de que siempre podamos reconocer claramente el tema y, al mismo tiempo, saber que en realidad estamos mirando una pintura contradicción que es el verdadero desafío en los trabajos de Hanjo Schmidt».
«Él enfatiza y subraya todo lo que la industria cosmética trataría de ocultar. Estas caras no están normadas o estandarizadas, sino que pertenecen a individuos. Así, las pinturas de Hanjo Schmidt son el alejamiento de la uniformidad de la bella fachada adentrandose al núcleo del ser humano en su esencia».
Materia Prima está formada por los artistas Domiziano Cristopharo (Italia) y José Luis Lemos (Galicia, España), con la colaboración, en algunos trabajos, de Chiara Pavoni y Kevin Poblador. Danza y performance con un estilo que fusiona la danza tradicional japonesa Butoh con técnicas de teatro experimental contemporáneo. Junto a ello una meritoria labor docente: seminarios y talleres.
La obra Materia Prima, en las que se combinan algunas de sus performances, fue galardonada en el Close Film Festival y ha formado parte de la selección oficial de varios festivales internacionales. Sobre la misma Corriere Specttacolo comenta:
…»Danza, improvisaciones, campanas tibetanas, figuras de muerte y renacimiento sobre cuerpos desnudos, ora inclinados por el esfuerzo, ora elevándose hacia altísimos puntos del infinito. Si el concepto de partida es el movimiento Ankoku-Butō, activo en Japón en los años 1950, no es difícil ver las contaminaciones y referencias de una obra que hipnotiza e involucra, también gracias a la presencia hierática de Pavoni, vestal de una ceremonia que se consume como una vela, y se vuelve a encender cuando parece apagarse».
Sobre En-Perfecion escribió Garry Platt en Edinbourgh Guide:
«Es una obra poderosa claramente ideada y creada con emoción, pensamiento y atención. Para mí, exploró el extraño poder de las relaciones que formamos en la vida y tal vez arroje luz sobre cómo funcionan y cómo podrían salir mal. Cualquiera que disfrute de la danza obtendrá algo de este evento y de las poderosas fuerzas que explora».
Quiero hacer mía esta afirmación de Mario de Micheli, mostrada en su gran libro «Las vanguardias artísticas del siglo XX» (Alianza, 1979): «El expresionismo es, sin duda un arte de oposición«.
El expresionismo no es sólo un movimiento que afectó a las bellas artes, sino también al cine, a la danza y a la literatura. Abarcó muchos países, pero se centró en Alemania. A finales del siglo XIX Guillermo II, emperador alemán, alcanzó el trono y reinó en una sociedad fuertemente conservadora, ajena completamente a los movimientos sociales obreros y a una miseria que abarcaba a amplios sectores de la población. Pese a ello se interesó fundamentalmente en un militarismo que acabaría propiciando la Primera Guerra Mundial. Ante ello un sector del mundo artístico llevará a cabo una lucha activa «capaz de poner lo grotesco y lo caricaturesco al servicio de una mayor evidencia acusadora» (Micheli).
Esta lucha contra la falsa moral, el conservadurismo y la moral burguesa, se nos muestra con un estilo bastante reconocible. Desde el punto de vista artístico (en el sentido formal del término) vamos a observar una simplificación de la forma que muchas veces tiende a reducirse al plano, el uso de técnicas de grabado «duras» como la xilografía, los colores no naturales y violentos al modo de los fauvistas. No importa que la obra sea una caricatura; se pretende transmitir una sensación y un sentimiento. El carácter personalista del artista se ve incrementado y en su temática abundan temas como el hambre, los obreros, las prostitutas, la miseria…
El artista expresionista rechaza frontalmente el impresionismo al que considera mudo e insensible.
Kasimir Edschmidt (citado por Micheli, pg. 86 y sig.) nos pone de manifiesto un cierto carácter simbólico en el movimiento:
«El mundo ya no existe; no tiene ningún sentido hacer una réplica de él»
«Todo se relaciona con lo eterno. El enfermo ya no es sólo un individuo que sufre, sino que se convierte en la enfermedad»
«Una prostituta ya no se representa arreglada y maquillada como su oficio requiere: aparecerá sin perfumes ni colorete, sin bolsos ni piernas, pero la naturaleza de su carácter deberá resaltar tan viva en la sencillez de la forma que aparezca como saturada de todos los vicios, las pasiones, las bajezas y las tragedias de las que están hechos su corazón y su oficio»
Los principales artistas expresionistas alemanes, en el periodo previo a la Primera Guerra Mundial, fueron Nolde, Klee y Grosz.
El primer grupo de expresionistas organizado se le denominó «Die Brücke» (El puente), pues pretendió un acercamiento entre los distintos grupos revolucionarios. Se mantuvo entre 1905 y 1913. Al mismo formaron parte numerosos artistas ya citados en este blog: Kirchner, Heckell, Nolde, Pechtein, Otto Müller y Van Dongen. Cuando se disolvió el grupo en el año 1913, surgió «Der Blaue Reiter» (El jinete azul), fundado por Kandinsky y Franz Marc, que se apartan en gran medida del «barbarismo» del grupo El Puente, adoptando actitudes más refinadas, aristocráticas y, ocasionalmente, místicas. El componente social se difumina y sólo aparece un intento de captar la esencia espiritual de la realidad.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
migueldesnudo 