No suelo insistir en un artista del que ya he puesto una entrada en el blog pero, en ocasiones, hay que hacer una excepción. Particularmente si se trata de una vieja publicación de un artista contemporáneo cuya obra ha podido, desde entonces, evolucionar mucho. Este es el caso de Christina West (Michigan, USA, 1980) con una entrada previa en el año 2015. Algunas obras, como éstas, me recuerdan las previamente publicadas:
Pero en otros proyectos, como el recientemente presentado «Strut» la artista presenta una serie de obras cerámicas en las que la obra escultórica se incorpora en una performance. Nos cuenta Los Angeles Time:
«El día de la inauguración de la exposición, un modelo desnudo de unos 40 años trepó a cada escultura de cerámica y adoptó una serie de poses: arrodillado, despatarrado, caminando en lo que West llama una pose de «pavoneo» (strut)».
En esta exposición en la que se exploran los símbolos de la masculinidad, la misma publicación nos comenta:
«West no quería crear más desnudos femeninos, tan omnipresentes en la historia del arte. En cambio, dada la tradición escultórica de hombres heroicos posando sobre un pedestal y como un giro hacia la mirada masculina, quería que “Strut” reexaminara los cuerpos masculinos y sus posiciones de poder».
Dos años antes (2022), Christina West había presentado otra serie «Mere Mortals» en la que la Austin Peay State University de Tennessee comenta:
“Meros mortales es parte del reciente proyecto en curso de Christina A. West que utiliza esculturas, videos y fotografías para dirigir su mirada al cuerpo masculino”. Agregó. “Mis instalaciones más recientes exploran la mirada femenina sobre el cuerpo masculino como una forma de empoderar y comprender esta perspectiva subrepresentada”, dijo West. “Estas obras incluyen videos realizados durante múltiples sesiones con modelos masculinos mientras les indicaba que realizaran una variedad de actividades que transmiten vulnerabilidad con fuerza y belleza con incomodidad, a veces superpuestas con referencias al arte clásico.
De otra exposición «Staring at the Son», me ha llamado poderosamente la atención esta obra, de la que la artista comenta en su Facebook:
«Una de mis piezas favoritas de mi nueva exposición, Staring at the Son, es esta fotografía de un padre y su hijo. El papel fotográfico está enrollado en un tubo que le permite mantenerse en pie libremente, al mismo tiempo que crea una experiencia de observación activa. Hay que moverse alrededor de la pieza para ver la imagen completa, algo similar a la forma en que vemos una escultura. El estante en el que se encuentra tiene un soporte vertical que no es realmente necesario, pero que le da a la composición una sensación de precariedad y al mismo tiempo le da a la pieza una presencia comparable a la del cuerpo».
Allen Gingsberg (USA, 1926-1997) fue un poeta, pensador y, especialmente, un provocador. Gran viajero y miembro destacado de la denominada «generación beat» de los años 50, luchó contra todo tipo de opresión, contra el militarismo y las guerras, y a favor de la libertad sexual y el matrimonio homosexual. También fue miembro de la controvertida NAMBLA (Asociación Americana de Amor Hombre/Niño). Su labor como fotógrafo no es, quizás muy destacada. Es muy conocida el retrato que le hizo Richard Avedon, pero nos dejó también numerosos autorretratos, sólo o acompañado de su pareja Peter Orlovsky:
Giovanni Barbieri (Cento, Italia, 1591-1666), conocido como Guercino por su estrabismo (guercio=bizco en italiano), fue un pintor barroco especializado en el retrato y la pintura religiosa. Artista muy reputado en su tiempo, se convirtió en un hombre rico y famoso. Su renombre ya era internacional en ese tiempo y, prueba de ello, es la visita que le hizo Velázquez cuando estuvo en Italia por primera vez. De formación autodidacta, estudió la obra de Ludovico Carracci, pero la influencia de éste se fue diluyendo en el tiempo y su obra adquirió cierta semejanza a la de Guido Reni.
Ryuki Yamamoto (Mie, Japón, 1976) es un artista formado en la Universidad Zokei de Tokio. Igualmente trabajó becado, durante un año, en Pekín y con posterioridad en Yogyakarta (Indonesia). Hoy trabaja en Tokio donde, según nos comenta la Mizuma Art Gallery, es «conocido por sus abrumadoras composiciones y autorretratos con múltiples detalles.»
Karel van Mander (Meulebeke, Bélgica, 1548-1606) fue una figura clave en la pintura manierista flamenco-holandesa. También fue un estudioso de la Historia del Arte, influyendo notablemente en la historiografía de los siglos XVII y XVIII. Trabajó en Haarlem desde 1583, donde fundó una escuela de dibujo. A ésta pertenecieron, entre otros, Goltzius (amigo personal del artista) y Cornelis van Haarlem.
Otto Dix (Untermhaus, Alemania, 1891-1969) fue un pintor, dibujante, grabador y escultor. Sin duda una de las figuras más destacables, si no la más importante, del expresionismo alemán y de su corriente más extrema que fue la nueva objetividad. La corriente «verista» de la misma, en oposición a la del «realismo mágico», trata de resaltar los sentimientos y destacar en la obra todo lo feo. Figuras destacadas de este movimiento son George Grosz, Max Beckmann o Georg Scholz, por ejemplo. Dix obtuvo una cátedra desde la que impartió docencia en Dresde hasta la llegada del nacionalsocialismo, que lo destituyó y trató a su obra como «degenerada.»
Giorgi Kobiashvili (Tbilisi, Georgia, 1989) es un artista formado en Tbilisi, donde vive y trabaja actualmente, pero cuya obra ha viajado por Europa y los Estados Unidos. Aunque sus estilos y temáticas son variados, se imponen en su obra – y muy especialmente en sus desnudos – los temas religiosos o místicos.
Bob (Boguslaw) Borowicz (Poznán, Polonia, 1922-2009) fue un artista autodidacta que se interesó, desde muy niño en la fotografía. La invasión alemana en 1939 lo envió a un campo de concentración durante cinco años. En 1951 se instaló en Chile como asilado político. Allí creó su propio estudio e impartió clases de fotografía en la universidad. Desde 1971 abrió su propio centro docente. En EcuRed podemos leer:
«Para Borowicz, el arte de la fotografía es más limitado que la pintura, y por lo tanto más difícil, pues ese límite lo impone la realidad. Piensa que se pinta con la luz para encontrar mayor expresividad. En contraposición a los tiempos requeridos para concretar una pintura, Borowicz Intenta capturar el momento fugaz de la vida del ser humano, la quinta esencia de la fotografía moderna que desafía a lo estático».
No cabe duda que Joseph Mallord William Turner, o J.M.W. Turner (Covent Garden, Londres, Reino Unido, 1775-1851) fue uno de los paisajistas más destacados de todos los tiempos. El conocido como «pintor de la luz» llevó a su máximo apogeo el paisaje que había empezado a perfilarse como género durante el barroco, y que cobra nuevamente importancia ahora, durante el romanticismo. Aunque el desnudo no es, lógicamente, la principal ocupación de este pintor, merece la pena mostrar aquí algunas obras con esta temática. Homenaje a uno de los grandes de la pintura que entró – de la mano de Sir Joshua Reynolds y con sólo 15 años – en la Royal Academic of Art. Turner dejó su huella no sólo en el impresionismo sino incluso en el arte abstracto.
Glauco y Escila
Desnudo reclinado
Apolo mata a la pitón
El Diluvio?
Estudio académico de un desnudo masculino agachado
Desnudo de hombre desnudoDesnudo de mujer sentada desnuda con el brazo izquierdo levantado
Paul Landowski (París, Francia, 1875-1961) fue el autor de una de las obras escultóricas publicas más conocidas: El Cristo Redentor o Cristo de Corcovado, obra monumental de 38 metros de altura que realizó en colaboración con el ingeniero brasileño Heitor da Silva Costa, pero veremos que su producción fue muy amplia. Antes de llevar a cabo sus estudio oficiales de Bellas Artes, Landowski era ya un experto anatomista y había realizado estudios, en l’Académie Julian, con Jules Lefebvre. Numerosos monumentos en París llevan su firma, pues se convirtió en el escultor «pseudo-oficial» de la Francia posterior a la Primera Guerra Mundial, pero no todas sus esculturas son de grandes dimensiones, ya que trabajó igualmente en formatos pequeños y medianos.
El artista, gran aficionado al boxeo, nos legó esta magnífica escultura dedicada al mismo:
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
migueldesnudo 