Con el seudónimo de Fidus, Hugo Höppener (Lübeck, Schleswig-Holstein, Alemania, 1868-1948) fue un famoso ilustrador, pintor y editor, que colaboró con numerosas revistas entre las que se encuentra «Der Eigene», la primera publicación homosexual del mundo. Fue discípulo de Karl Wilhelm Diefenbach – con quien estuvo en una comuna próxima a Berlín -, y quien le puso el seudónimo de «Fidus» (Fiel). En esta comuna se practicaba un nudismo vegetarianista unido a una filosofía de amor libre como la que años más tarde reivindicaría la comunidad hippie. Su estilo, claramente simbolista, une elementos místicos, mitológicos (especialmente germánicos) y exotéricos. Una prominente ornamentación y un protagonismo destacado del desnudo. Después de la Segunda Guerra Mundial, perdió su influencia (fue miembro del Partido Nazi) pero fue reivindicado por esa cultura psicodélica que vimos en los años 60-70.
Nakamura Fusetsu (Hatchobori, Minato, Japón, 1866-1943) fue un pintor y calígrafo japonés cuyo nombre original (Nakamura es el apellido) era Sakutaro pero que pronto empezó a utilizar el de Fusetsu, que significa infalible. Educado inicialmente en el estilo japonés más tradicional («nanga») va asimilando la tradición occidental, especialmente después de su estancia en Francia y paso por la Academia Julian, y crea una obra encuadrable en el denominado estilo «yogä» en el que se aúna una temática tradicional con técnicas importadas de Europa.
Paisajista y retratista (especialmente de desnudos), Georges Kars (Kralupy, Bohemia, Chequia, 1882-1945) estudió con Franz von Stuck. Posteriormente conoció el arte clásico español gracias a su amistad con el artista cubista Juan Gris, y su vida transcurrió entre París y Barcelona. Estas influencias cubistas determinaron gran parte de su producción, pero también ayudaron a definir su estilo Suzanne Valadon, Maurice Utrillo o Jules Pascin, entre otros.
Martial Raysse (Golfe-Juan, Francia, 1936)- pintor, escultor e ilustrador -, es miembro del «nuevo realismo», grupo de vanguardia surgido en los años sesenta y que guarda un cierto paralelismo, y no sólo temporal, con el pop-art americano. En sus desnudos solemos ver recreaciones de obras clásicas, especialmente de Ingres, sobre las que proyecta colores intensos y ácidos.
En las esculturas parece apreciarse una cierta influencia del «arte povera» (quizás no demasiado en los desnudos que les muestro).
Alexander Rothaug (Viena, Austria, 1870-1946) es una de las figuras más importantes del movimiento simbolista. Aunque muy influenciado por el pintor y escultor Franz von Stuck ,y con una temática similar que incluye tanto escenas mitológicas como algunas de tipo religioso, su obra me parece más optimista y no tan oscura como la de Stuck.
Javier Codesal (Sabiñánigo, Huesca, Aragón, España, 1958) es un artista visual con una producción muy destacada dentro del videoarte. Su obra forma parte, en general, de instalaciones más o menos complejas. Ello unido a su carácter conceptual, cuyo significado sólo se aprecia dentro del conjunto de la instalación, dificulta un poco traerla a este breve espacio de blog.
«Siempre he trabajado sobre el cuerpo y lo corporal. Cuerpo no solo es el cuerpo físico. No es solo la carne, la carne está en relación dialéctica con el cuerpo. El cuerpo, tal y como nosotros lo vivimos, es una producción del lenguaje que incluye lo visible y lo invisible, todo. Y aunque siempre tengo presente el cuerpo, el cuerpo desnudo, que es un lugar por excelencia para la representación del cuerpo, aparecía de manera recurrente en mis primeros años de trabajo, desde el 83 hasta el 2000…[] Pero el desnudo no agota lo corporal. La voz, por ejemplo, es un aspecto de lo corporal que me interesa especialmente [] Otra parte de mi trabajo se relaciona con el dibujo y el texto.»
Como ejemplo de su trabajo, la instalación «Inmóviles» que se presenta como una serie de 14 fotografías y una mesa de acero sobredimensionada que presenta dos pares de aberturas en su superficie en las que pueden incrustarse, con dificultad, dos cuerpos desnudos y que constituye la base escénica de las fotografías.
Desde Espacio Uno, del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía leemos:
«Fijados en un punto. La capacidad humana de trasladarse se ve anulada por formas cotidianas que definen y obstruyen el espacio. Los pies no llegan al suelo. El contacto es sólo visual. INMÓVILES, los cuerpos no son observados según su posibilidad mudable, abiertos a la transformación del movimiento. Al contrario, están reducidos a una condición inmóvil, apresados por una mesa que debería servir para relacionarnos y, más bien, evoca una cocina, un quirófano, un instrumento de tortura o cualquiera de esas cosas donde la carne deja de ser el cuerpo de un sujeto.
INMOVILES. La presión sobre el cuerpo y sexo ejercida por una mesa es concreta, pero también modélica (modeladora)».
En «Ponte el cuerpo» y «La ropa en el suelo» observamos, nuevamente, series fotográficas relativamente amplias, que emulan secuencias de video y que se integran en un conjunto expositivo más amplio, siempre con el cuerpo como protagonista.
En «Dias de Sida» podemos ver relaciones entre la enfermedad y sus signos corporales. Así leemos:
“Codesal viste cuerpos que no esconden nada, cuerpos que dicen en un lenguaje privado, cuerpos en calma que se dejan mirar, que muestran la inquietud desnuda de lo cotidiano, cuerpos a la vista en cualquier lugar. Un lugar cualquiera es tierra de nadie, y en ese espacio virginal el artista se ofrece a la captura de quien desee hacerse mirada. Mirarse, hacerse contemplar. Hacerse mirada”
En «El Evangelio Mayor» el artista se plantea el problema del envejecimiento en el contexto del mundo LGTBIQ+ (foto, film y textos).
Franz von Stuck (Tettenweis, Baviera, Alemania, 1863-1928) fue un pintor, grabador y escultor simbolista y «art nouveau». Tuvo como profesor – o al menos fue su fuente de inspiración -, a Arnold Böcklin, e influyó, como docente universitario, en numerosos artistas. Cofundador de la Secesión de Múnich, su obra tiene un alto contenido erótico, con mujeres que parecen representar el papel de «femme fatale» en composiciones frecuentemente oscuras. De su obra más conocida, «el pecado», existen hasta 11 versiones. Con ella empiezo una muestra de su amplio trabajo.
El desnudo es escaso en la obra de Adriaan Hendrik Boshoff (Pretoria?, Sudáfrica, 1935-2007). En el amplio catálogo de MutualArt (718 obras) casi nos pasa éste desapercibido. En su obra abundan paisajes y escenas de género, tratados con un gran colorismo y una paleta amplia de tipo impresionista. La mayoría de sus desnudos muestran a niños que juegan, junto a otros semivestidos, al borde del mar. Acciones espontáneas sin el menor atisbo de erotismo.
Edvard Weie (Copenhague, Dinamarca, 1879-1943) fue un pintor que se introdujo en el modernismo, a principios del siglo XX, gracias a la escuela regentada por Kristian Zahrtmann. También tendrá una gran influencia en su trabajo el colorismo de Karl Isakson, cuya obra estudió a la muerte del artista. Weie no formó parte de ningún grupo artístico, reprochó a sus contemporáneos la ausencia de valores humanos en sus creaciones y, con un exagerado espíritu autocrítico, destruyó una buena parte de su producción artística.
Alicia Framis (Mataró, Barcelona, España, 1967) es una artista conceptual y directora museística que vive y trabaja en Amsterdam. Discípula del artista minimalista francés Daniel Buren y del conceptualista americano Dan Graham, su obra suele centrarse en el videoarte y la performance. Los temas feministas protagonizan muchas de las creaciones, pero no suele utilizar el desnudo como uno de sus recursos expresivos. Una notable excepción: 8 de junio, libran las modelos.
«Esta acción pensada para la celebración del aniversario de una conocida firma española de marroquinería consistió en el desfile de diecisiete modelos masculinos desnudos que llevaban, cada uno, un bolso de la marca sobre una aséptica pasarela que remitía al tan citado cubo blanco de la sala de exposiciones, el lugar privilegiado para mostrar arte contemporáneo, acentuando aún más lo que este comportamiento tenía de subversivo y obligando al público a concentrar su mirada en los cuerpos de los chicos. Tanta incomodidad provocó la obra que se decidió que la acción no se repitiera en más ocasiones como estaba previsto y que su registro no fuera incluido ni en la exposición ni en su posterior itinerancia. Este hecho plantea muchos interrogantes, entre ellos, sobre quién mira y cómo mira, sobre ciertos miedos y ansiedades y demuestra cómo los valores del desnudo femenino y del desnudo masculino no coinciden. Podría declararse con bastante seguridad que, si se hubiese tratado de modelos femeninas desnudas, la obra no hubiese sido censurada»
Sergio Rubira. «Cuestiones de género» en Arte Español Contemporáneo 1992-2013. Dir. Rafael Doctor Roncero. La Fábrica (2013) pp. 231, 233.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
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Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
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