El anuncio de una exposición organizada este año por el Museo D’Orsay de París sobre la artista franco-israelí Nathanaëlle Herbelin (Israel, 1989) me ha abierto el camino para conocer a esta interesante pintora, admiradora de los Nabis y muy especialmente de su supuesto creador Pierre Bonnard. Esa intimidad que aísla y sumerge a las figuras de Bonnard la extiende también Herbelin a las figuras masculinas y a las parejas, generalmente ausentes en el aseo o el sueño.
François Bouché (Sermiers, Francia, 1924-2005) fue uno de los grandes escultores franceses del siglo XX, al igual que un gran dibujante y litógrafo. Trabajó en París en los talleres de Henri Laurens y de Ossip Zadkine, y se relacionó con artistas como Germaine Richier, Braque, Giacometti o Brancusi.
Bui Trong Du (Hai Phong, Vietnam, 1976) es un artista «local» en tanto que su formación académica y su actividad pictórica están asociados a su país natal. No así su proyección que ya es claramente internacional. Emplea óleos con colores intensos aplicados sobre tela o lacas sobre madera, para representar a una mujer tradicional, con suaves formas tendentes a la abstracción que, según el artista, se inspiran en recuerdos de su infancia. Puesto a correlacionar este mundo con el arte contemporáneo europeo, a mi me sugiere un poco a Modigliani y a Paul Klee.
Jack Mitchell (Cayo Hueso, Florida, USA, 1925-2013) fue uno de los artistas más destacados del pasado siglo en lo referido a la fotografía relacionada con el espectáculo y, particularmente, con el mundo de la danza. Su gran fama se debe, tanto a la captura del cuerpo en movimiento, como a la iluminación de los sujetos retratados.
Nadia Waheed (Arabia Saudí, 1992) es una joven artista paquistaní establecida en Austin (Texas, USA) – previamente en Francia, Egipto y Pakistán – y que hoy expone en todo el mundo. Con colores intensos y luminosos nos muestra siempre un mundo femenino, personal y ocasionalmente místico. Según se nos presenta en Gallery 1957:
«La obra de Nadia Waheed es alegórica y autobiográfica al mismo tiempo. Sus pinturas figurativas a gran escala hacen referencia tanto a su propia experiencia vivida como a temas más amplios de la feminidad, el trauma cultural y el deseo de una identidad individual libre de convenciones, expectativas y obligaciones. Los sujetos femeninos, a menudo autorretratos, en su obra soportan claramente el peso de las presiones culturales, a menudo contradictorias, que recaen sobre las mujeres. También demuestran una interioridad tranquila o interrelaciones con otras mujeres que apuntan hacia el espacio para un yo liberado e independiente de las normas y compulsiones sociales».
En Ocula, Nadia Waheed afirma:
«Las pinturas son de naturaleza autobiográfica. Mi experiencia humana se filtra a través de muchos lentes y se presenta como una alegoría.
Cada figura es un arquetipo que representa algo: la verdad, la imperfección fundamental, la enfermedad o el agravio. A menudo, los mismos arquetipos reaparecen en diferentes pinturas y las narrativas surgen orgánicamente de cómo cada arquetipo se relaciona con el otro.
Mi relación con estos arquetipos está cambiando en este momento ya que mis narrativas no pueden contenerse fácilmente en siete personajes. Muchos más están apareciendo en nuevas obras que desafían la categorización».
Puede decirse que la labor pictórica del artista Christian Rohlfs (Groß Niendorf, Alemania, 1849-1938) se inició con una fase puntillista, luego se vio influido por Van Gogh y, a partir de 1901, y a través de Emil Nolde, entró en contacto con el grupo «Die Brücke» y se estableció como un artista plenamente expresionista. Con todo su obra irá sufriendo numerosas variaciones desde las angulosas formas con trazos gruesos de su etapa más expresionista, hasta otra más amable y optimista en la que el óleo cede paso a la acuarela o la témpera.
Jan Massys (Amberes, Bélgica, 1509-1575) fue un pintor flamenco perteneciente a una familia de pintores en la que se distinguió su padre Quentin Massys «el viejo», fundador de la Escuela de Amberes que intentó armonizar el arte flamenco del momento y el nuevo renacimiento italiano. Cultivó los temas religiosos y el retrato y siguió inicialmente los pasos de su padre hasta ir adquiriendo un estilo más propio con fuertes contrastes cromáticos. Temas como Judit y Holofernes o Suzana y los Viejos son recurrentes en su obra.
Viki Kollerová (Bratislava, Eslovaquia, 1984) es una artista autodidacta que se ha especializado en el retrato – usualmente autorretrato en blanco y negro – del cuerpo desnudo en la naturaleza. Al respecto, comenta para LF Magazine:
«La verdad es que no veo mis desnudos como una mera captura del cuerpo. El interés principal de mi trabajo reside en la relación que existe entre lo humano y el entorno. Así que, más que en el cuerpo en sí, me centro en la armonía de toda la escena, que refleja la interconexión que hay entre todos los sujetos de la naturaleza».
Su desnudo es ocasionalmente surrealista, inspirado en Man Ray, con figuras que se integran en la naturaleza ocultándose entre sus formas. En Minus37 la artista nos comenta:
«He tratado de desaparecer del mundo de forma pacífica, dándome cuenta de que esto es lo que realmente sucederá cuando nuestras vidas lleguen a su fin».
La obra de Kollerová está hoy reputada internacionalmente, y es tan extensa que sólo puedo entresacar algunas de sus fotografías.
Aksel Jörgensen (Copenhague, Dinamarca, 1883-1959) fue un destacado grabador y pintor danés que desarrolló también una importante labor docente en la Academia Real Danesa, entre 1920 y 1953. Sus principios artísticos fueron muy duros pero al obtener este cargo docente y llegar a dirigir la Academia, se relacionó con personalidades como Franz Marc, Paul Klee, Otto Dix y Emil Nolde. Se destacan en su producción los grabados, especialmente xilografías.
No resulta fácil presentar el desnudo artístico dentro del panorama conocido como Street Art, Graffiti o Arte Urbano. Relativamente escaso, y asociado en la mayoría de los casos sólo con cuerpos femeninos fuertemente erotizados, he encontrado pocas muestras originales para incluir en este blog. Me ha sorprendido, sin embargo, el caso del denominado Mr. OGAY (1986), artista de Taiwan que presenta una interesante crítica a dicha sociedad mediante el desnudo masculino «feo». En la publicación Pow! Wow! podemos leer:
«Sus trabajos de graffiti despiertan el respeto mutuo de las personas al demostrar sus deseos con humor y burlarse de la moral hipócrita. Utiliza la “fealdad” como tono de lenguaje artístico y desarrolla un estilo específico. También intenta considerar la esencia interna de la humanidad y la sociedad desde otro punto de vista mediante la reinterpretación del sistema social y las relaciones entre el ser humano y el medio ambiente».
Mr. OGAY es ampliamente conocido en los países asiáticos, pero también en París o Nueva York.
Declara en NeoCha:
«Mi educación de toda la vida en bellas artes me enseñó sobre estética y cómo dibujar cosas bellamente. Pero en comparación con este enfoque “hermoso”, prefiero dibujar cosas feas. Las cosas feas darán a los espectadores una impresión más profunda, pero usaré una hermosa técnica para representar este concepto de “fealdad”. Esto hace que el espectador reconsidere su propia definición de belleza y fealdad, para considerar más profundamente los temas que quiero expresar».
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
migueldesnudo 