Ningún movimiento artístico es un conjunto coherente de ideas y normas. Evidentemente, el Pop Art no lo es. El punto de partida de este colectivo podemos localizarlo en una exposición conjunta de varios artistas que se citan como «nuevos realistas», sin ningún programa previo, y que se llevó a cabo, en 1962, en la Sydney Janis Gallery de Nueva York. Quizás su punto de unión era el rechazo al Expresionismo Abstracto. Desde un principio el grupo incluyó a los que serían principales líderes del pop americano, pero también a algunas figuras inglesas y, minoritariamente, francesas e italianas. Todavía no existía propiamente el Pop Art, que se va enraizando en un proceso de radicalización en la que se van excluyendo tanto a los elementos europeos como al subconjunto de los «nouveaux réalistes» americanos que, al igual que los europeos, realizaban una obra con un contenido más social. Sin una unidad en lo referente a técnicas o estilos, algunos siguieron líneas afines al movimiento Dadá – en tanto hicieron uso de «objés trouvés» y de «ready made» – pero de un modo general, uno de los elementos identificativos del Pop Art Americano es una pretendida asepsia; sin mensaje, sin ningún recurso a la emoción.
Según uno de sus principales líderes, Andy Warhol:
«Los artistas pop crearon imágenes que cualquiera que fuese paseando por Broadway reconocería al instante… cómics, mesas de picnic, pantalones de hombre, celebridades, cortinas de baño, neveras, botellas de Coca-Cola… todas las grandes cosas de la era moderna que el Expresionismo Abstracto ha intentado ignorar siempre». ( citado por Marco Livigstone, pag. 17)
De un modo general podemos decir que el Pop-Art Americano se caracteriza, adicionalmente, por:
- Popularismo. Representación de cosas vulgares y escenas banales
- Uso de fuentes asequibles para todos: collages y montajes, fotocopias, cómics, anuncios y carteles.
- Modos de reproducción industrial de la imagen, como la serigrafía. Producción seriada de imágenes con mínimas variaciones (usualmente cromáticas).
- Formas delineadas, frontales y «planitud impenetrable que forzaban una sensación de movimiento hacia el espacio ocupado por el espectador» (C.W. Glenn, pag. 30).
- Apropiacionismo. Se añaden modificacioness a obras originales con objeto de incorporar en la misma elementos de tensión.
- Paleta limitada de colores, frecuentemente puros: rojo, blanco, azul, amarillo…
- Gusto por la ornamentación
- Sexualización
- Producción de obras de gran formato, tendentes al monumentalismo.
Lógicamente, los diversos artistas inciden de un modo diferente en los aspectos anteriormente citados.
Se ha comentado en ocasiones la ambigua coexistencia entre el Pop y el Kich, por lo que termino con una cita de Solomon:
«Ha existido una tendencia a analizar obras de los artistas… que utilizan imágenes populares (Lichtenstein, Warhol, Rosenquist, Wesselmann, etc.) sin otorgar ningún respeto al mérito de sus cuadros debido a la llamativa presencia de cómics, etiquetas de lata de sopas y carteles, y a que es muy fácil encuadrarlos dentro de un estilo superficial. El hecho de que estas imágenes sean «divertidas»… tiene muy poco que ver con… el precario equilibrio entre la vulgar fealdad y la exquisita belleza… que el público en general no estaba preparado para afrontarlo» (citado por C.W: Glenn, pag. 43)
Nota: Todas las citas indicadas van referidas a la obra: El Arte Pop. Museo Reina Sofía.
Las imágenes que ilustran este texto corresponde a artistas que ya poseen una entrada en este blog.
migueldesnudo 