Intentar glosar la producción de un artista contemporáneo tiene siempre el inconveniente de que podemos dejarnos influenciar por cuestiones que afectan a la vida privada o social del artista, completamente ajenas a su trabajo. Cuando buscamos información sobre Mario Testino (Lima, Perú, 1954) cae sobre nosotros una avalancha de acusaciones sobre acoso y agresión sexual a sus modelos. Pero estamos hablando de uno de los fotógrafos, asociados al mundo de la moda, con mayor proyección internacional, y cuyas obras han sido expuestas en importantes museos de todo el mundo.
Selena Mattei, en el magazine Artmajeur, hace una amplia semblanza del artista, de su obra y de la proyección del mismo a través de los numerosos premios y distinciones que ha recibido. Sintetiza su estilo con estas palabras:
«En general, el estilo de Testino se caracteriza por su glamour, sofisticación y capacidad para evocar emociones. Sus fotografías tienen una calidad atemporal que trasciende las tendencias y continúa resonando entre los espectadores. Ya sea en editoriales de moda, campañas publicitarias o retratos, sus imágenes emanan una sensación de emoción y encanto, lo que consolida su estatus como un verdadero maestro de su oficio».
Guillaume Seignac (Rennes, Francia, 1870-1924) fue un pintor academicista y neoclásico formado en l’Academie Julian de París. Uno de sus maestros destacados fue William Bouguereau cuya influencia podemos apreciar en el carácter destacado de la mujer, con un erotismo más o menos contenido (mayor en Seignac) y, quizás de un modo particular, en las composiciones que tienen como temática «la ola». Inicio la muestra con tres pinturas que llevan este título:
Émile Jean Baptiste Philippe Bin (París, Francia, 1825-1897) fue un pintor, creador de obras de tipo alegórico e histórico, y al mismo tiempo, un político. Fue discípulo de su tío Nicolas Gosse – dedicado también a la pintura histórica -, y su producción es neoclásica academicista. Tuvo dos destacados discípulos: Charles Léandre y Paul Signac.
El desnudo en el arte tiene un carácter polisémico. Nos permite representar ideas muy diferentes y ocasionalmente enfrentadas. De este modo permite representar tanto una tierna escena sentimental y el apacible mundo del desnudo compartido naturista, como la perversión y la violencia. En estas líneas pretendo mostrar dos obras, ejecutadas mediante técnicas artísticas muy diferentes (fotografía y pintura), cuya temática es la violencia. En la primera observamos al agresor (fotografía de Mapplethorpe), en la segunda a las víctimas (pintura de Botero).
Naturalmente, lo que sigue es una reflexión personal. No pretendo hacer crítica de arte. Sólo comentar lo que me transmiten estas obras así como los elementos estructurales de las mismas que, a mi entender, refuerzan esta lectura.
Robert Mapplethorpe
En la obra de Mapplethorpe desnudo y sexo se identifican plenamente con la violencia, que no se escenifica directamente sino que adopta un carácter simbólico. No hay elementos identificativos del sujeto; no se muestra la cara, y el cuerpo queda reducido a una pequeña parte del tronco que se semimimetiza con el fondo, y no llena ni la tercera parte del mismo. Del mismo salen, paralelamente, una mano que empuña una pistola y un pene itifálico. Ambos apuntan en la misma dirección. El paralelismo indicado y la ausencia de otros elementos en la composición los ponen en correspondencia directa. La iluminación diferencial destaca igualmente, sobre el gris neutro del fondo, la mano-pistola y el sexo, agrupándolos en una misma entidad. La pistola es mucho menor y señala al sexo como principal elemento agresivo. No se muestra directamente al agresor y tampoco al sujeto agredido. Violencia ciega.
Fernando Botero
Contrariamente a Mapplethorpe, Fernando Botero nos muestra en este triptico pictórico a la víctima o víctimas, omitiendo al agresor. Tampoco se personalizan las figuras pues mantiene el rostro bastante oculto por una serie de sacos o capuchas de color rojo. Apenas apreciamos, en las dos primeras imágenes representadas frontalmente, un rictus en sus bocas. Estamos ante la representación de las tristemente célebres torturas de Abu Ghraib, pero Botero no quiere ensañarse con los detalles de las mismas. Los cuerpos son fuertes y voluminosos, como es norma en todas las obras de este artista. Como elementos indicadores de esta violencia se aprecian las cuerdas, que atan a los presos, las rejas, que muestran su confinamiento, y las manchas de sangre muy localizadas y «teatrales»; de un modo menos perceptible ese rictus facial que nos muestra el dolor. Los mismos capuchones rojos parecen relacionarse con la sangre y, por ende, la violencia. Los cuerpos desnudos nos indican ahora la vulnerabilidad de las víctimas, su indefensión total. Toda la obra parece tener una lectura más simbólica que fotográfica y apelar a una visión más intelectual que sentimental. Desnudas y sin rostro se nos muestran a estas personas sólo como un objeto de un sádico ensañamiento.
La violencia protagonizan estas dos obras muy diferentes tanto desde el punto de vista técnico como desde la óptica del sujeto representado. Cuerpo agresor – cuerpo agredido.
Francis Newton Souza o F.N. Souza (Saligao, Goa, India, 1924-2002) fue un artista bastante ecléctico pero fundamentalmente expresionista. Souza es miembro fundador del «Bombay Progressive Artists’ Group», un grupo artístico que, poco después de la independencia de la India, pretendió renovar el arte de este país y aproximarlo a las expresiones occidentales.
Souza nació y se educó en una familia católica conservadora y fue expulsado de su colegio, en 1939, por dibujar graffitis eróticos en los baños y siempre tuvo problemas con la policía en su país por obscenidad pública. En la biografía que publica Artiana podemos leer:
«Habiendo sido expulsado de la escuela, Souza tuvo el lujo del tiempo que dedicó a estudiar en bibliotecas donde descubrió por primera vez ilustraciones del arte clásico indio y de la pintura europea moderna. Esto fue para él una revelación, ya que a los profesores de la escuela de arte nunca se les había ocurrido que sus alumnos indios podrían beneficiarse del estudio del arte de sus antepasados o de sus contemporáneos europeos. Luego, Souza realizó un apasionado estudio del arte indio y quedó particularmente conmovido por los bronces del sur de la India y las tallas sublimemente eróticas de los templos de Khajuraho. Ambos le causaron una impresión duradera y fueron en gran medida responsables de despertar la imaginación del joven pintor».
La obra de este artista es muy amplia. Selecciono algunas de las que me han parecido más significativas.
Javier Silva-Meinel (Lima, Perú, 1949) es uno de los fotógrafos peruanos más destacados. Aunque inicialmente realizó labores como fotógrafo comercial así como fotografía paisajística, a partir de 1984 centró su labor en el cuerpo humano y en los usos y costumbres de la población indígena de la zona andina y la amazónica. Dentro de estas tenemos ejemplos destacados de desnudos como los que les muestro.
… «En su proyecto La piel del Amazonas, indígenas de Iquito sufren una transformación mágica, mítica, casi surrealista, mediante su relación, «piel a piel», con la fauna típica del Amazonas. Aretes y collares de peces, cabezas de cocodrilo, coronas de garras de lagarto, sombreros de tortuga y bufandas de anaconda convierten a sus sujetos en personajes mitológicos, seres fantásticos escapados de un bestiario o un cuento de realismo mágico».
John Bulloch Souter o J.B. Souter (Aberdeen, Reino Unido, 1890-1972) fue un pintor, escultor y dibujante escocés que se distinguió como retratista. En su obra puede apreciarse su admiración por Velázquez, Chardin y Vermeer, cuyos trabajos conoció gracias a un viaje cultural por el continente europeo. Su pintura mas conocida – posiblemente por el escándalo que provocó en el Reino Unido -, es «The Breakdown», en la que observamos un músico negro que interpreta una pieza de jazz mientras una mujer desnuda parece bailar en trance:
The Breakdown
Con un estilo algo diferente, les muestro otras obras tales como:
Aunque presento a este artista dentro del epígrafe dedicado a los fotógrafos, Raymond Carrance o Czanara (Pons, Francia, 1921-1998) no sólo trabajó como fotógrafo sino también como dibujante, diseñador gráfico de marcas como Perrier, e ilustrador de varios libros. Su obra, con un indudable carácter homoerótico, ha sido redescubierta y puesta en valor después de la muerte del artista.
El término Hiperrealismo parece evocar una realidad por encima de la realidad pero, ¿es ello posible?¿Qué define la realidad?, ¿nuestra percepción de las cosas? ¿La fotografía refleja fielmente nuestra percepción del mundo y como tal nos muestra una realidad objetiva? Entramos en un mundo confuso en el que el arte nos habla de tantos tipos de realismo que se acaba por desdibujar el término y volverlo ambiguo: realismo mágico, realismo fantástico, realismo histórico, neorrealismo,…
El movimiento se gestó a mediados del pasado siglo, en los Estados Unidos, pero se dio a conocer en Europa en 1972 en el marco de la «Documenta 5», exposición celebrada en Kassel (Alemania). Desde ahí se extendió por todo el mundo este movimiento – supuestamente fundado por el artista británico residente en los Estados Unidos, Malcolm Morley -, pero cuyos componentes nunca formaron un verdadero grupo artístico.
El Hiperrealismo se expresa tanto en pintura como escultura. En el primer caso debemos distinguir dos tendencias diferentes: el realismo fotográfico o fotorrealismo, que utiliza la fotografía como punto de partida de la obra, y el realismo figurativo o radical, que prescinde de este recurso (según Andrea Imaginario). Como ejemplo de esto último tenemos muchas obras de Antonio López:
Antonio López
Antonio López
¿Cómo se ve el Hiperrealismo?. Antes de citar lo que pudieran ser las principales características de este movimiento, reproduzco un fragmento de Linda Chase tomado del catálogo de la exposición «Hiperrealismo 1967-2012» ( Museo Thyssen-Bornemisza, 2013, pag. 21):
«Enfrentado a una pintura fotorrealista, la reacción del visitante medio de galerías y museos en la siguiente: Parece tan real… es como una foto. Con lo que quiere decir, claro está, que parece exactamente una fotografía. Por muy asombrosamente realistas que sean estos cuadros, sabemos que no estamos mirando un escaparate, ni una motocicleta, ni una serie de saleros y botes de ketchup. El contexto no es el suyo, la escala es otra, y el lenguaje visual se basa en nuestra familiaridad con lo que traduce la cámara. No hay posibilidad de tomar un cuadro fotorrealista por un objeto real»…
Claudio Bravo
Wang Xiaobo
Chuck Close
Aleah Chapin
Lee Price
Así pues, las principales características de la pintura hiperrealista son:
Banalidad o cotidianeidad de los temas abordados (similar al Pop)
Una pretendida negación de los aspectos sociales, en oposición a cualquier realismo crítico. Incluso se llega a excluir cualquier emoción o sentimiento.
Pinturas al óleo o acrílicas con una base fotográfica directa (fotorrealismo) o indirecta (realismo figurativo)
Sobredimensionamiento de los objetos y eventual monumentalismo
Pintura efectista que gusta de describir transparencias, brillos y reflejos.
Uso destacado del color que se aplica mediante veladuras o empastes, y no dejan marcas de pinceladas en el lienzo.
Escasa representación de la figura humana y, consiguientemente, pocos desnudos.
Takiro Hara
Deborah Poynton
Daniel Barkley
Dino Valls
En el caso de la escultura hiperrealista se dan también mucho de los elementos citados para la pintura y de un modo más radical, como las dimensiones monumentales de muchas de sus piezas. El cuerpo humano se representa mucho más que en la pintura. En la escultura se utilizan frecuentemente moldes y materiales no convencionales, como la fibra de vidrio o la silicona.
Algunos ejemplos de esculturas hiperrealistas:
Ron Mueck
Ron Mueck
Sam Jinks
Richard Stipl
Mu Boyan
Las imágenes mostradas en esta entrada han sido previamente publicadas en este blog. El número de artistas que podemos adscribir a este movimiento es muy grande y sólo destaco a algunos de ellos como ejemplo.
Rip Matteson (Oakland, California, USA, 1920-2011) fue un pintor y dibujante que intentó celebrar en sus trabajos la belleza y poesía del cuerpo humano, especialmente el femenino. Sus dibujos son esquemáticos y en su pintura se aprecia también el uso de líneas continuas envolventes que delimitan, generalmente, zonas cromáticas. Un trabajo sereno y contenido.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
migueldesnudo 