Uno de los principales problemas que me surgen a la hora de elaborar este blog es el de ser capaz de encontrar en la web un número significativo de desnudos, de un mismo artista, para poder mostrarlos como una parte significativa de la producción del mismo y no como un encuentro casual. Esto no me ha ocurrido con Franck Leclerc (Quebec, Canadá, 1964), cuyo trabajo es tan amplio que me resulta muy difícil seleccionar un número reducido de fotografías. El desnudo se nos muestra en blanco y negro, bajo una cuidadosa iluminación que permite destacar volúmenes y texturas; cuerpos completos o fragmentos del mismo, elementos singulares o parejas. La composición de las imágenes me recuerda, a menudo, a algunos de los grandes fotógrafos clásicos como Mapplethorpe, Edward Weston o Imogen Cunningham, por ejemplo.
«Pero lo que más me fascina es la dinámica del cuerpo. De todos los cuerpos.
Cuerpos similares, pero tan diferentes. A cada cual lo suyo. Único. Íntimo y único. Desde el poro hasta la silueta, la textura tiene encanto. Hasta el accidente; línea fina, desgarro o estría.
Busco y venero la modesta gracia de revelarse. Momento sagrado de audacia y abandono.
Objeto plástico, material lúdico, el cuerpo es un campo mágico de exploración.
Veo el desnudo como un retrato ampliado. En definitiva, el cuerpo nos dice mucho»
Se suele decir que se discute sobre el sexo de los ángeles para indicar que se está haciendo una labor inútil, improductiva. El célebre catecismo Ripalda, con el que se pretendía enseñarnos religión cuando era un niño, decía:
«¿Qué son los Ángeles? Son Espíritus soberanos que están en presencia de Dios en Alabanza perpetua»
Se supone que si son espíritus, no tienen cuerpo, y menos aún sexo.
La Biblia indica (Mateo 22:30):
«Porque en la resurrección ni se casan ni se dan en casamiento, sino que son como los ángeles de Dios en el cielo».
Este versículo ha dado pié a considerar a los ángeles como seres asexuados. Sin embargo el Génesis 6 dice:
“Aconteció que cuando comenzaron los hombres a multiplicarse sobre la faz de la tierra, y les nacieron hijas, que viendo los hijos de Dios que las hijas de los hombres eran hermosas, tomaron para sí mujeres, escogiendo entre todas. Y dijo Jehová: “No contenderá mi espíritu con el hombre para siempre, porque ciertamente él es carne; mas serán sus días ciento veinte años”.
¿Se habla de ángeles?¿Los ángeles caídos?
Hoy, 29 de septiembre, San Miguel Arcángel, es mi santo. Bueno, estrictamente hablando, sería. incluso más que un santo o que un ángel, pues aparentemente en el Reino de los Cielos también existen categorías. En cuanto al sexo, los ángeles siempre se designan con nombres de varón. La iconografía clásica cuando no les da una apariencia andrógina muestra cuerpos masculinos, lo que se explicita claramente en el caso de los desnudos (no muy abundantes).
Jan de Bisschop – Siglo XVII
Cristóforo Roncalli – Siglo XVI-XVII
En el siglo XVIII William Blake nos dejó varias muestras (sin las tradicionales alas):
Satán despertando a los ángeles rebeldes
Ángeles caídos – W. Blake
El ángel bueno y el ángel malo – W. Blake
En el siglo XIX tenemos algunas obras icónicas:
El ángel caído – Alexandre Cabanel
Jacob luchando con el ángel – Léon Bonnat
O los grabados de Johannes Josephus:
Satán – Johannes Josephus
Lucifer en un paisaje rocoso cerca de un arroyo – Johannes Josephus
Podemos apreciar que el desnudo explícito se aplica fundamentalmente a Satán y a los ángeles caídos.
La situación cambia drásticamente en el mundo postmoderno. El ángel masculino desnudo pasa a incorporarse a la iconografía gay y, por otra parte, surgen representaciones de ángeles femeninos. Intentaré abordar estos casos más adelante, en otra entrada de este blog. Ahora les muestro alguna de las raras representaciones clásicas de «mi arcángel» desnudo o vestido luchando contra los ángeles caídos desnudos:
San Miguel Arcángel – Marco Pino de Siena – Siglo XVI
El Arcángel San Miguel y los ángeles caídos – Luca Giordano – Siglo XVII
San Miguel Arcángel destruyendo al Diablo – Escuela italiana siglo XVII
San Miguel Arcángel – Antonio de Pereda – Siglo XVII
Théo van Rysselberghe (Gante, Bélgica, 1862-1926) fue un destacado pintor y grabador belga que estuvo asociado con las vanguardias más influyentes de finales del siglo XIX. Fue miembro fundador y uno de los miembros más activos del grupo de vanguardia artística belga conocido como «los XX», del que ya he mostrado a otro de sus miembros: Félicien Rops. Sin embargo su obra no tiene ningún parecido con éste. Muy conocido de los impresionistas, y amigo personal de Paul Signac, su pintura es fundamentalmente postimpresionista y divisionista. Rysselberghe, jugó también un importante papel en la introducción del fauvismo en Bélgica.
La representación artística del desnudo sufrió un paréntesis durante la Alta Edad Media (Siglos V al XI), no por una consideración moralista sino por una falta de interés en una representación realista del cuerpo humano. Su estilo más característico, durante este periodo es el “arte románico” cuyo fin primordial es didáctico. Aquí las figuras tienen un carácter simbólico, son frontales y tienen un hieratismo y rigidez que enfatizan la solemnidad de los personajes tratados. Las presentaciones son planas, geométricas y tendentes a la simetría, con trazos gruesos que delimitan a los personajes cuyas dimensiones se atienen a la importancia de los representados y en ningún momento a una percepción visual de la realidad (perspectiva jerárquica). También se suele hablar de la importancia desmedida que adquieren los ojos y las manos, o de la ausencia de paisajes y fondos de referencia. Todo ello se pone bien de manifiesto en los Pantocrátor que presiden muchas iglesias españolas ubicadas a lo largo del Camino de Santiago.
¿Qué pasa pues con el desnudo? Está claro que su tratamiento resulta inevitable en el caso de las figuras bíblicas de Adán y Eva. La forma de representación de estas míticas figuras se verá modificada a lo largo del tiempo en función del papel que la sociedad vaya asignando a la imagen corporal. En una de las primeras entradas de este blog presenté algunas de las mejores representaciones de esta pareja bíblica durante el renacimiento flamenco. Ahora, en una serie de entradas, intentaré ir mostrando cómo sus imágenes van cambiando a lo largo de la historia.
El relato bíblico cita tres hitos destacados que involucran a estos personajes: 1) La creación de Adán 2) La creación de Eva a partir de Adán y 3) La tentación de ambos y, como resultado, la expulsión del Paraíso. Sólo como consecuencia del pecado, Adán y Eva aprecian su desnudez:
“Abriéndose los ojos de ambos y viendo que estaban desnudos, cosieron unas hojas de higuera y se hicieron unos ceñidores” (Biblia, Génesis 3,7)
“Pero llamó Yavé Dios al hombre, diciendo “¿Dónde estás?” Y este contestó: ”Te he oído en el jardín, y temeroso porque estaba desnudo, me escondí” “¿Y quién, le dijo, te ha hecho saber que estabas desnudo?¿Es que has comido del árbol de que te prohibí comer?” (Biblia, Génesis 3,9-11)
El libro del Génesis considera la desnudez como un resultado del pecado pero, en ningún momento la critica. El desnudo es el estado natural del hombre. Habría que preguntarse en qué momento las tres culturas basadas en las religiones que tienen este libro como referente empezaron a demonizar el cuerpo.
De acuerdo con este esquema bíblico y el marco artístico del románico, durante los siglos X y XI tenemos una representación variada de Adán y Eva. Ateniéndonos sólo a la pintura, hay que hacer notar que su presencia en murales y tablas es escasa, donde el protagonismo era de Dios Padre, Jesucristo y los Apóstoles. Sin embargo, nos quedan imágenes de códices y de mosaicos de influencia bizantina.
En este códice podemos apreciar los tres hitos bíblicos citados, haciendo uso de una característica propia del arte bizantino (que influyó mucho en el románico): la superposición de imágenes para lograr una lectura narrativa, en secuencias ordenadas por líneas:
Igualmente, disponemos de este códice espectacular extraído de la Biblia de Montrier-Gardval, que nos presenta una secuencia similar:
Otra obra destacada por su expresividad, dentro de los límites del simbolismo más estricto, se nos muestra en esta imagen del Beato de Liébena:
Muy similar a esta otra, procedente del del Codex Amemilinnensis, de finales del siglo X:
Las manifestaciones Adán y Eva en la pintura mural de la época son escasas pero interesantes. Todavía en el siglo XII, cuando empieza a predominar el arte gótico, podemos observar esta imagen en la Iglesia de los Santos Justo y Pastor de Segovia, en la que ese aspecto destacado de las manos – que comenté en las generalidades de este estilo – se manifiestan claramente:
De la misma época es este friso del Pecado Original, de la Iglesia de la Vera Cruz en Maderuelo (Segovia). El estilo románico se muestra claramente vigente.
Un detalle de la imagen anterior:
Quisiera destacar dos hechos en todas estas imágenes. Incluso cuando el sexo de los personajes no se ve oculto por la hoja de higuera, no se nos muestra nunca, y el carácter masculino o femenino casi no se muestra en claves anatómicas. La idea del desnudo-sexo-pecado, no está presente. Por otra parte, la serpiente no ofrece a Eva una manzana, lo que está de acuerdo con el texto bíblico que no hace ninguna indicación al respecto.
Por último, les quiero mostrar algunas obras bastante espectaculares: los mosaicos de la Capilla Palatina de Palermo (Sicilia, Italia) y los situados en la Catedral de Monreale, próxima a Palermo. De hecho, son obras del siglo XII y su estilo es bizantino. Sin embargo, este estilo tuvo una gran influencia en el románico hasta el punto que, en algunos momentos cuesta diferenciarlos. Evanthia Chalyvopoulou, en su Tesis Doctoral, trata de aclarar las diferencias entre ambos estilos. Según Chalyvopoulou, el pintor bizantino se mantiene más próximo a la realidad y da a los cuerpos un cierto volumen y es menos caricaturesco y más expresivo.
De la Capilla Palatina:
De un modo similar en la Catedral de Montreale:
La Edad Media no se limita al arte románico. Con el tiempo, y durante la Baja Edad Media, el arte gótico da una mayor expresividad al cuerpo. Hablaremos de la misma en una próxima entrada del blog.
Ilya Repin (Chugaev, Ucrania, 1844-1930), hijo de una familia de colonos rusa, fue un pintor realista miembro del movimiento ruso conocido como los «Itinerantes», que practicaba un realismo crítico, con gran profundidad psicológica y próximo al movimiento que algo más tarde sería denominado «realismo socialista». Conoció de cerca el impresionismo, al vivir tres años en París, y del mismo aprendió la importancia del color. Con todo, su obra se suele mantener en una línea compositiva clásica, como la de su admirado Rembrandt.
Rodrigo Jorge Toro Pohlenz (Chile) es uno de esos artistas contemporáneos fuertemente ligado a las redes sociales y a ellas debemos acudir para obtener un perfil del mismo. En Facebook se presenta a sí mismo como:
«Artista pintor, de 59 años. Soy cristiano católico, soy homosexual».
«Mi obra gira en torno al erotismo y al simbolismo místico, ambos estilos me permiten expresar mis intereses más profundos relacionados con el eros, el subconsciente colectivo y el deseo en todas sus formas. Mis puntos de vista religiosos son innovadores, como se puede ver en mis obras. Amo mis obras de arte y quiero compartirlas con el mundo».
«Intento deshacerme de la moral falsa, así que expresé mis puntos de vista subjetivos en el lienzo; el resultado es un retrato muy expresivo de un Cristo contemporáneo, que intenta contrastar lo que es falso o verdadero en una experiencia religiosa y espiritual contemporánea».
En mi opinión, el artista crea una obra expresionista, con influencias de Bacon, y algunos elementos surrealistas.
Heltmut Röttgen (Alemania) es conocido como director de fotografía y asistente de sonido de numerosas películas, pero no he podido encontrar ningún dato biográfico del mismo. Las obras que les muestro creo son todas de la década de 1980. Me ha llamado poderosamente la atención el magnífico y expresivo tratamiento de parejas masculinas, sin ese amaneramiento y/o hipersexualización que tienen muchas obras de temática queer.
Arno Rink (Schlotheim, Alemania, 1940-2017) es uno de los artistas alemanes más destacados. Miembro de la segunda generación de la Escuela de Leipzig, su obra se mantiene fiel al realismo alemán de la misma, aunque en ocasiones puede aproximarse un poco a la abstracción. Con imágenes coloristas y un dibujo de contornos nítidos, fusiona el expresionismo alemán con el realismo socialista y tiene incluso toques surrealistas.
James Ensor (Ostende, Bélgica, 1860-1949) fue uno de los artistas de vanguardia más importantes de la transición entre el siglo XIX y el XX. Su obra extraordinariamente singular y provocadora – en la que abundan personajes con máscaras y calaveras – se considera precursora del expresionismo e influyó también en el surrealismo. Igualmente, Ensor contribuyó a difundir en Bruselas los movimientos post-impresionista y simbolista. Su obra más famosa, la «Entrada de Cristo a Bruselas», fue en su momento calificada como escandalosa:
Entrada de Cristo a Bruselas (1889)
Evidentemente, no hay desnudos en esta obra. La muestro porque nos sirve como ejemplo más representativo del estilo de este artista, que no es el que les voy a mostrar aquí. El desnudo, en la pintura de James Ensor, se muestra en obras de composición aún muy realista:
Estudio de figura. Hombre de pié sosteniendo un bastón.
Diana
Torso
Por el contrario, el artista nos presenta desnudos claramente expresionistas en su amplia producción gráfica, muy especialmente la que involucra temas religiosos. Ensor era ateo, pero en sus obras se identificaba ocasionalmente con la figura de Cristo como personaje perseguido y doliente.
Cristo atormentado por los demonios
Los demonios Dzitts y Hihanox llevan a Cristo al infierno
La Ascensión de Cristo
El descenso de la Cruz
Cristo entre los ladrones
Cristo y los ángeles
Otras obras gráficas que muestran distintos estilos:
Ilke Kutlay (Esmirna, Turquía, 1982) es un artista contemporáneo turco, muy activo en redes pero del que no encuentro nada fuera de las mismas. Sus obras nos muestran a la mujer desnuda en composiciones con un alto y contrastado colorismo. La presencia de animales, en muchas ocasiones exóticos, es una constante en su pintura, y contribuye a dar a ésta un componente onírico y surrealista.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
migueldesnudo 