El desnudo en el arte: Juan Medina

Juan Medina (Ciudad de México, México, 1950) es un artista cuya obra puede inscribirse en el hiperrealismo pero con elementos góticos. Un gran interés por una visión tridimensional de la pintura con numerosas alusiones a la Historia del Arte. Igualmente, son frecuentes sus alusiones al tiempo, los espejos y muestra, en su pintura, abundantes trampantojos. Jorge Sánchez Becerril comenta:

«El campo óptico de su trabajo reciente no es un simple ensamble de efectos, donde la trampa para el ojo está en la pragmática síntesis del arte hiperrealista-surrealista, que está comenzando en México y deja atrás el atavismo hacia el folclore. En este sentido, Juan Medina es parte de una sólida vanguardia de artistas de América Latina que han sido reconocidos ampliamente como artistas en el exterior y han sentado las bases del arte contemporáneo de México«.

Igualmente, en ArtGalaxie leemos el siguiente comentario:

«Cada uno de los cuadros de Juan Medina en los que emerge “otro” universo reflejado, debe ser visto desde este punto de vista: o bien el reflejo es simétrico a otra realidad o bien nos proyecta, como el manierista, a una descomposición del espacio; por tanto, a otra realidad figurativa, la de los recuerdos, de la que sólo él tendrá la clave.

Su obra expresa el deseo de una nueva comprensión del objeto cotidiano, como una aproximación científica a una realidad latente».

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El desnudo en el arte: Harold Haydon

Harold Haydon (Fort William, Ontario, Canadá, 1909-1994) fue un artista y profesor de arte que se nacionalizó estadounidense en 1941. En este país ya había iniciado su formación artística en Chicago. A ésta seguiría con una labor docente, que completaría más tarde como Profesor Adjunto de Bellas Artes en la Universidad de Indiana. En la página de la Galería Corbet vs. Dempsey podemos leer este interesante comentario sobre la estructura de su obra:

«Durante más de 50 años, desde 1931 hasta su muerte en 1994, Harold Haydon persiguió una teoría compositiva única, a la que llamó “visión binocular”. La consideraba revolucionaria, un enfoque radicalmente nuevo para la composición de la pintura tan significativo como el cubismo…

En la visión normal, todas las imágenes se ven dobles, excepto en el plano de enfoque donde las imágenes recibidas por ambos ojos coinciden. Las imágenes duplicadas, variadas, superpuestas y transparentes proporcionan una fascinante nueva complejidad de composición. Más significativo desde el punto de vista plástico, los efectos de la visión normal con dos ojos intensifican enormemente los efectos del espacio tridimensional. Si bien el impulso básico de estas pinturas surge de la observación y el análisis cuidadosos de los hechos de la visión natural, el resultado pictórico es altamente subjetivo e interpretativo, ya que el campo visual es diferente para cada persona y la intensidad de las imágenes de cada ojo varía y cambia».

Sin título (desnudos con toalla roja)
Odiseo en tierra
Pareja sentada a la mesa
El socorrista
Sin título (tres desnudos)
Sin título (Bañistas)
El albornoz rojo
Desnudo recostado
Caballo fuera del agua
La playa fenicia
Escena en la playa
Sin título (dos bañistas)
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El cuerpo desnudo en fotografía: Emmanuel Sougez

Emmanuel Sougez (Burdeos, Francia, 1889-1972) pese a su formación como pintor se decantó pronto por la fotografía. Promotor del movimiento artístico conocido como «Nueva Objetividad» que envolvió muchos estilos artísticos y que se enfrentó al expresionismo posicionándose en un verismo. En el mundo fotográfico la Nueva Objetividad propugnó un enfoque nítido de sus obras y un cuidadoso tratamiento de la luz. Emmanuel Sougez trabajó fundamentalmente la naturaleza muerta y el desnudo.

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El desnudo en el arte: Gregor Erhart

Hablar de Gregor Erhart (Ulm, Alemania, 1470-1540) es hablar, prácticamente de una única obra: Santa María Magdalena o Magdalena Penitente, también conocida como «la bella alemana». Una escultura de tamaño natural realizada en madera de tilo que se conserva en el Museo del Louvre de París. Originalmente tenía tallados en su base unos ángeles que elevaban a la santa al cielo, y se mostraba suspendida. Aunque se conservan otras tallas de este escultor, la obra que les cito es suficiente para reservar a Erhart un lugar destacado en la Historia del Arte. Tiene características únicas que permiten mostrarnos el paso del gótico tardío al renacimiento. La figura nos muestra un rostro amable, pálido y delicado, acentuado por una policromía con tonos blancos y rosa. Todo ello muy típico del periodo gótico. No así el inusual tamaño natural y, notablemente, su desnudez. Según la tradición, la santa se retiró a una cueva, cercana a Marsella, donde vivió desnuda, sólo cubierta por sus cabellos. En esta representación se destaca el carácter sensual y nos muestra una Magdalena alejada de esos cánones góticos de esquematismo y delgadez corporal, con curvas que ya se ponen de manifiesto, y una posición de las caderas que nos recuerda al contraposto renacentista. Vemos igualmente que la atención que se le concede a la cabellera incide en una mirada circular, y no frontal, de la escultura. Un cuerpo cargado de sensualidad que se contrapone con el rostro y la posición orante de las manos.

Otros desnudos:

Niño Jesús salvador del mundo (atribuído)
Vanitas
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El desnudo en el arte: Georgy Kikin

Georgy Kikin (Voronezh, Rusia, 1939) es un pintor y artista gráfico que vive y ejerce su labor en Samara (Rusia). Sus trabajos se encuentran en el Museo de Arte de Samara y en colecciones privadas por todo el mundo.He podido conseguir pocos desnudos de este artista. Aunque he localizado algunos más, estos se encuentran en una página que no admite la descarga.

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El desnudo en el arte: Avery Palmer

Avery Palmer (Arcata, California, USA, 1983) es un pintor, dibujante y ceramista estadounidense creador de una obra extraña, de características surrealistas. Entresaco algunos comentarios del artista sobre su obra que podemos leer en su página o web o, en español, en Artsper:

«Mi trabajo busca explorar la naturaleza de la humanidad y expresar la complejidad y el misterio inherentes a nuestras relaciones con el mundo en el que vivimos y entre nosotros. Al combinar imágenes familiares de formas desconocidas, invento escenarios que pueden verse como acertijos sin soluciones correctas o incorrectas, …

La multiplicidad de posibles lecturas de simbolismos en mi trabajo está en el corazón de mi concepto. Sin embargo, hay algunos de los elementos que veo como símbolos o metáforas de aspectos específicos de la experiencia humana. En mi trabajo de escultura, se hace especial hincapié en la interacción entre el interior y el exterior. Pequeñas figuras que miran tímidamente a través de ventanas y puertas desde formas híbridas arquitectónicas / corporales simbolizan un deseo humano de una sensación de seguridad inalcanzable. Los espacios interiores misteriosos y ocultos de mis esculturas hablan de la disparidad entre nuestras apariencias exteriores y aspectos de nuestro yo interior que otros no pueden conocer…

Algunos elementos de mi trabajo hacen referencias nostálgicas a períodos anteriores de la historia. La vestimenta de los personajes que invento a menudo recuerda los estilos del siglo XIX. Otros elementos de mi obra incluso tienen un aspecto medieval. Me interesa esta cualidad histórica como una forma de distanciarnos de la realidad que conocemos, animando así al espectador a utilizar su imaginación mientras contempla estos escenarios».

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El cuerpo desnudo en fotografía: Robert Gligorov

Aunque incluyo a Robert Gligorov (Kriva, Palanka, Macedonia del Norte, 1960) dentro del epígrafe dedicado a la fotografía, se trata de un artista conceptual cuyos trabajos abarcan muchas formas de expresión. Artsy nos habla del mismo en estos términos:

«Robert Gligorov, defensor del arte del shock, utiliza imágenes y sonidos perturbadores para provocar, perturbar y desafiar a sus espectadores. El artista macedonio trabaja con distintos medios, desde el vídeo y la fotografía hasta la pintura y la instalación, y ningún tema queda excluido. Gligorov se inspira en diversas fuentes, desde los cómics y el cine hasta artistas de la historia del arte como Henri Matisse y Francis Bacon. Sus primeras obras muestran la fascinación de Gligorov por el cuerpo y sus transformaciones…»

Renacimiento de Brama
God Save Me
La Deposición
Un plato de coltán
Sin título
Divina
Sueños húmedos
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El desnudo en el arte: Olga Costa

Olga Costa (Leipzig, Sajonia, Alemania, 1913-1993) es una de las artistas mexicanas contemporáneas más destacadas de México. Su familia procedía de Ucrania y sufrió numerosos avatares por su activismo político, estableciéndose definitivamente en México en 1925. Durante la década de los 30, la familia participó activamente en la vida cultural de este país y, con Frida Kahlo, se la considera como el máximo exponente de la mexicanidad. En el libro «Olga Costa, un espíritu sensible», de Lorena Zamora Betancourt, se indica (citas en Otro Ángulo):

 “Mexicanidad, sí, y no remedo, ni caricatura. Pues lo ‘mexicano’, como categoría estética, como emoción, como forma de tomar el toro de la sensibilidad por los cuernos, no se refiere a simples nociones de nacionalidad o de origen” (José Revueltas, acerca de los cuadros de Olga costa, 1941).

(Olga Costa) «elige a la mujer como imagen perfecta. En su obra, las figuras femeninas fijan la utopía de las formas en libertad y en lo irrepetible, la sensualidad femenina es el equivalente a la creación” (Carlos Monsiváis, 1993).

Igualmente, para el Museo de Mujeres Artistas, escribió:

Al representar la figura humana, Olga prefirió e hizo prevalecer en sus obras la imagen femenina. En gran medida se trataba de modelos indígenas de niñas, muchachas o adultas, con atuendos típicos o en sus labores cotidianas; en ocasiones fueron personajes ficticios y en otros casos la apreciación íntima de los cuerpos femeninos. Los primeros desnudos de la artista expresaron la sensualidad de las formas y el color de piel de la mujer indígena[…] Cabe mencionar un cuadro ingenioso como El duelo, de 1942, en el que la artista plasmó a dos mujeres con elegantes vestidos y sombreros, con el torso desnudo y florete en mano, en una escena irónica y ficticia: es el juego de la fantasía que se divierte en la elección de sus personajes.

Desgraciadamente, aunque encuentro muchos paisajes y bodegones, los desnudos son más bien escasos.

Desnudo (La Frondosa)
Duelo
Mutilada
Bañista
Bañistas
Desnudo de hombre con gato
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El desnudo en el arte: Carolus Duran

Carolus Durán, pseudónimo de Charles-Emile-Auguste Duran (Lille, Francia 1837-1919) fue un pintor francés, destacado en su tiempo pero quizás no muy bien tratado en la actualidad. Así, la Enciclopedia del Museo del Prado comenta:

«… siguió en adelante una brillante carrera como retratista y obtuvo todo tipo de distinciones, aunque al precio de perderse en una pintura cada vez más superficial, caracterizada por un virtuosismo y una facilidad engañosos».

Formado en la escuela de David, a través de su discípulo Sauchon, Carolus Duran frecuentó a Courbet y fue amigo de Fantin-Latour y de Manet. Tuvo una absoluta obsesión por la figura de Velázquez, al que siempre recomendaba, y del que se consideraba su legítimo sucesor.

Mujer desnuda
Mujer desnuda
Estudio de hombre alongado en la balaustrada
La joven pelirroja
Danae
Vision
Sin título
Manette Salomon
Mujer desnuda de pié
Lilia
Desnudo mirando al mar
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El desnudo en el arte: Stephen Benwell, ceramista

Stephen Benwell (Melburne, Australia, 1953) es un artista que se dedica a la pintura y, de un modo muy especial, a la cerámica. Esta última técnica ha ido cobrando importancia desde las vanguardias artísticas del siglo XX que la retiraron de esa etiqueta, algo despreciativa que se imponía a la artesanía popular. La combinación cerámica y desnudo es aún menos corriente. La obra de Benwell forma parte de importantes museos y colecciones australianas pero también de otras partes del mundo.

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