Al contemplar la obra escultórica de Johanna Schweizer (Enschede, Overijssel, Holanda, 1946) no nos extraña que se la conozca como la Louise Bourgeois holandesa. Sus esculturas realizadas con colores llamativos y usando la técnica del crochet tienen un fuerte componente sexual, pero abarcan un conjunto muy variados de temas: sexualidad y sensualidad, religión y paganismo, folklore y leyendas…
Sam Harrison (Christchurch, Nueva Zelanda, 1985) es un dibujante, grabador y escultor con una obra centrada en el cuerpo desnudo. Me reultan particularmente interesantes sus xilografías que dejan, ocasionalmente, entrever temas o motivaciones religiosas. Dan Chappel en su artículo, publicado en el año 2011 en Art News, «Conversations with the body», comenta:
«El crítico John Hurrell escribe, en su reseña de la exposición de Harrison en Jensen en 2010: «Estas xilografías son particularmente exitosas porque sus imágenes van más allá del claroscuro y (principalmente) de figuras femeninas que interactúan con la sombra y la luz. Los patrones nudosos y astillados del contrachapado tallado presentan vórtices que hacen que las densidades de la tinta se superpongan e interfieran con la claridad de los cuerpos desnudos y obliteren parcialmente los rostros que miran directamente al espectador».
Al explicar su transición a la escultura, Harrison es igualmente ingenuo. «En la politécnica realicé algunos estudios, principalmente de cabezas, y a través de ellos descubrí ciertas formas de trabajar. Más tarde encontré mi propio estilo: trabajando con lo que me habían enseñado, desarrollé mis propias técnicas con bastante rapidez». Sus primeras esculturas, para las que solía usar a amigos como modelos, fueron moldeadas en arcilla, luego fundidas en hormigón y recubiertas con un acabado de cera oscura. Estos estudios de figuras solían ser agachados o arrodillados, con las extremidades entrelazadas, angulosos, tensos y llenos de energía. Sus esculturas de pie más recientes han requerido un mayor refuerzo interno, y mediante el uso de yeso ha logrado mayor flexibilidad y crear forma y relieve con mayor espontaneidad y dramatismo.
«En sus xilografías, Harrison utiliza el tamaño para presentar una obra sobre papel de mayor tamaño que la vida real.
Su destreza como cazador al aire libre le confiere una mirada detallista en la ejecución y la expresión. Harrison utiliza los nudos de la propia madera contrachapada para acentuar los contornos y contrastes de sus marcas grabadas. Esto evoca las formas humanas del artista renacentista Alberto Durero (1471-1528). Hay un elemento subyacente, atemporal y universal, que impregna con fuerza estas obras. Como dice el propio Harrison sobre su compromiso con el desnudo: «Es atemporal. Ha habido y siempre habrá un desnudo, mientras estemos aquí».
Tommi Toija(Lapua, Finlandia, 1974) es un escultor que ha alcanzado gran notoriedad por la creación de una figura a la que denomina «mi pequeño amigo» («little dude») y especialmente una obra gigantesca, de unos ocho o nueve metros de altura , conocida como «chico malo, malo» («bad bad boy») que representa a un chico orinando y se encuentra en el puerto de Helsinki junto a la salida de cruceros a Tallín:
Pero esta monumentalidad es excepcional. Sus obras son normalmente pequeñas esculturas cerámicas, de las que se comenta en su página web:
«Toija explora la vulnerabilidad humana en las figuras arquetípicas – que, según él, no son ni hombres ni mujeres, ni viejos ni jóvenes, simplemente humanos -, apelando así al corazón interior de las audiencias de todo el mundo, envueltas como están en las normas sociales y las personalidades que necesitamos para sobrevivir».
Lorser Feitelson (Savannah, Georgia, USA, 1898-1978) fue un artista clave en la elaboración del arte estadounidense del siglo XX. Su obra con un abstracto geométrico con colores intensos, destacados, y rígidamente delimitados por líneas rectas, dieron lugar al movimiento denominado «Hard Edge Painting» Sin embargo, en un periodo previo al de la abstracción de 1940, creó también una pintura modernista que resulta muy destacada. En ella influyen Matisse, Duchamp y los surrealistas. Lógicamente, debo referirme a ella cuando hablo de sus desnudos.
Mauricio Vélez (Colombia) es un artista que realizó fotoperiodismo en Medellín, Luego vivió en Cartagena, Cali, Bogotá, Londres, Milán, una larga estadía en Nueva York, y regresó a Colombia en el año 2010. Su fotografía muestra una gran amplitud de miras e intereses y me parece conveniente destacar una entrevista con Vélez que podemos encontrar en un video de YouTube. Como debo centrarme en el desnudo les presento aquí, en la mayoría de los casos, obras pertenecientes a uno de sus últimos y polémicos trabajos «Mitad Ángeles, Mitad Demonios». La motivación religiosa se muestra claramente en gran parte de la serie, y él mismo comenta:
«Para mí, la religión lo único que ha hecho es imponerle miedos a la sociedad y, de cierta manera, mi mensaje inicial es: “el miedo no debe existir”, sobre todo en este momento en que estamos en una etapa de cierre y comienzo de siglo y, segundo, parte de demostrar que estas instituciones que nos han impuesto tanto yugo y tanto temor, finalmente no le han aportado mucho a la sociedad desde esta perspectiva».
En la misma entrevista:
(entrevistador)…El Vaticano acaba de publicar en mayo una nueva carta crítica de los sacerdotes abusadores y con otra mirada sobre las víctimas. Pero las imágenes impactan de manera diferente.
«Es un tema sensible porque lo viví cerca en mi familia y he conocido personas que vivieron eso y yo lo abordo con el ánimo de ponerle imágenes a un contexto. Eso fue lo que más me motivó en un tema del que todo el mundo habla, pero que nadie quiere realmente aceptar, del que no existen imágenes en el mundo».
No incluyo a Broken Fingaz en la serie «el desnudo en el arte» porque no hablo de un artista sino de un colectivo. Bajo ese nombre se agrupa una serie de artistas de Haifa (Israel) tales como Unga, Mucho, Desovar y Kip que, a principios de los años 2000 ejercen su actividad como diseñadores y como creadores de arte urbano o street art. Sus graffitis y murales muestran grandes influencias del comic y del pop-art americano.
Joseph Loughborough (Gostport, Reino Unido, 1981) es un artista con una obra expresionista muy destacada. Se centra en la figura humana produciendo pinturas en las que se aprecia la influencia de pintores tales como Egon Schiele o Francis Bacon pero también de los filósofos del absurdo, Kierkegaard o Camus. A este respecto, Notton comenta:
«Las tribulaciones que vemos en sus pinturas se expresan aquí a través de los intensos negros que logra con el carboncillo y de los efectos dinámicos, a menudo amenazantes, del borrado. Hay ecos inevitables de los retratos al carboncillo, profusamente reelaborados, de Frank Auerbach y de los conmovedores grabados de Käthe Kollwitz sobre el dolor materno, pero la imponente maestría del dibujo de Loughborough trasciende las influencias y siempre convence».
Christoph Ruckhäberle (Pfaffenhofen an der Ilm, Alemania, 1972) es un artista asociado a la Nueva Escuela de Leipzig en la que se destacan el color y la innovación. La Galleri Nicolai Wallner nos presenta su obra del siguiente modo:
«Ruckhäberle presenta a sus figuras en poses clásicas, escenas domésticas, situaciones sociales y reuniones. Su enfoque en patrones y formas geométricas, así como un uso vibrante del color, confiere a su obra, por lo demás tradicional, un aire dinámico y contemporáneo. Las figuras bailan, hablan, beben y luchan; posan de formas inesperadas, creando una sensación de movimiento y resaltando la importancia del lenguaje corporal en la comunicación no verbal».
Shelley Harvey (Timaru, Nueva Zelanda) es una fotógrafa neozelandesa que trabaja en Twizel. Junto a fotografía de paisajes y los tradicionales retratos de bodas, esta artista nos presenta un conjunto de fotografías de relevantes desnudos femeninos, experimentales y misteriosos.
Sergey Isupov (Stavropol, Rusia, 1963) es un artista que trabaja en Estonia, tanto la cerámica como el dibujo y el grabado. Es fundamentalmente un ceramista y su creación, al respecto, me resulta como una de las más sorprendentes e imaginativas que conozco. El desnudo no suele formar parte de la estructura de su obra pero se integra plenamente en la misma. En Ferrin Contemporary, el artista nos comenta:
«Para mí, el arte es un estilo de vida. Todo lo que me rodea y me emociona se procesa y transforma automáticamente en el resultado final: una obra de arte. Es fascinante observar la transición de la vida al arte. La esencia de mi trabajo no reside en el medio ni en el proceso creativo, sino en los seres humanos y su increíble diversidad. Cuando pienso en mí mismo y en mis obras, no estoy seguro de si las creo yo, sino que ellas me crean a mí.
Considero la cerámica el material más versátil y se adapta bien a la expresión de mis ideas. Considero la escultura como un lienzo para mis pinturas. Todos los elementos plásticos, gráficos y pictóricos de la pieza funcionan como partes complementarias de la obra.
En esta serie de figuras bípedas, Estatuillas, la forma es clásica, pero los personajes son cómicos. Me gusta el contraste entre lo serio y lo humorístico: la parte frontal es como una caricatura, pero la parte posterior de cada figura presenta una representación íntima del espíritu del ser.
Si bien cada una expresa una personalidad o carácter individual, como grupo, se convierten en una población, habitantes de mi mundo imaginario o visitantes de mi imaginación.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
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