John Morris (Reino Unido, 1963) es un escultor australiano pues sus padres emigraron a este país cuando el artista contaba sólo tres años de edad. En su obra se fusionan materiales muy diferentes prevaleciendo, en sus últimos tiempos, la madera, y en el diseño de. las piezas se pone de manifiesto un cuidadoso dibujo. En unas declaraciones del artista que recoge Cultura Inquieta, leemos:
«La figura siempre ha sido central en mi obra, en dos y tres dimensiones […] desde que tengo memoria he estado fascinado por la anatomía y la mecánica del cuerpo, natural y artificial, humano y no humano, real e imaginado.
La deconstrucción y reensamblaje de la figura en formas extrañas y maravillosas, combinada con otros elementos, es el núcleo de la mayoría de mis ideas. La mezcla de imaginería e inspiración es lo que las hace interesantes. El pequeño boceto inicial, no importa cuán minúsculo o simple sea, contiene la esencia de una idea; remitiéndome a él puedo volver sobre la pista si me estoy saliendo del camino»
Matthew Morrocco (Providence, Rhode Island, USA, 1989) es un fotógrafo original, con una gran maestría en las luces y el color, del que ArtSpace comenta:
«Es conocido principalmente por sus retratos fotográficos de hombres homosexuales en sus hogares. Su obra aborda la relación entre la sexualidad, la familia y la religión, y explora cómo la intersección de estas entidades desarrolla el carácter y la identidad de una persona. Postula que la identidad es moldeable y que las personas se relacionan de forma diferente según la situación o la compañía en la que se encuentren, por lo que siempre están actuando. Morrocco descubre a sus sujetos explorando sitios de citas y redes sociales. Se incorpora a sus imágenes, insinuando una relación con ellos y evocando una sensación de incomodidad, soledad y confusión para reflejar su propia incomodidad y la supresión del deseo».
El artista tiene una obra bastante amplia pero, en relación con el desnudo, destaca fundamentalmente la serie «Complicit», a la que podemos aplicar todo lo anteriormente dicho. Soledad, afecto, sexualidad, vejez y homosexualidad se unen en esta magistral y reflexiva serie.
En una entrevista para la revista fotográfica Musée, Morrocco comenta:
«Para el trabajo que he realizado desde 2012, pasé tiempo íntimo fotografiando a hombres mayores en la ciudad de Nueva York para aprender a seducir, a envejecer con gracia y a aprender sobre el pasado. El impacto de la educación que recibí en materia de arte, lujuria y envejecimiento superó cualquier experiencia anterior o posterior, y ha caracterizado gran parte de mi vida adulta.
Quizás pretendía inspeccionar la fotografía, pero lo que encontré fue la esencia de la conexión humana que va más allá del sexo y la lujuria. Conocí a hombres en sus casas. Tomamos té, derramamos lágrimas, compartimos orgasmos y detalles íntimos».
Autorretrato reflejado con Elmer
Autorretrato con Elmer
Rod en el sofá
Autorretrato sobre el triciclo con Shaun
Comiendo ciruelas en el parque
Kevin y Bill
Autorretrato con Jens
Autorretrato con Willie
Retrato de Rolo en el estudio
Besando a Rolf
Autorretrato y Mark
Creo que las siguientes fotografías forman parte de otra/s serie/s, pero me resultan igualmente interesantes.
James Guppy (Londres, Reino Unido, 1954) es un artista británico que realiza sus pinturas acrílicas, desde 1982, en Australia. Guppy nos comenta en una presentación de su página web:
«Desde el desarrollo de la fotografía, el papel de la pintura figurativa en el retrato y como crónica social prácticamente ha desaparecido, y el arte de la pintura ilusionista ha quedado relegado en gran medida a los remansos de la nostalgia romántica y el historicismo reaccionario. Es evidente que la pintura, en general, continuará; pero ¿han sido las tradiciones figurativas del ilusionismo superadas tecnológicamente por la fotografía, el cine y las imágenes generadas por computadora? Francamente, no lo sé, y a veces me pregunto por la naturaleza quijotesca de mi necesidad de encontrar una relevancia contemporánea para estos estilos de representación premodernistas».
«Su arte demuestra valentía y honestidad al explorar las emociones humanas, identificando y comentando los legados culturales y emocionales con los que convivimos. Guppy retrata a personas en momentos de transición. Como un dramaturgo teatral, sus pinturas revelan un estado de euforia. Guppy prefiere subvertir, en lugar de imitar, sus herramientas de seducción: un «absurdo sutil» combinado con una rica técnica pictórica».
Inicio la presentación de sus trabajos con un autorrettrato. Del mismo se comenta en Art Galery NSW:
El autorretrato Chagrin de James Guppy es una reacción a varios autorretratos de artistas que lo han puesto un poco nervioso. «He visto algunos autorretratos de artistas donde el autoexhibicionismo es descarado, son tan directos», dice riendo. «Y algunos han sido hechos por artistas internacionales de renombre. Es como, ‘¡¿Qué es esto?!’ Es tan tonto.
«En algunos de los autorretratos desnudos, se ven tan serenos, con una mirada petulante de ‘Tengo el control’. Estar desnudo frente a desconocidos no es así. ¡Es vergonzoso!
Horst Janssen (Hamburgo, Alemania, 1929-1995) fue un prolífico y controvertido artista con una actuación destacada en el campo de la pintura, el grabado, la ilustración y, especialmente, el dibujo. Es uno de los dibujantes más importantes del siglo XX. Sigue la tradición expresionista, pero su estilo es personal y extravagante. Mezcla realidad y fantasía, y su obra puede ser compleja con una lectura difícil. En ésta se aprecian las influencias de Edvard Munch y de Egon Schiele. Quiero indicar también que fue alumno de Paul Wunderlich, quien más tarde lo consideraría un rival.
Pocas veces se puede poner de un modo tan exacto la etiqueta de «naturista», como a Ed Lange (USA, 1920-1995), un fotógrafo y editor cuya vida giró, después de un pequeño periodo dedicado a la moda, alrededor de la defensa y difusión de la filosofía naturista. Llegó a ser el vicepresidente de la Federación Internacional de Naturismo.
Aks Misyuta (Bryansk, Rusia, 1984) es una pintora y escultora que vive y trabaja en Estambul (Turquía). En esta artista parecen fusionarse pintura y escultura en formas volumétricas oscuras. La Galería Sébastien Bertrand nos comenta:
«Las formas y figuras escultóricas de Aks Misyuta, que a menudo representan figuras en situaciones aparentemente imposibles, enigmáticas o inventadas, a veces parecen talladas en materia sólida, y son reconocibles al instante. Si bien no están inspiradas en personas reales, estas figuras son autorretratos y capturan las ambigüedades del estado psicológico de los sujetos. Expresivas, grotescas, descomunales, carnosas y, sin embargo, extrañamente vulnerables, se mueven a la deriva en entornos sombríos, marcados por sombras y contrastes de luz, creando un puente entre la sensación de agitación interna y el caos externo. Su apariencia inflable es una forma de representar nuestra naturaleza precaria: para el artista, «a veces basta un pequeño pinchazo para destruir»».
La presentación de la Galería Woaw es casi tan enigmática como la obra de la artista:
«En la obra de Aks Misyuta, la puesta en escena sobre el fondo de las distancias es una referencia a la antigua tradición pictórica. Pintadas con prisa, son el reflejo del pasado en el espejo empañado de la época: los detalles han sido menos importantes en un mundo que ha ganado ritmo. A medio camino hacia la abstracción, siguen siendo narrativos. Aquí es donde la cultura pop, con sus motivos caricaturescos, convive con las alegorías del pasado, como los querubines rojos. Las imágenes metafóricas de nuestras interacciones y autoconocimiento difusos».
El siguiente comentario creo que aporta más para entender la obra de la artista. Ugo Scalia Art Advisory:
«La búsqueda de Misyuta por expresar esta forma de intimidad se ve reforzada por la presencia de algunos objetos recurrentes y llenos de significado simbólico, como relojes, flores o espejos. Los relojes sin marcadores horarios, por ejemplo, representan una especie de manifiesto feminista contra las expectativas patriarcales centradas en la racionalización del tiempo, a saber: la productividad… y la maternidad. «El tiempo avanza», nos recuerda Misyuta, es la frase más común dirigida a las mujeres de su país natal y de otros lugares, cuando llegan a la edad en que se espera que formen una familia. En sus pinturas, las figuras que llevan relojes son, por lo tanto, rebeldes silenciosas que celebran el llamado acto de «perder el tiempo». El título de su primera exposición en París (hasta el 6 de mayo de 2023), «Lazy Self Embrace», ilustra una vez más este pensamiento recurrente en la obra de la artista: robustas y frágiles a la vez, las figuras parecen reivindicar su derecho incondicional a holgazanear. El proceso creativo es otro rasgo distintivo de su obra: Aks Misyuta pinta mucho y con rapidez. La artista trabaja de forma espontánea, desde su propia intuición, y nunca realiza trabajos preliminares para sus pinturas».
Peter Harskamp (La Haya, Paises Bajos, 1951) es un pintor, escultor y ceramista creador de una obra amable y poética. Se comenta en Gallerease:
«A pesar de la diferencia de disciplinas entre la pintura al óleo y la escultura en bronce, existen muy buenos puntos de contacto en la obra de Peter Harskamp. Una clara tensión perceptible y consecuentemente llevada a cabo a través de la estilización. Además de eso, su obra tiene un carácter expresivo intenso. En las pinturas al óleo, los sujetos están colocados en líneas, algo fuera de la realidad y elaborados con un rico uso del color. Tanto las pinturas como las esculturas muestran una transformación aparentemente indiferente similar de la realidad, con efectos sorprendentes y, a veces, con humor. Logra una síntesis entre su obra bidimensional y su escultura. El pintor / escultor Peter Harskamp recrea a la humanidad en seres monumentales que se preocupan por sus quehaceres diarios, ya sea en compañía de un animal u objeto. Actividades en las que el hombre moderno se permite sólo de forma limitada, pero que son las principales actividades del universo de Peter Harskamp. Sus figuras humanas son básicamente invulnerables porque no apuntan a nada. Después de todo, en su desarmadora ingenuidad, no necesitan defenderse. Por lo tanto, el artista crea un tipo de hombre que, si existiera, le daría al mundo una apariencia completamente nueva. Pinta con un realismo estilizado, con los personajes y su entorno purificados de lo no esencial. La obra irradia belleza, equilibrio, paz y ternura».
Peter Vanbekbergen (Lovaina, Bélgica, 1962) es un escultor especializado en cerámica, creador de una serie de figuras extrañas y sugestivas al mismos tiempo. Gallerease indica:
«Crea figuras que parecen de otro mundo; no son realistas. Su piel luce desgastada, vieja y maltratada, y los ojos están entrecerrados. Es imposible distinguir si son hombres o mujeres, y es difícil interpretar sus expresiones. Además de figuras, también esculpe perros; estos también tienen la piel desgastada y los ojos entrecerrados. Vanbekbergen forma parte de la Escuela Belga junto con José Vermeersch y Herman Muys».
Aunque me resulta difícil entender eso de que resulta difícil distinguir el sexo de las mismas. En cambio, la Art Gallery of Mijlpaal introduce así al artista:
«Peter Vanbekbergen (°1962) construye esculturas de arcilla, fuertes y vulnerables a la vez. Cada escultura parte del ser humano, pero es única y presente. Poseen una gran empatía y se integran en el entorno como personas unitarias. Su fascinación por lo imperfecto y lo anómalo es sorprendente. Además de figuras humanas, también le gusta hacer esculturas de perros».
Hans Fahrmeyer (Bochum, Alemania) es un artista alemán que se trasladó, en 1984, a la ciudad de Nueva York, donde montó un estudio especializado en restratos, desnudos culturistas y fotografía de espectáculos y eventos especiales. El la entrada de Model Mayhem se dice:
A pesar de la manifiesta sensualidad de los sujetos de Fahrmeyer, él considera que su ejecución fotográfica muestra «elegancia sin ser sexual, lograda al elegir un fondo y una iluminación que les da un aire de clasicismo. Hay tanta fealdad ahí fuera, que a veces necesitamos que la belleza nos estimule y relaje la vista».
Su trabajo ha aparecido en libros y numerosas revistas.
Andrew Wilson (Oakland, California, USA, 1991) es un joven afroamericano que trabaja en Detroit. Recientemente ha realizado una muestra de 42 retratos desnudos en los que inspirado por su actividad previa como modelo de desnudo, pretende mostrarnos una imagen del mismo no sexualizada, en oposición a la fotografía de Robert Mapplethorpe. Según comenta el San Francisco Examiner:
«Al tomar las fotografías, quería brindarles a sus amigos la misma experiencia de liberación de los estereotipos de sexualidad que a menudo se imponen a los hombres negros».
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
migueldesnudo 