Alex Székely (Budapest, Hungría, 1901-1968) fue un artista que hizo su carrera como caricaturista, también ilustrador de obras de Ovidio, Verlaine, Voltaire o Poe, pero que ganó popularidad por sus numerosos dibujos a tinta o acuarela de temática sexual.
Pocas referencias personales se encuentran en la web que traten sobre en pintor, escultor, ceramista y grabador francés Charles Pasino (Niza, Francia, 1950). Rice Art nos comenta:
«Descubrió el mosaico en la década de 1980, disciplina que practicó, en paralelo al grabado, durante veinte años, en Niza y luego en París. «Aprendí mucho de Matisse, Modigliani, Ingres, Durero o Picasso, entre muchos otros. Mi percepción de la pintura ha cambiado radicalmente con la práctica del mosaico y el grabado». Su pintura se organiza de forma bastante clásica en torno a «manchas» de color que busca sobre todo plasmar, pero el desnudo, especialmente el femenino, sigue siendo su tema predilecto. Al pintar con óleo o acrílico, realza con gusto los fondos de motivos vegetales, o a veces trabaja en colores planos a través de los cuales brillan matices contrastantes. En sus pinturas, admite a veces con un toque de humor, percibe una ligera ironía. «En mi obra, creo que soy bastante sereno, con a veces un toque de humor o incluso una ligera ironía».
Graham Dean (Birkenhead, Reino Unido, 1951) es un pintor británico que trabaja usualmente la acuarela para mostrarnos el cuerpo humano desnudo. Carlos Villalonga comenta en «Infomag Magazine«.
«Graham Dean: esencialmente un pintor de identidad. El artista inglés, Graham Dean, transmite una parte esencial de las emociones y los estados psicológicos de sus personajes, ya sean bellas modelos, atletas, entusiastas de la esclavitud, gemelos idénticos, personas con imperfecciones de la piel, todo ello utilizando sus cuerpos como vehículos de expresión.
Es esencialmente un pintor de identidad. Pero más que la identidad del cuerpo, es la identidad del alma evocada por estas suntuosas acuarelas».
Igualmente, la Galería Rosenstiels indica:
«Su obra siempre continúa explorando la condición humana y nuestra relación con el entorno. Mediante una técnica que él llama «arqueología inversa», Graham Dean inventa los usos tradicionales de la acuarela, dando como resultado una técnica única. Capas de pintura contrastantes se aplican por separado sobre papel grueso hecho a mano, generalmente procedente del sur de la India».
El matrimonio Surbek es uno de los raros casos de pareja de artistas que mantuvieron siempre su individualidad y reconocimiento propio. Marguerite Frey Surbek (Delémont, Suiza, 1886-1981) fue una artista dotada de gran personalidad. Activa social y políticamente, sufragista y feminista, realizó numerosas exposiciones en su país y tuvo una destacada presencia en la Bienal de Venecia en 1930. Fue alumna particular de Paul Klee:
Victor Surbek (Berna, Suiza, 1885-1975) fue un gran representante del género figurativo suizo y produjo una obra con fuertes influencias de Ferdinand Holder.
John Morris (Reino Unido, 1963) es un escultor australiano pues sus padres emigraron a este país cuando el artista contaba sólo tres años de edad. En su obra se fusionan materiales muy diferentes prevaleciendo, en sus últimos tiempos, la madera, y en el diseño de. las piezas se pone de manifiesto un cuidadoso dibujo. En unas declaraciones del artista que recoge Cultura Inquieta, leemos:
«La figura siempre ha sido central en mi obra, en dos y tres dimensiones […] desde que tengo memoria he estado fascinado por la anatomía y la mecánica del cuerpo, natural y artificial, humano y no humano, real e imaginado.
La deconstrucción y reensamblaje de la figura en formas extrañas y maravillosas, combinada con otros elementos, es el núcleo de la mayoría de mis ideas. La mezcla de imaginería e inspiración es lo que las hace interesantes. El pequeño boceto inicial, no importa cuán minúsculo o simple sea, contiene la esencia de una idea; remitiéndome a él puedo volver sobre la pista si me estoy saliendo del camino»
Matthew Morrocco (Providence, Rhode Island, USA, 1989) es un fotógrafo original, con una gran maestría en las luces y el color, del que ArtSpace comenta:
«Es conocido principalmente por sus retratos fotográficos de hombres homosexuales en sus hogares. Su obra aborda la relación entre la sexualidad, la familia y la religión, y explora cómo la intersección de estas entidades desarrolla el carácter y la identidad de una persona. Postula que la identidad es moldeable y que las personas se relacionan de forma diferente según la situación o la compañía en la que se encuentren, por lo que siempre están actuando. Morrocco descubre a sus sujetos explorando sitios de citas y redes sociales. Se incorpora a sus imágenes, insinuando una relación con ellos y evocando una sensación de incomodidad, soledad y confusión para reflejar su propia incomodidad y la supresión del deseo».
El artista tiene una obra bastante amplia pero, en relación con el desnudo, destaca fundamentalmente la serie «Complicit», a la que podemos aplicar todo lo anteriormente dicho. Soledad, afecto, sexualidad, vejez y homosexualidad se unen en esta magistral y reflexiva serie.
En una entrevista para la revista fotográfica Musée, Morrocco comenta:
«Para el trabajo que he realizado desde 2012, pasé tiempo íntimo fotografiando a hombres mayores en la ciudad de Nueva York para aprender a seducir, a envejecer con gracia y a aprender sobre el pasado. El impacto de la educación que recibí en materia de arte, lujuria y envejecimiento superó cualquier experiencia anterior o posterior, y ha caracterizado gran parte de mi vida adulta.
Quizás pretendía inspeccionar la fotografía, pero lo que encontré fue la esencia de la conexión humana que va más allá del sexo y la lujuria. Conocí a hombres en sus casas. Tomamos té, derramamos lágrimas, compartimos orgasmos y detalles íntimos».
Creo que las siguientes fotografías forman parte de otra/s serie/s, pero me resultan igualmente interesantes.
James Guppy (Londres, Reino Unido, 1954) es un artista británico que realiza sus pinturas acrílicas, desde 1982, en Australia. Guppy nos comenta en una presentación de su página web:
«Desde el desarrollo de la fotografía, el papel de la pintura figurativa en el retrato y como crónica social prácticamente ha desaparecido, y el arte de la pintura ilusionista ha quedado relegado en gran medida a los remansos de la nostalgia romántica y el historicismo reaccionario. Es evidente que la pintura, en general, continuará; pero ¿han sido las tradiciones figurativas del ilusionismo superadas tecnológicamente por la fotografía, el cine y las imágenes generadas por computadora? Francamente, no lo sé, y a veces me pregunto por la naturaleza quijotesca de mi necesidad de encontrar una relevancia contemporánea para estos estilos de representación premodernistas».
Y, en la Galería Jan Murphy:
«Su arte demuestra valentía y honestidad al explorar las emociones humanas, identificando y comentando los legados culturales y emocionales con los que convivimos. Guppy retrata a personas en momentos de transición. Como un dramaturgo teatral, sus pinturas revelan un estado de euforia. Guppy prefiere subvertir, en lugar de imitar, sus herramientas de seducción: un «absurdo sutil» combinado con una rica técnica pictórica».
Inicio la presentación de sus trabajos con un autorrettrato. Del mismo se comenta en Art Galery NSW:
El autorretrato Chagrin de James Guppy es una reacción a varios autorretratos de artistas que lo han puesto un poco nervioso. «He visto algunos autorretratos de artistas donde el autoexhibicionismo es descarado, son tan directos», dice riendo. «Y algunos han sido hechos por artistas internacionales de renombre. Es como, ‘¡¿Qué es esto?!’ Es tan tonto.
«En algunos de los autorretratos desnudos, se ven tan serenos, con una mirada petulante de ‘Tengo el control’. Estar desnudo frente a desconocidos no es así. ¡Es vergonzoso!
Horst Janssen (Hamburgo, Alemania, 1929-1995) fue un prolífico y controvertido artista con una actuación destacada en el campo de la pintura, el grabado, la ilustración y, especialmente, el dibujo. Es uno de los dibujantes más importantes del siglo XX. Sigue la tradición expresionista, pero su estilo es personal y extravagante. Mezcla realidad y fantasía, y su obra puede ser compleja con una lectura difícil. En ésta se aprecian las influencias de Edvard Munch y de Egon Schiele. Quiero indicar también que fue alumno de Paul Wunderlich, quien más tarde lo consideraría un rival.
Pocas veces se puede poner de un modo tan exacto la etiqueta de «naturista», como a Ed Lange (USA, 1920-1995), un fotógrafo y editor cuya vida giró, después de un pequeño periodo dedicado a la moda, alrededor de la defensa y difusión de la filosofía naturista. Llegó a ser el vicepresidente de la Federación Internacional de Naturismo.
Aks Misyuta (Bryansk, Rusia, 1984) es una pintora y escultora que vive y trabaja en Estambul (Turquía). En esta artista parecen fusionarse pintura y escultura en formas volumétricas oscuras. La Galería Sébastien Bertrand nos comenta:
«Las formas y figuras escultóricas de Aks Misyuta, que a menudo representan figuras en situaciones aparentemente imposibles, enigmáticas o inventadas, a veces parecen talladas en materia sólida, y son reconocibles al instante. Si bien no están inspiradas en personas reales, estas figuras son autorretratos y capturan las ambigüedades del estado psicológico de los sujetos. Expresivas, grotescas, descomunales, carnosas y, sin embargo, extrañamente vulnerables, se mueven a la deriva en entornos sombríos, marcados por sombras y contrastes de luz, creando un puente entre la sensación de agitación interna y el caos externo. Su apariencia inflable es una forma de representar nuestra naturaleza precaria: para el artista, «a veces basta un pequeño pinchazo para destruir»».
La presentación de la Galería Woaw es casi tan enigmática como la obra de la artista:
«En la obra de Aks Misyuta, la puesta en escena sobre el fondo de las distancias es una referencia a la antigua tradición pictórica. Pintadas con prisa, son el reflejo del pasado en el espejo empañado de la época: los detalles han sido menos importantes en un mundo que ha ganado ritmo. A medio camino hacia la abstracción, siguen siendo narrativos. Aquí es donde la cultura pop, con sus motivos caricaturescos, convive con las alegorías del pasado, como los querubines rojos. Las imágenes metafóricas de nuestras interacciones y autoconocimiento difusos».
El siguiente comentario creo que aporta más para entender la obra de la artista. Ugo Scalia Art Advisory:
«La búsqueda de Misyuta por expresar esta forma de intimidad se ve reforzada por la presencia de algunos objetos recurrentes y llenos de significado simbólico, como relojes, flores o espejos. Los relojes sin marcadores horarios, por ejemplo, representan una especie de manifiesto feminista contra las expectativas patriarcales centradas en la racionalización del tiempo, a saber: la productividad… y la maternidad. «El tiempo avanza», nos recuerda Misyuta, es la frase más común dirigida a las mujeres de su país natal y de otros lugares, cuando llegan a la edad en que se espera que formen una familia. En sus pinturas, las figuras que llevan relojes son, por lo tanto, rebeldes silenciosas que celebran el llamado acto de «perder el tiempo». El título de su primera exposición en París (hasta el 6 de mayo de 2023), «Lazy Self Embrace», ilustra una vez más este pensamiento recurrente en la obra de la artista: robustas y frágiles a la vez, las figuras parecen reivindicar su derecho incondicional a holgazanear. El proceso creativo es otro rasgo distintivo de su obra: Aks Misyuta pinta mucho y con rapidez. La artista trabaja de forma espontánea, desde su propia intuición, y nunca realiza trabajos preliminares para sus pinturas».
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
migueldesnudo 