Bela Bacsi (Gyor, Hungría, 1950) es uno de los más destacados escultores mundiales que trabajan el mármol. Nacionalizado en los Estados Unidos, país en el que vive desde los seis años, compagina allí sus labores artísticas con las docentes. Sus esculturas tienen un elemento modernista, próximo al art deco, como podemos apreciar en las obras que les muestro:
Stanislav Ilyin (Kazan, Tartaristán, Rusia, 1972) es un artista formado en el Instituto de Arte Surikov de Moscú y que forma parte, desde 2010, de la Unión de Artistas de Moscú. Las escasas referencias sobre el artista y sus obras, se relacionan con una exposición celebrada en el año 2015 por la galería parisina I-Gallery (Instant). En la web de esta sala se comenta:
«Las pinturas de Stanislav Ilyin captan momentos efímeros que reflejan la mirada de una mujer, un desayuno al amanecer, un niño dormido frente al plato… Estas imágenes, a la vez instantáneas y congeladas, pasan a ser historia. Algunos de los bellos momentos que vivimos se evaporan, otros permanecen con nosotros toda la vida. El sentido del espíritu del entorno no permite que la idea transmitida por la imagen quede apelmazada. Flora, Grace, Eva son magníficas y reconocibles, como las mujeres que te rodean, son diosas. El pintor está monumentalizado por su formación y su carrera, mientras que sus obras reflejan pequeñas vidas que se hacen visibles gracias a la atenta lupa de nuestra memoria».
Barry Moser (Chattanooga, Tennessee, USA, 1940) se destaca como ilustrador y grabador, empleando frecuentemente la técnica del xilograbado. Moser ha sido alumno del escultor y grabador americano Leonard Baskin. Les muestro algunos de sus desnudos:
Albert Dubout(Marsella, Francia, 1905-1976) fue un dibujante, ilustrador, creador de cómics, pintor y escultor, que nos legó una extensa producción. Su dibujo, caricaturesco y satírico, tiene como eje central la sexualidad, pero domina en éste el humor sobre el erotismo.
De la artista Nathalie Bagarry (Francia, 1970?) – músico, cantante, fotógrafa y cineasta – sólo conozco los pocos datos personales que aporta en su página web. Centrándome en su trabajo fotográfico me han resultado muy destacables algunas obras que les reproduzco.
De una de sus series más destacadas, OMU, se ha comentado:
«En “OMU”, Nathalie Bagarry decidió enfrentarse a sí misma (y a nosotros) directamente a la intimidad masculina. Así, compone sistemáticamente 80 dípticos de “rostro-sexo”. El protocolo es casi inmutable. Al borrar la mirada de sus modelos, impone una relación con la carne sin recurrir a esta parte del alma que generalmente asociamos a los ojos y que sería el espejo. Entonces, ¿cómo podemos encontrar de nuevo esta humanidad? ¿Cómo podemos ver a estos hombres sin mirada? ¿Pueden la carne y el sexo masculino encarnar así el alma masculina?»
Esta obra, formalmente hablando, me recuerda a la de Juan Hidalgo.
Sobre su serie «El Ballet» podemos leer en su página web:
«No hay nada más bello que en el amor de almas gemelas, porque se podría decir que una es la otra y no podemos decir dónde empieza una y dónde termina la otra…» No sé si las almas gemelas existe y no me importa. Gracias a quien me dio los niños más bellos por haber aceptado posar. A veces tiene un vínculo inquebrantable entre dos personas. Es esta energía «íntima» y tan especial, nuestra, la que intenté capturar».
En estas otras obras parece imperar un elemento surrealista:
Carlo Saraceni (Venecia, Italia, 1579-1620) fue un un pintor barroco, uno de los primeros pintores italianos adscritos al tenebrismo o caravaggismo. Su obra se vió muy influida por la de Adam Elsheimer (paisajes amplios casi sin gente) y, en menor medida, por la de otro seguidor de Caravaggio: Orazio Gentileschi.
El término «fauvismo» o «fovismo» surgió, al igual que el de «impresionismo», como una designación cáustica y crítica ante la obra presentada por un grupo de artistas, en el Salón de otoño de 1905, en París. El crítico Louis Vauxelles escribió «Donatello parmi les fauves» (Donatelo entre las fieras). De ahí el nombre de fauvismo, que nunca fue aceptado por los componentes de este grupo. Un grupo muy heterogéneo que duró muy poco tiempo, entre 1905 (aunque fue gestándose desde unos años antes), fecha en la que se les etiquetó, y 1907, cuando los críticos consideraron extinto el grupo.
El padre del Movimiento, que supuso una transición entre el post-impresionismo y el expresionismo, fue Matisse. Este dirigió los tres principales círculos (véase «El fauvismo»- John Elderfield, Alianza, 1983):
Cuando Matisse y Derain decidieron, en 1907, seguir nuevos caminos, el grupo se disolvió. En cualquier caso, Matisse nunca estuvo involucrado un cien por ciento, y mantuvo siempre sus propios experimentos artísticos personales.
Albert Marquet
La danza – André Derain
Las estampas – Henri Manguin
El elemento central del fauvismo es el color.
«Autonomía del color, prácticamente nueva en el arte occidental, una preocupación por la naturalidad de la expresión que se plasmó en técnicas mixtas y dislocaciones formales, por mor de una sensibilidad personal, y una petulancia realmente juvenil que. en su búsqueda de lo vital descubrió la virtualidad de lo primitivo» (Elderfield, pag. 20)
La tentación o Adán y Eva – Émile-Othon Frietsz
Las dos modelos – Raoult Dufy
Georges. Bracque
Como resumen de las principales características estéticas del fauvismo, me gusta esta aseveración del «Dictionaire de l’art moderne et contemporain» (Editions Hazan, 2002) en referencia a este término:
«La construcción del espacio basada únicamente en el color, los fondos planos sin modelado ni claro-oscuro, la simplificación del dibujo en grandes círculos oscuros, la utilización de tonos – en los que dominan los rojos y los verdes – sin referencia ilusionista, es su lenguaje completamente nuevo, cuyo impacto va más allá de París, hasta la Brücke y Kandinsky«
La inclusión de Rouault dentro del movimiento fauvista parece ser objeto de polémica:
«…si el criterio básico para incluir un artista en el fauvismo es la liberación del color puro, Rouault está correctamente excluído de la mayoría de las historias del fauvismo. Por otra parte, no toda la pintura de color intenso que se hizo entre 1904 y 1907 es fauve». (Elderfield, pag. 18)
Georges Rouault
Voy a completar esta introducción al fauvismo presentando la obra de Maurice de Vlaminck (París, Francia, 1876-1958). No había sido mentado previamente en este blog porque no dispongo de muchos reproducciones de sus desnudos. Estos son los que he podido encontrar:
Hsu Tung Han (Taiwan, 1962) no es un escultor consagrado al desnudo. Abundan, sin embargo las creaciones que tienen por base el cuerpo humano con una curiosa pixelación de las figuras. En el blog «El Hurgador«, podemos leer:
«Piensa su obra como si fuera un puzzle, disponiendo cada pieza en bocetos preparatorios y modelos de arcilla. Utilizando cortes de madera encolados construye bloques en los cuales, de manera similar al puntillismo en la pintura, los pequeños componentes se convierten en una estructura mayor que ofrece al artista infinitas posibilidades».
Arturo Rivera (Ciudad de México, México, 1945-2020) fue uno de los artistas mexicanos más destacados del siglo XX. Su obra es oscura y anatómica. Un mundo dramático en el que el dolor y la muerte parecen omnipresentes. Evoca a artistas barrocos, pero también a los simbolistas. En la presentación de la colección del BBVA podemos leer:
«Hay en casi toda su obra una apelación, a veces demasiado explícita, a la violencia; imposible librarla de un cierto tono iconoclasta y provocador. Aunque ha declarado su admiración por Caravaggio (1571-1610), a quien considera el primer pintor realista de la historia, incluye en su lista de admiraciones a otros “realistas”, como Francisco de Zurbarán (1598-1664), Diego Velázquez (1599-1660) y Johannes Vermeer (1632-1675). Además, el toque moderno de su realismo podría tener que ver con el expresionismo de Francis Bacon (1909-1992) y con el temple desgarrante que caracterizó la segunda mitad del siglo XX y lo que llevamos del XXI».
Gahee Park (Seul, Corea del Sur, 1985) es una artista coreana que vive y trabaja en Montreal (Canadá). Su obra, muy colorista, tiene influencias múltiples y, entre ellas, quiero destacar la del Pop Art americano. Eric Troncy en Le Consortion publicó:
«A menudo se evoca la proximidad estilística de las obras de GaHee Park con el surrealismo y Henri Rousseau, pero como muchos artistas figurativos contemporáneos, ella combina varias influencias con tanta precisión como heterogéneas: se puede encontrar algo de Fernand Léger en el tratamiento del cabello de Park; un poco de Alex Katz con sus tintes planos muy ligeramente modelados; algo de la exposición y postura de los cuerpos de Pierre Molinier; elementos del cubismo en sus personajes de dos ojos y tres bocas, etc».
En la revista Metal, la propia artista nos comenta la temática de su obra:
«Me atrajo el arte como una forma de explorar temas prohibidos o tabú, como la sexualidad, la desnudez, imágenes grotescas o extrañas, etc. Todavía exploro algunas de esas áreas en mi trabajo, pero más que eso, todavía tiendo a ver el arte como un lugar para explorar ciertos temas que son difíciles de abordar en la vida diaria normal. Solía sentirme cohibido porque mi familia veía algunos de mis trabajos más sexualmente explícitos y evité mostrárselos por un tiempo. Pero eso en gran medida se ha desvanecido. Han visto mi trabajo ahora y más o menos lo aceptan como legítimo, aunque no lo comprendan del todo».
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
migueldesnudo 