Dorothea Maetzel-Johannsen (Lensahn Alemania, 1886-1930) fue una importante artista que se destacó a principios del siglo XX. Alumna de Lovin Corinth fue cofundadora, con su marido Emil Maetzel, del grupo de la Secesión de Hamburgo. En su entrada de Wikipedia se indica que esta pintora pertenece a la «Nueva Objetividad», un grupo que se oponía al expresionismo imperante alrededor de 1910. Pese a ello, muchas de las obras de esta artista me recuerdan enormemente a las formas (no a los colores) de Kirchner, el famoso expresionista. Recordemos asimismo que algunos artistas, como Max Beckmann, han sido encuadrados en ambos movimientos supuestamente antagónicos.
Kalin Kostov, alias Kalynsky (Bulgaria) es un fotógrafo y creador digital contemporáneo que tiene su base en Sofía. La falta de datos biográficos queda compensada por la ingente cantidad de obra de este artista. Mónica Alexándrova, con motivo de la exposición «Luz y plata» pone estas palabras en boca de Kalynsky:
«Empecé con una cámara pequeña –cuenta el fotógrafo– . Luego pasé a un modelo mejor y sentí que realmente me entusiasmaba la fotografía. Estaba interesado en el origen de la fotografía y empecé a retroceder en el tiempo, hacia la época de la fotografía en película y los distintos formatos de grabación en película hasta el procedimiento del colodión húmedo, que se remonta a los albores de la fotografía. Fue registrado oficialmente como método de toma de fotografías en 1851«.
Igualmente, Photo Cafe recoge igualmente estas declaraciones:
«Como cualquier principiante, pasé por todos los géneros, pero creo que un momento clave en mi elección fue la Bodygraphy plein air. Mi mayor reto fue relajarme y fotografiar un cuerpo desnudo, porque quería mostrar su belleza de una forma diferente, pero artística. Empecé a aprender a fotografiar en un estudio, aunque prefiero trabajar más con luz natural. Con un cuerpo desnudo, la comunicación entre el fotógrafo y la modelo es fundamental para crear química. El recuerdo del círculo me impulsó a empezar a fotografiar en película y a «ver» el mundo en blanco y negro. Así que, sin darme cuenta, decidí invertir en una cámara analógica. Por alguna razón, nunca me gustó hacer fotos en direcciones opuestas. Con 36 poses, estás limitado y tienes que pensar detenidamente la toma. Ahora fotografío en película con mucha intensidad, no solo por la emoción. Esto me disciplina. Quiero saber que si algo no sale bien, la culpa no es de la cámara, el monitor, el papel, la prensa ni nada, sino mía».
Soy consciente de que voy a mostrar una visión tremendamente parcial de la obra de la artista lusa Paula Figueroa Rego (Lisboa, Portugal, 1935-2022). Esto se debe a que Rego realizó pocos desnudos. Sin embargo, su pintura es tan importante que, aunque sea desde esta única óptica, merece la pena traerla aquí. Su labor profesional la ejerció siempre desde el Reino Unido, donde se formó huyendo de la dictadura de Salazar que existía en su país. Temática y formalmente, se mantuvo próxima al expresionismo, centrando su relato en la mujer y su situación social (violencia sobre la misma, autoritarismo, aborto, …) con referencias autobiográficas. Estuvo relacionada con Francis Bacon, Balthus y Lucien Freud. También se aprecian algunas cercanías con el pop y el cómic, como pueden apreciar en algunas de las imágenes que les muestro. En conjunto podemos hablar su pertenencia a la «Nueva Figuración» aunque ésta sea más un cajón de sastre de inclasificables que un movimiento artístico.
Arno Breker (Elberfeld, Renania Alemania, 1900-1991) fue un arquitecto y escultor, admirador de la cultura clásica greco-romana y de la obra escultórica de Miguel Angel. Su fama le llegó después de elaborar tres esculturas para los Juegos Olímpicos de Berlín de 1936 y, a partir de entonces sus encargos por parte del Tercer Reich fueron muy numerosos. Muchos de los mismos no sobrevivieron a la Segunda Guerra Mundial.
Su Ecce Homo parece posicionarlo en un estilo diferente:
Mostrar la obra de mujeres fotógrafas que ejercieron su trabajo a finales del siglo XIX y principios del XX no es tarea fácil. Si sumamos a ello la temática del desnudo, la situación se vuelve particularmente ardua. Por ello quiero mostrar la obra fotográfica que he podido conseguir de Alice Boughton (Brooklyn, Nueva York, USA, 1866-1943). La artista feminista militante, fue miembro del movimiento Photo-Secession de Alfred Stieglitz que abogaba por una consideración artística de la técnica fotográfica defendiendo fundamentalmente, el pictorialismo.
Giovanni Manfredini (Pavullo nel Frignano, Italia, 1963) es un artista conceptual italiano. Su obra se mantiene entre la figuración y la abstracción y tiene fuertes influencias de la iconografía cristiana. Una pintura muy oscura que evoca el «sfumato» italiano y el cloroscuro de los artistas barrocos como Caravaggio, pero también mantiene un cierto contacto con un arte mucho más actual: el arte povera. Sobre su original técnica, copio un fragmento de la Wikipedia italiana:
«Manfredini trabaja sobre una superficie preparada con reactivos compuestos por una pasta vinílica mezclada con polvo de concha molida y perlita. Este material líquido, utilizado como base y distribuido sobre la superficie de los paneles, se seca hasta convertirse en una sustancia porosa, similar a una piel, sobre la que el artista aplica capas de negro de humo utilizando un mechero Bunsen. Al presionar su cuerpo sobre la superficie, elimina parte de esa estratificación y la forma aparece mediante la sustracción de material. En intervenciones pictóricas posteriores, la huella es tratada y fijada, aumentando su definición y plasticidad, alejándola de su expresividad performativa original hasta transformarla en una presencia humana que emerge hacia el exterior».
Evelyne Axell(Namur, Bélgica, 1935-1972) es una de las figuras más destacadas del pop-art europeo. Sus imágenes, femeninas y con un alto grado de erotismo (homoeróticas), se realizan generalmente recortando las siluetas sobre plástico transparente que se adhieren a paneles de fondo. La aplicación del color es asimilable, a mi entender, a la usada generalmente en el pop-art americano. La artista nos dice:
“Los seres más extraordinarios que he conocido han sido casi todas mujeres; las encuentro exquisitas. Lo tienen todo a la vez: voluptuosidad, lujo, frivolidad, ternura, valentía, codicia y total altruismo. Es decir, la síntesis de las debilidades y fortalezas de la humanidad.”
Anton Hanak (Brno, Chequia, 1875-1934) es uno de los más destacados escultores austriacos. Su estilo puede considerarse expresionista con elementos simbolistas. Aunque su ciudad natal forma parte de Chequia, el artista estuvo ligado a Viena desde los 18 años de edad. Colaboró con Josef Hoffmann y Gustav Klimt, y fue miembro de la Secesión de Viena. Junto a las esculturas, que le han dado el merecido renombre, quiero mostrarles una serie de acuarelas – entre las que se encuentra un autorretrato – que me parecen bastante notables y son mucho menos conocidas:
Bo Bartlett (Columbus, Georgia, USA, 1955) es un pintor que sigue la tradición realista norteamericana de Thomas Eakins y Andrew Wyeth. Su obra muestra un carácter íntimo y familiar ocasionalmente melancólico. Junto a los artistas citados, muestra la influencias de artistas como Edward Hopper o Balthus.
Tracey Emin (Croydon, Reino Unido 1963) y Louise Bourgeois (París, Francia, 1911-2010) pese a su medio siglo de diferencia de edad mantuvieron una buena amistad. Bourgeois poco aficionada a colaboraciones accedió a mantener una con la artista británica, que se plasmó en una serie denominada «Do Not Abandon Me» (No me abandones). Realmente, la contribución de Tracey Emin me parece muy minoritaria pero la vinculación entre ambas artistas si me resulta relevante. A ese respecto en la presentación del proyecto por la galería Hauser & Wirth leemos:
«No me abandones» surgió de Bourgeois, quien comenzó sus obras pintando torsos masculinos y femeninos de perfil sobre papel, mezclando pigmentos de gouache rojo, azul y negro con agua para crear siluetas delicadas y fluidas. Bourgeois luego le pasó las imágenes a Emin, quien más tarde confesó: «Llevé las imágenes conmigo por todo el mundo, de Australia a Francia, pero tenía demasiado miedo de tocarlas». Emin superpuso fantasía a las formas de Bourgeois, dibujando figuras más pequeñas que interactuaban con los torsos como amantes liliputienses, representando los deseos y las ansiedades del cuerpo. En una, una mujer besa un falo erecto; en otra, una pequeña forma similar a un feto sobresale de un vientre hinchado. En muchas, la caligrafía de Emin inscribe las imágenes con una narrativa, plasmando en palabras las emociones expresadas en los vibrantes gouaches de Bourgeois».
También me resulta muy interesante el comentario de Ann Jones en «Image Object Test«, demasiado largo para poderlo citar aquí.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
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Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
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