Hermann Josef Runggaldier (Ortisei, Tirol del Sur, Italia, 1948) es un gran escultor cuyo trabajo se caracteriza por una gran estilización de las figuras humanas, muchas veces totémica, que a menudo representan un equilibrio precario entre la libertad física y el dolor espiritual. Se inspira en modelos clásicos griegos (kuros y kore) y busca capturar la esencia humana atemporal. Haciendo uso de materiales muy diversos, los personajes de Runggaldier parecen buscar una trascendencia, incluso en aquellas obras que califica como profanas.
Valère Bernard (Marsella, Francia, 1860-1936) fue un pintor, grabador, escultor y escritor francés que estudió en París con Alexandre Cabanel y Pierre Puvis de Chavannes. Su amigo de Alfons Mucha, uno de los artistas modernistas más destacados, influyó decisivamente en la obra gráfica de Bernard.
Marc Quinn (Londres, Reino Unido, 1964) es un artista visual – fundamentalmente escultor – de gran prestigio internacional. En sus comienzo perteneció a los Young British Artist y siempre, desde una óptica realista ha estado ligado a la representación del cuerpo humano y de la idea de su fragilidad, decadencia y muerte. Para ello ha utilizado, en su escultura, toda clase de materiales incluso los menos convencionales.
Una de sus series destacadas está protagonizada por hombres con discapacidades físicas. Un ejemplo destacado es la escultura de Alison Lapper, embarazada de ocho meses, de la que una enorme réplica sirvió como reclamo y emblema de los Juegos Paralímpicos de Londres:
Alison Lapper
Alison Lapper
Igualmente, las dos obras sobre el beso:
El beso
Otro beso
O estas otras obras:
Tom Yendell
El mundo de la transexualidad se ve representado por obras como éstas:
Creo que utilizó este mismo material escultórico para este retrato de Michael Jackson:
De su serie «Chemical Life Support» selecciones estas tres piezas:
Una imagen gigante de este niño se nos presenta permanentemente, en la Bahía de Singapur, con el título de «Planeta»:
Como ejemplo de su pintura, les muestro una obra perteneciente a su ciclo «El destino de la carne»:
El desnudo que les voy a mostrar no tiene, en general, mucho que ver con el desnudo fotográfico de estudio. David Hurn (Redhill, Surrey, Reino Unido, 1934) es un fotorreportero, un fotógrafo documentalista. No parece interesado tanto en el retrato o en la belleza de los cuerpos y su interacción con la luz, como en describir una situación social. Por ello debemos analizar sus obras en el contexto particular que pretende mostrarnos.
Así describió el ambiente de la Isla de Wight, en 1969, en la celebración del aniversario de su célebre festival:
En estas fotos aparece el fotógrafo británico Jean Straker, abanderado en la lucha contra la censura:
Noche de mujeres en el club nocturno Davids:
Uno de los primeros club de strip de Londres:
Noche de desnudos en un club de fotógrafos amateurs:
Si existe un artista emblemático que represente al pop-art europeo y, en particular al británico, ese es Richard Hamilton (Londres, Reino Unido 1922-2011). El Andy Warhol británico empezó como delineante y diseñador gráfico y luego, al igual que el artista americano, se planteó los retos que imponía la sociedad de consumo y la dicotomía existente entre un arte culto y otro dedicado a las masas. El arte pop rompe con la sacralización de la obra artística, con la que ya había roto el movimiento Dadá. Marcel Duchamp fue una de las influencias determinantes de Hamilton. Su ironía está muy presente en su collage «¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos?«, verdadera bandera del movimiento, que contiene todos los elementos básicos que caracterizan el pop-art americano. Temáticamente la vemos a Duchamp en su «Desnudo bajando.»
La mayoría de sus obras centradas en el desnudo femenino corresponden a sus últimos años.
¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos?
Lotte van Raalte (Paises Bajos, 1989) es una artista visual que, desde una perspectiva feminista, reflexiona sobre la representación del desnudo femenino. En referencia a una de sus colecciones, publicadas como libro, la artista declara:
«Con mi fotografía, siempre busco momentos espontáneos. Requiere un interés genuino y cuidado capturar a las personas en su forma más auténtica y libre. BODY comenzó como una investigación sobre el cuerpo femenino. Cada vez que fotografiaba a alguien, me dejaba fascinada, curiosa e inspirada a la vez. Creo que mi fascinación por el cuerpo femenino proviene de diferentes ángulos: el hecho de que las mujeres sean sexualizadas de forma predominante y retratadas de forma poco realista en la industria de la moda, el cine y la música; el hecho de que el cuerpo femenino sea portador de nueva vida y el tremendo impacto que esto tiene; y, por último, pero no menos importante, el hecho de que yo misma soy mujer».
Aleksei Shovkunenko (Kherson, Ucrania, 1884-1944) fue un artista y profesor soviético que vivió y trabajó en Kiev. Artista reputado y miembro de la Academia de Arte de la URSS, pintó numerosos paisajes y retratos, aunque sus desnudos son escasos y difíciles de encontrar en la web.
Jake Chapman (Cheltenham, Reino Unido, 1966) y Dinos Chapman (Londres, Reino Unido, 1962) son dos hermanos que trabajan conjuntamente (v. nota al final de la página) y nos muestran una obra incómoda y perturbadora, de un falso realismo, con elementos surrealistas, y siempre grotesco. Sus trabajos son mayoritariamente escultóricos y se les puede relacionar, desde el punto de vista conceptual, tanto con artistas contemporáneos, como Tracey Emin o Damien Hirst, como con artistas clásicos: El Bosco o Goya. Relacionado con este último la página de Wikipedia en español consagrada a los Chapman, hace un ácido – y en mi opinión injustificado por su parcialidad – comentario:
«Su celebridad se basa fundamentalmente en ganar popularidad a través de la polémica, alentada con acciones de apropiacionismo y crímenes contra la humanidad solo para llamar la atención como el notable hecho de comprar una edición de «Los desastres de la guerra» de Goya y destrozarla pintando narices de payaso a las figuras del maestro aragonés, demostrando que para ellos es más importante el hacerse populares que el arte en general»
Supongo que este comentario se refiere a obras como estas:
O, relacionado con esta versión 3D correspondiente a la primera de las obras citadas:
Pero los artistas nos presentan también otras cosas. A ustedes les corresponde la valoración.
NOTA: Desde el año 2022 ambos artistas mantienen una línea profesional independiente. Ya no encontramos la página oficial que cita Wikipedia y, por ello, los hipervínculos asociados a los nombres de estos se relacionan con su nueva trayectoria por separado.
Bill Henson (Melburne, Australia, 1955) es un afamado fotógrafo creador de un mundo oscuro y algo inquietante, con influencias del barroco de Caravaggio pero con escasas y puntuales iluminaciones. El Dr. Marcus Bunyan en Art Blart comenta:
«Los cuerpos vulnerables de Henson siempre han estado marcados, magullados y sujetos a la angustia, emergiendo a la luz fragmentados, inseguros en su relación con la vida, el espíritu y la mortalidad. Sus sujetos adolescentes desnudos ocupan espacios intersticiales: la brecha entre espacios estructurados, entre la infancia y la edad adulta; espacios fluidos de aventura, exploración y transitoriedad problemática. Con esta metáfora, las fotografías invitan al espectador a examinar su propia identidad social, pues esta nunca es fija ni estable, siempre está en constante cambio; nosotros, los espectadores, tenemos una relación íntima con este período de nuestra vida, no como un recuerdo lejano, sino con una sensación de asombro y aprecio».
Léon Ernest Drivier (Grenoble, Francia, 1878-1951) fue un artista, fundamentalmente escultor, que trabajó en el estudio de Auguste Rodin. Se producción se mueve entre el neo-romanticismo y el neo-clasicismo de Charles Despiau.
Algunas esculturas monumentales de este artista las podemos ver en el Trocadero de París:
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566