Willi Sitte (Kratzau, Chequia, 1921-2013) fue un artista germánico que sirvió, durante la segunda Guerra Mundial, en la Wehrmacht de Hitler, desertando luego para unirse a los partisanos italianos. Volvió a la República Democrática Alemana en 1947 como miembro del Partido Comunista, y su obra artística puede enclavarse en el denominado Realismo Socialista. Durante mucho tiempo fue el presidente de la Asociación de Artistas Visuales de Alemania del Este. Su vinculación con la propaganda del régimen le mantuvo algo apartado del interés público, aunque su imagen se haya ido rehabilitando en los últimos tiempos.
István Csók (Sáregres, Hungría, 1865-1961) fue una de las figuras más destacadas del arte húngaro moderno. Su pintura se forjó en la Escuela de Dibujo de Budapest, en Múnich y París y fue evolucionando desde el realismo hacia un post-impresionismo muy personal. En ella nos muestras escenas coloristas de la vida cotidiana en un pueblo de Transdanubia, paisajes, retratos y desnudos. Con su obra más famosa «Rincón de un estudio» (el clásico pintor con modelo), inicio la muestra de algunas de sus producciones.
En su página web, Jessica Evrard (Francia, 1981) se define como «fotógrafa de matrimonio-familia-retratos» Por ello me sorprendieron tanto sus desnudos: una amplia colección de autorretratos agrupados bajo el epígrafe de «autorretratos de la melancolía» realizados a partir de 1916. Sobre la serie, Evrard comenta:
«Mis fotografías abrazan los sufrimientos, abrazan las esperanzas perdidas. Mis heridas hacen cuerpo con las penas que sufren. Intento tocar con el dedo lo que puede ser la tristeza. Intento comprender lo que nos atraviesa. Mis ojos intentan perforar lo visible para discernir lo que se oculta en sus pliegues: los duelos, las rupturas, las decepciones silenciadas, las esperanzas no expresadas. Reconstruyo una anatomía de la melancolía»
Panel izquierdo del Tríptico del Juicio Final – El Bosco
Continuando con nuestra narrativa, que habíamos dejado aparcada a finales del siglo XIV, vamos a fijar nuestra atención en el siglo XV. Al hablar del arte de este siglo podría parecer que se nos va a plantear un cambio en los patrones socioculturales, ya que lo consideramos como el principio del Renacimiento. Las cosas no son así. Ciertamente, el siglo XV es un periodo clave para el arte, el denominado Quattrocento. Los descubrimientos arqueológicos habidos en Italia generaron un fuerte interés por la antigüedad clásica greco-romana, lo que afectará especialmente a dos aspectos artísticos clave: la importancia de la figura humana y la ruptura de la planaridad pictórica con la incorporación de la perspectiva. El Quattrocento se desarrolló en Florencia, dominada por las aristocráticas familias de los Medici y los Sforza. A la muerte de Lorenzo de Medici el poder de Savonarola logra convertir a Florencia es una especie de ciudad-estado teocrática. De este modo, el desnudo artístico se va desarrollando más dentro de un contenido entorno religioso, que con el carácter lúdico con el que intentará representar, un siglo más tarde, los temas mitológicos. Claro está que estamos hablando sólo de Florencia o, como mucho, de Italia. Al norte, en el arte flamenco, sigue imperando el gótico tardío o gótico internacional. Pero la sociedad está cambiando. Existe una secularización creciente fruto del conflicto existente entre la iglesia romana y la sociedad civil, que pronto conducirá al gran cisma protestante.
En este marco se nos plantea nuevamente la representación de las figuras míticas de Adán y Eva. Son notables los ejemplos de las obras flamencas en la que ya nos encontramos a grandes figuras del arte que nos resultan conocidas porque sus trabajos estarán firmados. Ya el arte no será anónimo.
La caída de Adán – Van der Goes
Jan Van Eyck
Hans Memling
Maestro Antonio
La imagen de Adán y Eva seguirá apareciendo en numerosos códices:
Misal de Salzburgo (siglo XV)
Árbol de la vida y árbol de la muerte – von Ulrich Schreier
Libro de las Horas de Leonor de la Vega
Jardín de Adán y Eva (Libro de Horas de Jean Duke de Berry)
Miniatura de la Creación – Antifonario anónimo siglo XV
Con respecto a la pintura italiana de este siglo, sólo he podido encontrar pocas referencias:
Expulsión de Adán y Eva del Paraíso Terrenal – Masaccio.
Edward Cucuel (San Francisco, California, USA, 1875-1954) fue un artista estadounidense que vivió casi toda su vida en Alemania hasta que se vió forzado a salir de ésta a principios de la Segunda Guerra Mundial. Pese a ello, también vivió en París, donde frecuentó la «Académie Julian» y, posteriormente, fue alumno de Jean Léon Gérôme en la «Académie de Beaux-Arts». También viajó por varios países asiáticos. Expuso en el Salón de Otoño y fue miembro de la Secesión de Munich. Su obra es fundamentalmente impresionista, en la que se destacan numerosos desnudos femeninos tanto en la intimidad como en exteriores asociados al baño.
John Macallan Swan (Brentford, Middlesex, Reino Unido, 1846-1910), pintor y escultor, fue un artista que gozó de una gran reputación, especialmente por la representación de animales, en general felinos. Estos centraron su atención desde que era niño y acabó estableciendo de su estudio en las proximidades del zoo de Londres. Se comenta que pudo estar influenciado por la obra del escultor Antoine-Louis Barye, especialista en la representación de animales. Independientemente de ese hecho, Swan tuvo una formación clásica de la mano de Jean-Léon Gérôme y de Emmanuel Frémiet, y fue un artista que dominó tanto el óleo como la acuarela legándonos algunos desnudos muy interesantes.
Ofer Lellouche (Túnez, 1947) es un pintor, escultor y grabador israelí, que vive y trabaja entre Tel Avid y París, que centra su atención en la figura humana, generalmente desnuda. El Museo Albertina de Viena comenta sobre la obra de este artista:
… «se caracteriza por una fijación en la forma humana —completamente desnuda—, en la cabeza y el rostro, que la hace similar a la de Alberto Giacometti o a los autorretratos de Jim Dine. Frente a nosotros, sus figuras son mudas. A pesar de su pasividad, por su sola presencia, estos cuerpos nos confrontan con la cuestión del ser a través de su impactante poder y de su insuperable intensidad».
Aunque el artista se inició en el mundo del videoarte, pronto se movió hacia la pintura y durante bastante tiempo centró la misma en su propia imagen. Los autorretratos de esta época son tan abundantes que creo que merecen una entrada específica de este blog para poder mostrarlos. Lellouche comenta:
«»El papel está a mi derecha, el espejo a mi izquierda. Yo soy el pintor y yo soy el modelo. Si el pintor quiere cambiar, el espejo y el papel son simétricos. Empecé a pintar directamente sobre el espejo, utilizando un espejo transparente y una cámara de vídeo». Cuando algo se coloca en el papel, el modelo cambia su pose en el espejo. A menudo, el modelo anticipa la voluntad del pintor. La forma en que me coloco en el espejo es tan creativa como la forma en que dibujo en el papel. Un autorretrato es siempre una actuación».
Esta metodología de trabajo se ve ampliamente expuesta en el video «Ofer Lellouche Self Portrait on a Transparent Mirror» que se muestra en la plataforma Vimeo.
James Jacques-Joseph Tissot (Nantes, Francia, 1836-1902) fue un pintor y grabador francés, discípulo de Hippolyte Flandrin. Las pinturas de su primera etapa son óleos que se centran en mujeres encantadoras con un estilo muy realista pero, muchas veces, influido por un orientalismo que se denominó japonismo. Por desgracia, sólo conozco un desnudo de esta época: «La japonesa en el baño»
La japonesa en el baño
En 1869 empezó a producir caricaturas para el periódico Vanity Fair, pero la mayoría de su producción, hasta su muerte, fueron obras de carácter religioso. Acuarelas y dibujos que muestran escenas bíblicas. En los desnudos existen muchas representaciones de Adán y Eva.
Alexander Sviridov (Perm, Rusia, 1969) es un pintor, artista digital y fotógrafo, formado inicialmente en su Rusia natal pero que luego vivió ocho años en Israel y se trasladó en el año 2000 a Canadá, donde vive y trabaja desde entonces. Sviridov nos comenta:
«Siempre he sido un admirador de los maestros clásicos de la pintura y tengo un gran interés por el surrealismo. Estoy influenciado por mis artistas favoritos, como Rembrandt, Vermeer y Dalí, combinados con un poco de mi propio estilo personal, he llegado a mi propio estilo de fotografía. Muchas de mis fotos están editadas para que parezcan pinturas. Busco constantemente ideas nuevas y creativas para proyectarlas en mis obras de arte».
Les muestro algunos de sus trabajos, en los que se aprecia la huella surrealista y una cierta afición a lo macabro. También destacar su interés por el debate del arte como representación de la realidad, de la fotografía como forma de captar la realidad (o realidades), de la realidad de lo onírico.
Paweł Althamer (Varsovia, Polonia, 1967) es un destacado escultor, pero también un artista colaborativo, videoartista y performer. En sus trabajos la representación de la identidad juega un papel destacado, la interacción social frente a la soledad y existe incluso un cierto misticismo. Abundan los autorretratos. Discípulo de Grzegorz Kowalski en la Academia de Bellas Artes de Varsovia y cofundador del grupo Kowalnia («Forja»), que aglutinó a muchos jóvenes artistas polacos, su obra se forja con materiales muy diversos. Sobre la misma, la revista Culture.pl comenta:
«Las esculturas de Althamer enfatizan la naturaleza orgánica y física del cuerpo humano, junto con su impermanencia y la naturaleza temporal de la existencia del hombre. Su técnica contrarresta su búsqueda de formas alternativas de experimentar la realidad, descubriendo una «vida interior» y «estados alterados del ser» principalmente a través del aislamiento ascético, pero también con la ayuda de narcóticos o sustancias alucinógenas».
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
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