Ford Madox Brown (Calais, Francia, 1821-1893) fue un pintor británico, formado en la Academia de Bellas Artes de Amberes. Estuvo muy vinculado al grupo de los prerrafaelitas, con los que compartió su afición al mundo clásico y medieval, pero nunca llegó a formar parte del mismo. En su obra, de colores vivos y con un toque dramático, abundan los temas sociales. Sus desnudos son muy escasos y, casi siempre corresponden a dibujos clasicistas.
Muchos fotógrafos se han visto atraídos por los efectos luminosos generados por la difracción de la luz sobre un cuerpo sumergido en agua. Cuando nos referimos al desnudo, podemos recordar los magníficos trabajos del cubano Jacinto Ever Cano, de Ed Freeman o los retratos en la bañera de Don Herron, por ejemplo.En esta línea temática se encuentra una buena parte de la obra del fotógrafo contemporáneo Michael Seif (USA). Aquí les presento una muestra de la misma:
Dick (Robert) Beer (Londres, Reino Unido, 1893-1938) fue un pintor post impresionista sueco, aunque se obra no siempre se ajusta a esta etiqueta, y sus pinturas reflejan muchas veces la influencia de Cézanne o de los cubistas. En mi obra favorita de este pintor, «el boxeador», me parece apreciar influencias del expresionismo de Egon Schiele:
Incluso sólo tratando los desnudos, como es habitual, la obra de Scott G. Brooks (Flint, Michigan, USA) es tan amplia, que me parece adecuado dividirla en dos partes para apreciarla convenientemente. Sobre la pintura de este artista, dejo la palabra al mismo. La recorto convenientemente para no abusar de la cita, que aconsejo leer en su totalidad (Escapeintolife):
«Mi obra, al igual que el mundo y las personas que lo habitan, es multifacética. Me atraen las narrativas crudas e incómodas de las que no se habla ni son socialmente aceptables. Dramas sociales, políticos y psicológicos se desarrollan en lienzo o papel, y en el proceso aprendo más sobre mí misma y busco una perspectiva de lo que motiva a quienes me rodean.
Existe la faceta voyeurista. Me entrometo e invito al espectador a entrometerse también. Miro tras puertas cerradas, en las vidas ocultas y los momentos privados de mis sujetos…
El humor es importante y se utiliza tanto como un medio para un fin como un fin en sí mismo. Suaviza el golpe de las circunstancias trágicas o crea una sensación de ironía. El humor atrae a la gente, una cualidad entrañable en circunstancias que de otro modo serían incómodas…
Mi obra es figurativa. Es accesible y facilita la comunicación…
La abstracción me permite acercarme y crear mi propia realidad… Las distorsiones que aplico a las figuras son reconocibles, pero más familiares en un contexto diferente».
En una entrevista diferente (para la BeintArt Gallery), nos comenta:
«La mala interpretación es mi mayor problema. En mis intentos por ser sutil e inteligente, el mensaje puede confundirse o perderse en algunos casos, dejando al espectador simplemente confundido. En general, no tengo ningún problema con eso y realmente disfruto de escuchar cómo otras personas interpretan mi trabajo. Las historias que a mí me parecen obvias a veces se pierden para el espectador. A otros se les ocurren historias realmente extravagantes y locas que nunca se me han pasado por la cabeza. Otros espectadores asumen que las historias se refieren a mí personalmente».
Antonio Tempesta (Florencia, Italia, 1555-1630) fue un pintor y, especialmente, un destacado grabador italiano. Su obra se inscribe entre un manierismo tardío y un barroco incipiente que toma de Rubens, uno de sus alumnos más destacados. El Museo del Prado almacena una buena colección de grabados de este artista.
Como pone de manifiesto es su web personal, Mark M. Mellon (Pensilvania, USA)
«… es un artista autodidacta. Al optar por no asistir a la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, emprendió su propio viaje por Europa en busca de su propia identidad y verdades en la vida. Durante los últimos 16 años continuó estudiando historia del arte junto con psicología, mitología y religiones por su cuenta y entre los artesanos y las personas con las que se cruzó en su camino».
Pintor, escultor, fotógrafo y editor, sus trabajos forman parte de colecciones privadas, corporativas y estatales.
Aris Kalaizis (Leipzig, Alemania, 1966) es un artista alemán figurativo perteneciente a la Nueva Escuela de Leipzig. Después de formarse en impresión y fotografía, fue alumno de pintura de Arno Rink y de Neo Rauch en la Academia de Artes Visuales de Leipzig. Su renombre internacional se ha visto incrementado tras su participación en la 12ª Muestra de Arquitectura de Venecia y de la 4ª trienal en Guangzhou (China). En concreto ha tenido un fuerte impacto su obra sobre «El Martirio de San Bartolomé» para la catedral de Frankfurt. El artista nos indica, en una entrevista con Erhard Metz, su deseo de actualizar la figura de este santo de acuerdo a los nuevos tiempo y la nueva iglesia, manteniendo estilísticamente su admiración por el barroco español, en general, y por Ribera, en particular.
El martirio de San Bartolomé o el doble martirio
Su amigo y modelo de S. Bartolomé, Joe Steffen Thier , ante la obra inconclusa.
La obra de este artista se mueve entre el realismo y el surrealismo, habiéndose propuesto para la misma el término de «sotorrealismo«, para reflejar una realidad que subyace oculta bajo el realismo y que puede integrar misterio, magia, armonía, o un abismo insondable.
Una mayor referencia al cuerpo desnudo, lo encontramos en las siguientes obras:
No quiero entrar el el infructuoso discurso de qué es o deja de ser, arte. Con frecuencia se considera éste como el resultado de una actividad dirigida a una élite. Algo escaso y oscuro que referencia, en muchos casos, a mundos mitológicos y/o desconocidos o a complejas experiencias vitales. Siempre muy serio. Hay excepciones, claro está. El movimiento naif dio a sus obras un aparente aspecto ingenuo, asociado a un supuesto primitivismo o mundo infantil. Pero no nos engañemos, en el fondo, su artista más destacado, Henri Rousseau, mostraba muy poca alegría en sus cuadros. Todo esto viene a cuento porque acabo de conocer una obra artística que me ha llamado la atención como aficionado al arte y como nudo-naturista. La obra de Peter Adderley (Staffordshire, Reino Unido, 1965) nos muestra, con gran simplicidad de trazos e intenso colorido, un mundo humano y optimista. Hay una serie dedicada a playas nudistas que parece referir a una obra base:
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de la que se desgajan pequeñas escenas con vida propia. Sus personajes desnudos, aunque casi siempre con sombrero, revelan un mundo naturista idílico, con grandes toques de humor. Así vemos, por ejemplo, a unos paseantes de perros que se saludan cortésmente, ellos completamente desnudos y sus animales tremendamente vestidos, o el motorista muy abrigado con su bufanda. Les aconsejo también que presten atención a los carteles indicadores.
Al decir en el título de que se trata de un nudismo políticamente correcto hago referencia a que los hombres no enseñan nunca el pene, un elemento de la anatomía masculina que resulta un tabú sociocultural.
Aparentemente, estas obras no forman parte de la composición citada, aunque tienen la mima temática:
PD: Después de publicar un enlace a esta entrada, la red Bluesky la etiqueta de «contenido adulto». ¡Qué obsesión!
Francis H. Zimbeaux, conocido como Zim (París, Francia, 1913-2006) es un artista americano cuya familia, de origen francés, se trasladó a los Estados Unidos cuando él contaba con dos años de edad. Estudió en la Art Barn School y luego en la Universidad de Utah y fue una figura destacada de esta localidad durante 60 años, hasta su muerte. En su obra se destacan los paisajes en los que eventualmente se integran figuras mitológicas como las ninfas o Pan. Mezcla técnicas de dibujo y pintura sobre el papel, usa colores suaves, y realiza una cierta aproximación hacia las formas abstractas. Un buen análisis de su vida y obra lo podemos obtener de 15Bytes, la revista de arte de la Universidad de Utah.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
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