Francis Meadow Sutcliffe (Headingley, Reino Unido, 1853-1941) fue uno de los grandes pioneros de la fotografía distinguiéndose por mostrar escenas del puerto de Whitby. Seguidor de Peter Henry Emerson y de su Fotografía Naturalista, fue un claro representante de la corriente pictorialista que intentó elevar la fotografía a la categoría de arte. Su obra tuvo una buena acogida aunque un grupo de sus imágenes que representan cuerpos infantiles o juveniles desnudos fueron objetos de polémica por parte de la iglesia. Sutcliffe fue miembro de la Royal Photographic Society.
Denis Sarazhin (Nikopol, Ucrania, 1982) es un pintor ucraniano que reside y trabaja en Nueva York. Un extraordinario colorista cuyas obras muestran fuerza y una gran fantasía. La figura humana es el tema fundamental de su creación reciente, en constante evolución.
Giuseppe Maria Longhi (Monza, Italia, 1766-1831) fue un artista italiano de estilo neoclásico. Aunque fue pintor, su verdadera especialidad fue el grabado que aprendió de la mano de Giulio Traballesi y de Giocondo Albertolli. Con esa técnica realizó copias de los artistas renacentistas Miguel Angel, Leonardo y Rafael. Fue profesor de la Academia y dejó un número destacado de aventajados alumnos.
Carl Fredrik Hill (Lund, Suecia, 1849-1911) fue un artista sueco que se instaló, muy joven en París. Desde allí entró luego en contacto con el grupo de Barbizon donde se vió influido por Corot y su círculo y bajo la influencia del impresionismo pintó algunos paisajes. De vuelta a su país, y diagnosticado de esquizofrenia, su obra se volvió más oscura, visionaria y simbolista.
Charo Guijarro (Cuenca, España, 1973) es una artista que, en su fotografía, trata de profundizar en el mundo de la mujer. Ha llevado a cabo varias series de retratos, en blanco y negro, de los que cabe destacar: «Desnudarte», «Génesis» o «Mujer, la erótica de lo natural». En el magazine cultural Spoonful nos hace toda una declaración sobre Naturismo. Así comenta:
«Un cuerpo desnudo es como un mapa por descubrir, donde ir poniendo nombre a todo aquello que nos sucede, a lo que exploramos o a lo que sentimos incluso, pero también es tu propia bandera e identidad, es tu refugio pero a la vez que es tu contacto con el resto de seres… el mero hecho de desnudarse es desprenderse de algo, sea de manera física o emocional, de la protección, de prejuicios, de todo aquello que nos aleja de lo que somos en esencia. Desnudos, somos vulnerables pero también somos mas verdad. Siempre he pensado que desnudarse es la mayor expresión de humildad. Pero también hay un amor incondicional a la belleza que contiene el desnudo, es como contemplar un paisaje con una orografía diferente en cada uno».
Igualmente, en la misma entrevista podemos leer:
«Siento la enorme necesidad de contar como nos vemos nosotras mismas, creo que hay lagunas enormes en el arte en ese sentido, Existen miles de fotografías de mujeres, pero siempre desde el punto de vista masculino, las mujeres siempre han jugado el papel de musas pero no de la parte que está al otro lado, y teniendo en cuenta que en todas las disciplinas artísticas, incluída la fotografía se basan en una interpretación personal, el arte estaría interpretado por la mirada del género masculino. Por lo tanto no tenemos ejemplos donde mirarnos e identificarnos».
La obra de esta artista tampoco es ajena al color. Las siguientes obras forman parte de un taller impartido en el año 2021 y que, ocasionalmente, también podemos observar en blanco y negro:
Wilfrid Wood (Londres, Reino Unido, 1968) es un artista multidisciplinar, especializado en el retrato, que aborda fundamentalmente como ilustrador y escultor. Sus retratos representan frecuentemente a celebridades: políticos, artistas, deportistas y músicos, para los que utiliza arcilla polimérica y plastilina. Su técnica escultórica se describe en el blog de Jeremyriad:
«Wilfrid trabaja principalmente a mano, empleando solo ocasionalmente técnicas de fundición. Primero esboza todas sus ideas y las prueba en tres dimensiones con maquetas de plastilina. Los artículos terminados comienzan como una armadura de alambre envuelta en papel de aluminio, luego recubierta con arcilla polimérica y finalmente modelada, horneada, lijada, aerografiada y barnizada para lograr un acabado impecable».
Existe un elevado grado de humor e ironía en trabajos como «Coot». Al respecto, Wilfrid Wood comentó, en una entrevista publicada en Weareamplify:
¿Qué les dices a quienes etiquetan tu trabajo como «juguetes de diseño» en lugar de arte?
Bueno, preferiría que lo llamaran arte, pero es solo por esnobismo. En realidad, la clasificación depende de otros. Yo hago lo que puedo. Hay brillantes creadores de «juguetes de diseño» y pésimos «artistas». Y viceversa. Cuando hago trabajos comerciales, a menudo me contratan como ilustrador 3D. Suelo decir que hago esculturas. Decir «soy escultor» suena demasiado grandilocuente. «Figuras» suena a Royal Doulton. «Juguetes» suena a Playmobil.
Pescador y amigo
Justin Bieber
Wilfrid y Theo
Theo en el baño
El culo de Theo
Theo al revés
Theo y la sillaTheo y la sillaTheo y la sillaTheo y la silla
Takeshirō Kanokogi (Prefectura de Okayama, Japón, 1874-1941) fue un pintor japonés que realizó sus estudios iniciales con pintores como Matsubata Sangoro o Koyama Shōtarō. Este último maestro fue uno de los primeros en practicar el estilo occidentalista conocido como yoga, al que se unió Kanokogi, especialmente después de su estancia en la Académie Julian de París.
Helgi Thorgils Fridjonsson (Budardalur, Islandia, 1953) es un artista que ha desarrollado dibujos, pinturas, esculturas y artes gráficas en general. Vivió en su ciudad natal hasta los 15 años, que se trasladó a Reikiavik. Despues de un periodo formativo en los Países Bajos, volvió a su país al que ha representado en muchas muestras internacionales, como la Bienal de Venecia de 1990. Sobre su estilo leemos en Wikipedia:
«Las figuras más características de sus paisajes son centauros y ángeles. Helgi hace extensas referencias a leyendas e historias con tintes surrealistas, pero su obra nunca es formalmente surrealista. Gunnar B. Kvaran afirma en un libro sobre Helgi, publicado por el Museo de Arte de Reikiavik en 1989, que la idea y el tema siempre han desempeñado un papel igualmente importante en la materialización formal de sus inspiraciones.
Helgi afirma que trabaja con la persona solitaria en sus pinturas. Esto se aprecia, por ejemplo, en las personas y otras figuras que casi nunca se tocan, sin que sus miradas se crucen, de modo que las figuras parecen apenas conocerse. Refuerza este tema pintando tanto a mujeres como a hombres desnudos y sin apelar a la sexualidad. La soledad es absoluta».
La obra del artista Giulio Bargellini (Florencia, Italia, 1875-1936) se encuadra en ese estilo simbolista y prerrafaelista, neo-pompeyano, con influencias claras de Lawrence Alma-Tadema y, en menor medida, la de artistas de la Secesión de Viena de la órbita de Gustav Klimt. En AcquistoArte se comenta:
«La producción artística de Giulio Bargellini se caracteriza inicialmente por un enfoque detallado y de género en sus pinturas y bocetos sobre papel, para luego abrirse a un simbolismo más profundo, enriqueciendo sus obras con alegorías y conceptos más profundos. Se acerca por tanto al estilo secesionista, con una estética distintiva centrada en el énfasis de los colores y las formas».
La cerámica se ha considerado, con frecuencia, un arte menor, asociada a una artesanía decorativa que resultaba ajena al Arte, con mayúsculas. Algunos la tratan como una hermana menor de la escultura, más doméstica y nunca monumental. Muchos grandes artistas del siglo XX pusieron de manifiesto el error de esta asimilación. Se trata, sin embargo, de artistas cuya fama surge de otras actividades, fundamentalmente la pintura. Me ha sorprendido enormemente la cerámica del artista Åke Holm (Höganäs, Suecia, 1900-1980), y fundamentalmente sus terracotas. La producción de este artista solía inspirarse en temas. bíblicos y, en algunos momentos llegó a realizar obras escultóricas monumentales. Hoy sus trabajos se encuentran representados en el Museo nacional de Estocolmo y en otras grandes colecciones.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
migueldesnudo 