Benjamin Skinner (Zimbabue, 1983) es un fotógrafo zimbabuense que realiza, con un estilo muy peculiar, su actividad de Sudáfrica. En su web se comenta:
«Le fascina combinar lo opulento con lo grotesco. Contrasta lo refinado con lo depravado. Figuras desnudas, texturas ásperas, detalles finos, luz tenue y expresiones complejas caracterizan sus imágenes. A menudo utiliza decorados elaborados y numerosas maquetas. Su habilidad en la construcción, el diseño de vestuario y la producción le permite involucrarse en la producción de las imágenes, que a menudo imprime en grandes dimensiones, de más de tres metros».
Siempre parece haber un elemento intimidatorio en su obra que pasa del blanco a un dramático oscuro. Artsper indica:
«Benjamin Skinner nos lleva a un universo ambiguo que mezcla intimidad, deseo, poder y decadencia».
Nuri Iyem (Aksaray, Estambul, Turquía, 1915-2005) fue un pintor clave en el arte turco del siglo XX cuya obra se puede adscribir a un realismo social. Traduzco de la Wikipedia turca las siguientes consideraciones:
«En 1941, Avni Arbaş, junto con amigos que compartían su visión artística realista social, como Agop Arad, Turgut Atalay, Haşmet Akal, Kemal Sönmezler, Selim Turan, Fethi Karakaş, Ferruh Başağa y Mümtaz Yener, fundó el Grupo Yeniler (Grupo de Recién Llegados). El grupo celebró su primera exposición, con el tema «Estambul, la Ciudad Portuaria», en el edificio de la Dirección General de Prensa en Beyoğlu. También fundó la primera escuela de arte privada de Turquía con Fethi Karakaş y Ferruh Başağa en el ático del edificio de apartamentos S. Önay en Asmalımescit, Beyoğlu. Años después, fue testigo de la formación de un grupo llamado los Pintores del Ático, compuesto por estudiantes graduados de esta escuela.
Los rostros de las mujeres, que Ahmet Hamdi Tanpınar describió como «firmes como una estatua, elegantes como la luz verde de la luna y sencillos como antiguos frescos e iconos que transmiten la atmósfera del pasado», son producto de una época en la que la migración de los pueblos a las ciudades se intensificó y los derechos sociales de las mujeres se vieron desproporcionadamente restringidos. Con sus expresiones gráciles, tímidas, hermosas, retraídas y melancólicas, estos rostros son a la vez una imagen vívida de su hermana fallecida y un símbolo icónico atemporal, un ejemplo cristalizado del arte de Nuri İyem. En sus pinturas sobre la «migración», creadas en torno a la misma época y que abordan la realidad de Anatolia con una perspectiva nacionalista, también se simboliza a las mujeres trabajadoras que se ganan la vida con el campo».
Odilon Redon (Burdeos, Francia, 1840-1916) fue una de las figuras destacadas del simbolismo, con unas obras oscuras tanto desde el punto de vista cromático como por la naturaleza de sus significados. Partió del post-impresionismo y se fue acercando a lo que sería posteriormente el movimiento surrealista, describiendo mundos oníricos. En una segunda etapa incorporó ampliamente el color manteniendo el carácter misterioso de su obra y hace en ella un amplio uso de la técnica del pastel. Al respecto Graciela Bambalova comenta:
«Redon usó los llamados fijadores Pastel en grandes cantidades para acumular capas y capas, una sobre otra, a partir de una base de negros compuestos de carbón y lápiz».
Cam Attree (Brisbane, Australia), es uno de los más famosos exponentes de la fotografía de desnudo australiana. Su trabajo abarca cualquier ámbito del retrato y una gran labor como profesor y divulgador de este arte. Con un gran dominio de las luces nos lleva desde el realismo más objetivo hasta obras con composiciones casi abstractas.
Georg Tapper (Berlín, Alemania 1880-1957) fue uno de esos destacados artistas expresionistas cuyo arte fue denominado por los nazis como arte degenerado. Cofundador, con Emil Nolde y Max Pechtein de la Secesión de Berlín, de la que llegó a ser presidente. En su última etapa fue abandonando su producción artística en favor de la docencia.
Georges Dorignac (Burdeos, Francia, 1879-1925) fue un pintor y diseñador francés post-impresionista, a quien Rodin consideraba como un escultor del dibujo. Empezó su carrera como independiente y luego se unió al grupo de pintores españoles de Bilbao que trabajaban en París. Uno de ellos, el pintor español Darío Regoyos, tuvo una gran influencia en su trabajo. Maestro de las figuras negras trató generalmente temas familiares.
Paul Mpagi Sepuya (San Bernardino, California, USA, 1982) nos plantea un sus fotografías el problema de la identidad y de las masculinidades queer. Su arte muestra la influencia de Robert Mapplethorpe, pero el artista se ve íntimamente vinculado a su obra relacionándose casi siempre con su modelo. La cámara está generalmente presente y en muchas ocasiones apreciamos la escenografía propia del estudio fotográfico. Muchas fotos parecen estar tomadas frente a un espejo y, con todo ello, nos plantea el problema de la intimidad frente a la representación de la misma. El espectador es un voyeur de una escena concebida sólo para los participantes en la misma. En una entrevista para Crush Fanzine leemos:
«La desnudez masculina y la intimidad son un tema central en tu obra. ¿Puedes hablar sobre la importancia de revelar la intimidad, el tacto y la mirada interseccional del hombre gay en tu obra? La intimidad surge del hecho de que la obra se basa en vidas reales, amistades y relaciones. Me he resistido a la idea de seleccionar modelos. Es fundamental que existan relaciones antes y después de la fotografía, que, independientemente de cómo un sujeto entre en la obra, ya sea fragmentariamente o como retrato, exista un interés mutuo en que el proceso se concrete».
Darío Ortiz Robledo (Ibagué Colombia, 1968) es un artista neorrealista colombiano cuya obra se ha expuesto en todo el mundo y se encuentra presente en importantes museos y colecciones, especialmente sudamericanas. Los semidesnudos son más abundantes que sus desnudos en una obra colorista con abundantes referencias religiosas y mitológicas, así como referencias iconográficas (figuras y trajes) contemporáneas.
Bárbara Kuebel (Austria, 1969) es una grabadora contemporánea afincada en el Reino Unido. Su amplia producción de xilografías se aproximan al expresionismo abstracto manteniendo los elemenetos básicos de la figuración. En un interview para Rhodes, la artista responde a la pregunta sobre la inspiración de su obra:
«¿Cuál es tu inspiración detrás de las figuras que representas en tu obra?
Probablemente la búsqueda constante de la existencia. Siempre me sentí atraída por la obra figurativa desde un punto de vista más físico. Siempre he sido una persona muy deportista, y considero el deporte como un acto de liberación y de autoconciencia, como una forma de contemplar lo que está fuera del cuerpo, lo que está dentro, hasta qué punto se puede confiar en las propias capacidades y perspectivas, todo desde una perspectiva muy natural. Las figuras que represento son híbridas, experimentan elementos externos como la naturaleza, el entorno, el movimiento… Son criaturas superiores a las que no se puede culpar, preguntar ni esperar que den respuestas. Esto me da la oportunidad de redefinir la forma independientemente de un entorno determinado. Son figuras reales moldeadas por un entorno imaginario, no necesariamente humanas».
«Aunque los colores monocromáticos prácticamente sobresalen del papel, su objetivo nunca es desviar la atención de la monumentalidad de la imagen. Las criaturas en la obra de Kuebel se ven obligadas a conectarse entre sí, formando nudos y formas que parecen deformadas a primera vista. Liberándose de las técnicas convencionales de la xilografía, Barbara Kuebel enfatiza su resentimiento hacia las representaciones artísticas tradicionales. Las figuras son pioneras en la emancipación del arte tradicionalmente aceptado. Con la libertad de ser quien uno quiera, los cuerpos en las imágenes distan mucho del realismo. La visión contemporánea del realismo se cuestiona a medida que las figuras en el lienzo se transforman desde el momento en que nacen. Los cuerpos se entrelazan de forma única, reflejando la fantasía que el espectador crea conveniente».
Ponch Hawkes(Melburne, Victoria, Australia, 1946) es una fotógrafa de gran proyección cuya obra proyecta un amplio debate sobre la masculinidad o masculinidades, el cuerpo de la mujer, los roles de género o el mundo LGTBI+. Los trabajos que les muestro a continuación nos presentan, en un entorno sobrio y minimalista, a una mujer que ha pasado la menopausia y no se avergüenza de su cuerpo, alegre, viva, activa y polifacética.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
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