Bonaventura Genelli (Berlín, Alemania, 1798-1868) fue un pintor neoclásico italiano – la patria de sus padres – que se distinguió fundamentalmente por su labor como dibujante. Nos legó numerosos dibujos y algunos grabados en los que se aprecia su admiración por el mundo renacentista y, en particular, por Miguel Angel. Hace uso de los efectos de scorzo, tan apreciados por el artista florentino, y la anatomía de sus figuras es más creativa que realista. Sus pinturas son escasas.
Skip Arnold (Binghamton, Nueva York, USA, 1957) es un artista, afincado en Francia, que ha desarrollado, fundamentalmente, la performance y el videoarte. Según comenta la Brownstone Gallery:
Desafiando la relación voyeurista entre el objeto de arte y el espectador, Arnold utiliza su propio cuerpo para crear situaciones escénicas sorprendentes que a menudo exigen complicidad del público ante la incomodidad y el riesgo del artista. “Lo que es común a todo mi trabajo, afirma Arnold, es ‘Skip’: Skip es la obra de arte; el acto de hacer, mis acciones, mis elecciones”.
En Performance/Artist podemos leer:
Como artista de performance, Arnold subraya el sensacionalismo y el poder de impactar. Su cuerpo como arte, blande un enfoque metafórico disperso, cuestionando retóricamente la política de género, el masoquismo y el exhibicionismo.
Con un enfoque en sí mismo (o su cuerpo) como elemento central de su trabajo, las travesuras artísticas de Arnold son legendarias, lo que lo coloca en la misma liga que artistas como Chris Burden y Fluxus.
“No soy un artista de performance con maletas. Siempre quiero hacer algo que sea nuevo para el lugar, hago algo una vez y listo. Puede ser muy indulgente consigo mismo, aunque no se trata de hacer algo. Arnold confía en su manifiesto: “El énfasis está en el espacio y en cómo/qué hace o puede hacer mi cuerpo. El trabajo va desde lo extremadamente físico hasta lo extremadamente pasivo”.
Les muestro aquí imágenes de algunas de sus performances:
Fotografías:
El la página web del artista encontramos una gran cantidad de vídeos. Como muestra, los siguientes:
Johann Theodorus de Bry (Lieja, Bélgica, 1528-1598), orfebre, grabador, editor y cartógrafo, se caracterizó por una amplia obra grabada en la que mostró las tropelías – reales y ficticias – cometidas por los españoles y por la iglesia católica en América, contribuyendo en gran medida a la «leyenda negra» de España. La representación del cuerpo de los indígenas obedecía a una concepción ideológica, ya que según se nos comenta en Wikipedia:
«En sus múltiples ediciones dedicadas al nuevo mundo, trató de forma muy distinta a los amerindios en el entorno de las aspiraciones políticas de Inglaterra y sus aliados en la «causa» del «Nuevo Mundo» (los de la América del norte o costa atlántica del norte o de Virginia) y a los del ámbito de España, estos eran dibujados como cuasi demonios junto a los españoles, tal con uñas demoníacas, y que entre otros muchos rasgos de esta índole incluían el canibalismo habitual, cultural o costumbrista.
En contraste, los indígenas de «la Virginia» o del ámbito de «la Florida» se representaban en sus grabados con fisonomía y rasgos costumbristas marcadamente europeos, poblaciones indias muy ordenadas, al estilo geométrico u ortogonal europeo, y dibujaba a britanos con los típicos tatuajes amerindios de piel», …
Sandro Kopp (Heidelberg, Alemania, 1978) está considerado como un artista visual germano-neozelandés, pues en este último país estudió y desarrolló una buena parte de su obra. Actualmente trabaja en Escocia. Sus desnudos corresponden a pinturas al óleo de familiares y amigos, pero junto a esta labor trabaja también para el cine, como en la obra The French Dispatch (La Crónica Francesa) de Wes Anderson. De su labor en ésta comenta:
«En cuanto a las pinturas, consultamos innumerables referencias. Frank Auerbach, Willem de Kooning y Francis Bacon fueron particularmente destacados en nuestra investigación, pero teníamos muy claro que necesitábamos que las pinturas fueran idiosincrásicas y no queríamos que el arte se pareciera demasiado a la obra de ningún pintor vivo o muerto».
Ese elemento expresionista – sin alejarse del realismo – creo que impera en los retratos que les muestro:
Se conocen pocas obras de Rogier van der Weyden (Tournai, Bélgica, 1399 o 1400-1464) y, a la hora de comentar sus desnudos, me veo limitado a una única composición: «El Juicio Final». ¿Por qué entonces tratarlo aquí? Se trata solamente de una fijación personal. Su obra «El descendimiento», que se nos muestra en el Museo del Prado, resulta para mí verdaderamente fascinante. Color, composición, … todo me parece perfecto, y si tuviese que escoger una única obra de la ingente colección de esta pinacoteca, escogería ésta. El desnudo es prácticamente nulo, pues se destacan los extraordinarios ropajes de los distintos personajes. Sólo Cristo está casi desnudo, con el característico «paño de pureza».
Algo más desnudo, pues se juega con la transparencia este «perizonium», se nos presenta en la «Crucifixión»:
Así pues, voy a mostrar con detalle otra de sus extraordinarias creaciones: El Juicio Final, creada para el Hospicio de Beaune, localidad francesa en la que sigue conservándose. Nuevamente, el color es una de las características dominantes y se despliega ampliamente en los ropajes de todas las figuras del Reino de los Cielos. Los seres humanos, sujeto al juicio divino, están desnudos y ocupan la zona inferior del políptico. No existe ninguna diferenciación en el tratamiento del desnudo para aquellos que van al Cielo y para los que se condenarán al Infierno. La desnudez aquí es una muestra de igualdad, de imposibilidad de ocultación de sus personalidades, de transparencia ante Dios. Curiosamente, el Cristo que preside la obra va cubierto con un manto púrpura (mucho más sencillo que el del ángel que se encuentra a sus pies) y parece mostrar un cuerpo, por lo demás, desnudo.
Dada las dimensiones de la obra, les iré mostrando, para que pueda ser apreciada, ampliaciones de varias partes de la misma:
Posiblemente esta obra influyó en la creación, del mismo título de Hans Memling y es contemporánea de la obra homónima de Dirk Bouts (Haarlem, Países Bajos, 1420-1475) – uno de sus últimos trabajos que se conserva incompleto – de la que muestro la parte correspondiente al Infierno:
Aquí vemos algunas ampliaciones de esta última obra:
Simon Vouet (París, Francia, 1590-1649) fue un destacado pintor del barroco francés. Su obra, según comenta el Museo del Prado, tiene dos etapas muy diferenciadas: Hasta 1627, y después de viajar por Constantinopla y por varios lugares de Italia, predomina la influencia caravaggista. A partir de esa fecha, y establecido en Francia, domina el clasicismo. Vouet tuvo un gran prestigio y su influencia llegó, en España, hasta Goya.
Carl van Vechten (Cedar Rapids, Iowa, USA, 1880-1964) fue una destacada figura neoyorkina de la primera mitad del siglo XX. Musicólogo, escritor, editor y fotógrafo, tuvo una labor artística destacada en esta ciudad al actuar como enlace entre las comunidades artísticas blancas y afroamericanas, en el movimiento cultural conocido como Renacimiento de Harlem.
Maria Naidyonova (Kiev, Ucrania) es una artista plástica que vive y trabaja en Alemania. En este país exhibe frecuentemente sus obras, aunque también lo ha hecho en los Estados Unidos. El desnudo, tema central de sus óleos y acuarelas, es tratado con un particular estilo expresionista.
Benoît Lumeau d’Hauterives (Francia, 1967) parte de sus conocimientos y ejercicio como pintor-restaurados par ir dedicándose a una pintura más personal favorecido por su amplios conocimientos de dibujo y técnicas clásicas. En su página web leemos:
«Profundamente nutrido de los «Clásicos» que no duda en revisitar, los hechos sociales como la discriminación, la violencia familiar, la homosexualidad o las cuestiones de género, se establecen como puntos de partida que trata, a menudo revelando, sin sumergirse nunca en ningún tipo de proselitismo. Los cuerpos, la mayoría de las veces masculinos, tratados con economía de líneas y materiales tiene un alto grado de espontaneidad y parecen desaparecer detrás de una gruesa capa pictórica tratada con un cuchillo, similar a la corteza vegetal que fotografía a su antojo, como testigo de la dualidad. que opone hoy Naturaleza y Humanidad…. A menos que, por el contrario, reaparezcan como frescos olvidados tras los estragos del tiempo, para revelar la evidencia de Belleza y Espiritualidad en la compleja relación que mantienen el artista y su tema».
Me llamaron la atención sus re-interpretaciones de la Olimpia de Manet desde una perspectiva de género, algo similar a lo que ya había comentado hace poco respecto, a Mary Ellen Croteau:
Aquí les muestro otras obras:
Wilfried Fitzenreiter (Salza, Nordhausen, Alemania, 1932-2008) fue un destacado escultor cuya obra se encuentra bastante circunscrita a Alemania pero con un trabajo que forma parte de la identidad de algunas de sus ciudades. Este es el caso del conjunto escultórico denominado, en inglés, «Three Girls and a Boy» situada en el paseo Spree de Berlín:
Fitzrenreiter tabajó, a partir de 1975, en la Escuela Arte Weißensee de Berlín y obtuvo numerosas distinciones (Premio Will Lammert de la Academia de las Artes de Berlín en 1964, Premio Käthe Kollwitz de la Academia de las Artes en 1979, Premio Nacional de la RDA en 1981 y Premio Hilde Broër de la Sociedad Alemana de Medallas de Arte en el año 2007).
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
migueldesnudo 