Francisco Amighetti Ruiz (San José, Costa Rica, 1907-1998), conocido por amigos y discípulos como Don Paco, fue uno de los mejores xilógrafos sudamericanos del siglo XX. Formó parte del grupo de artistas «Nueva Sensibilidad» que intentaba avanzar hacia un nuevo arte basado en la tradición y adaptación de la cultura prehispánica, lo negro y lo latino. La mujer, la vida cotidiana, el campesino, constituyeron la temática de su obra. También fue un destacado pintor y muralista, siendo muy reconocido su mural «La agricultura», elaborada con la colaboración de Margarita Bertheau para la Casa Presidencial:
Marwane Pallas (Saint-Étienne, Francia, 1971) es uno de los creadores fotográficos cuya obra me desasosiega. Su fotografía, altamente elaborada, tiene fuertes componentes surrealistas. A menudo integra en el cuerpo elementos comestibles, frutas y verduras, cuyo objetivo incrementa su carácter perturbador y violento. Las figuras enmarcadas por el paisaje se ven apenas iluminadas con esos tonos pastel que me recuerdan, más moderados, a los empleados por Ouka Leele. La mayor parte de la obra de Marwane Pallas está formada por autorretratos, pero también utiliza otros modelos.
Hablo aquí de romanticismo en el sentido artístico del término, como en que nos evocan las pinturas de Caspar David Friedrich. La naturaleza no es tan sobrecogedora pero el hombre se presenta ante ella como observador y al mismo tiempo integrante de la misma. De Werner Bandi (Thun, Suiza, 1891-1964) no se sabe prácticamente nada. Su obra parece girar alrededor del álbum «Desnudos Suizos (1943-1952)».
George Segal (Nueva York, USA, 1924-2000) fue un pintor y escultor vinculado al Pop Art americano. Como escultor se distinguen sus obras blancas, realizadas en yeso y gasas (como las utilizadas para las escayolas), acompañadas en ocasiones con objetos ready-made, como marcos de puerta. En sus pinturas se aprecia fuertemente las características del Pop americano: dibujo sencillo, que delimita espacios cromáticos intensos, y planaridad.
Partimos de una dificultad, pues el término «modernismo» es uno de los más ambiguos cuando va referido al arte. Designa ocasionalmente cualquier tendencia vanguardista emplazada cronológicamente en el interregno de los siglos XIX y XX, pero también al estilo designado en Francia y Bélgica como «Art nouveau«, «Nieuwe Kunt» en los Paises Bajos, «Sezession» en Munich y Austria, «Jugendstil» en Alemania, «Modern Style» en Reino Unido y «Style Liberty» en Italia. Muchos nombres que ponen de manifiesto su extensión geográfica pero también pequeñas diferencias en sus formas de expresión. Pese a ello parece que la Historia del Arte pasa por este término «de puntillas», cuando se intenta referir al mundo de la pintura; no así al referirse a la arquitectura.
Las amigas – Klimt
El modernismo supone una ruptura frente al academicismo, historicismo y o eclectivismo. Tuvo como uno de sus precursores a la «hermandad prerrafaelita» y se caracteriza por una búsqueda de la belleza a cualquier precio, endiosamiento y narcisismo. Es un movimiento que presta gran importancia a la ornamentación y, en los años 20, deriva en el «art déco«, que no debemos confundir con éste.
La Tarde (Poema del mar) – Néstor de la Torre
En su libro «El Modernismo» (Alianza, 1982), Robert Schmutzler introduce así, muy literariamente, el movimiento:
«Se llama Art Nouveau o modernismo aquel estilo que se desarrolló alrededor de 1900 cuyo leimotiv era un largo y sensual movimiento. Sus ondulantes trazos curvos, que hacen pensar en las algas y las lianas, asemejándose también a la manchada piel de una pantera o al brusco movimiento de un golpe de látigo, encuentran en el juego suave y centelleante, ya moderado o furioso, su razón de ser»
Desnudo con sombrilla japonesa – Aimé Nicolas Morot
Ernst Liebermann
Las dos amigas – Tamara de Lempicka
Quiero insistir que el modernismo pretende destacar la afinidad y síntesis entre las artes y da una gran importancia a la música. Sin embargo, la escultura está virtualmente excluida del movimiento, y la pintura tiene un carácter secundario frente a la arquitectura o las artes decorativas.
Lo ornamental determina el estilo en su conjunto. Líneas ondulantes y curvas vertiginosas que muestran amplios espacios vacíos. Fondo y forma pueden intercambiarse en ocasiones e, igualmente, lo que está delante y detrás. Las figuras adquieren una sensación de bidimensionalidad y el cromatismo, como forma de representación espacial, queda reducido a algo secundario, Se destaca la influencia del japonismo en el modernismo temprano.
Otto Greiner
Koloman Moser
Más compleja es la relación entre modernismo y simbolismo, un movimiento diferente con el que convivió en el tiempo. La figura de William Blake tuvo una gran influencia en los albores del movimiento.
«Los ornamentos del modernismo no son solamente decorativos, sino también significativos; se encuentran en una extrecha relación con una forma sentido, con un símbolo» (Schmutzler)
Caligrafía y símbolo se unen: «El modernismo convirtió por primera vez el cartel en unidad de escritura e imagen o de escritura y ornamento» (Schmutzler).
Autorretrato semidesnudo – Richard Gerstl
El tratamiento del cuerpo humano, en este movimiento es poco favorable al desnudo. El aspecto decorativo se impone y las figuras se vuelven estilizadas poco antropomórficas mas o menos sumergidas en un inmenso tejido ornamental.
Aunque he comentado que el modernismo no incidió demasiado en el mundo de la pintura, hubo muchísimos pintores destacados. A la hora de mostrar ejemplos, debo indicar que 36 artistas citados en el blog están asimilados a este movimiento artístico o asumieron en algún momentos sus postulados básicos. A efectos ilustrativos he presentado en este artículo alguna de sus obras.
Ramón Casas
Robert Auer
Como elemento comparativo, la pintura de un simbolista:
Dolor. Ilustración para El Profeta – Kahlil Gibran
Narcis Virgiliu (Bucarest, Rumania, 1971) es un fotógrafo especializado en el desnudo que se introdujo en el mundo profesional en el año 2002. Trabajó para numerosas revistas y en sus producciones destacan las fotografías en blanco y negro, con un cuidado admirable de la iluminación. Abundan los desnudos parciales con elementos simbólicos y un cierto aire surrealista.
Si buscamos en la Wikipedia a Jonathan N. Katz (Nueva York, USA, 1938) nos encontramos a un historiador y escritor centrado en el mundo LGTBI, en la organización de la actividad sexual y en las identidades de género. Se destaca en este artículo su libro «La invención de la heterosexualidad». Sin embargo, Katz es también un gran artista que plasma estos temas en una pintura expresionista que me ha parecido muy interesante. En una entrevista para «The Gay & Lesbian Review Worldwide» Katz nos dice:
«Cuando comencé a escribir, vivía mi vida principalmente a través del intelecto, analizando y pensando en ideas y en la historia. Estaba aprendiendo sobre la vida a través de libros, artículos y manuscritos. Ahora me interesa experimentar el mundo emocionalmente, aprender interactuando con la gente. Mi obra de arte reciente refleja mi interés en sentir el mundo y tratar de expresar mis impresiones sensoriales de los cuerpos masculinos».
«Me parece importante trabajar contra las tendencias puritanas que quedan en la cultura estadounidense. Veo mis dibujos como una forma de afirmar mi sexualidad y nuestra sexualidad humana como algo que puede ser realmente encantador, inocente y misterioso».
«Disfruto mirando cuerpos masculinos desnudos, los encuentro sexualmente sugerentes y fascinantes, y disfruto tratando de resolver el problema creativo de capturar algo de esa sexualidad en papel. Miro a un modelo y trato de ver qué es único en su cuerpo particular o su personalidad o cómo irradia su sexualidad. Eso es parte de mi deseo en estos días de apreciar el mundo a través de los sentidos y no sólo a través del intelecto».
Paul-Émile Bécat (París, Francia, 1885-1960) fue un reconocido pintor francés que retrató a numerosos escritores de su época, exhibió en el Salón de París en 1913 y obtuvo el prestigioso Premio Roma en 1920. Su fama, sin embargo, la obtuvo como ilustrador y grabador, mediante la técnica de «punta seca», de una gran variedad de obra erótica.
Malthe Engelsted (Malta Odin, Zealand, Dinamarca, 1852-1930) fue un pintor danés que nos legó una obra de género serena y reflexiva. Algunos de sus desnudos infantiles, como su «Estudio de un joven desnudo», pueden considerarse una referencia incuestionable.
Hervé Szydlowski (París, Francia, 1962) centra su arte fotográfico en el desnudo humano. Retrata toda clase de personajes en las inmensas playas naturistas de Montalivet. Desnudo franco, natural y realista, que muestra tanto jóvenes como viejos, personas solitarias, parejas o familias. Muchas de sus imágenes nos recuerdan la obra de Sturges. Sobre este tema ha publicado dos libros: Montalivet, 1999-2011 (2012) y Montalibet (2015). Igualmente, creo que hay que destacar su libro «Vêtu du nu, 2000-2004» (2006) o «Soi» (2008), en este último caso actuó sólo como ilustrador.
Hervé Szydlowski nos presenta el cuerpo humano digno, objeto de todo el respeto que merece, como una obra magistral que cambia con el tiempo y provisto de una belleza intrínseca, sin consideraciones a una falsa idea estética o moral.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
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