Incluso sólo tratando los desnudos, como es habitual, la obra de Scott G. Brooks (Flint, Michigan, USA) es tan amplia, que me parece adecuado dividirla en dos partes para apreciarla convenientemente. Sobre la pintura de este artista, dejo la palabra al mismo. La recorto convenientemente para no abusar de la cita, que aconsejo leer en su totalidad (Escapeintolife):
«Mi obra, al igual que el mundo y las personas que lo habitan, es multifacética. Me atraen las narrativas crudas e incómodas de las que no se habla ni son socialmente aceptables. Dramas sociales, políticos y psicológicos se desarrollan en lienzo o papel, y en el proceso aprendo más sobre mí misma y busco una perspectiva de lo que motiva a quienes me rodean.
Existe la faceta voyeurista. Me entrometo e invito al espectador a entrometerse también. Miro tras puertas cerradas, en las vidas ocultas y los momentos privados de mis sujetos…
El humor es importante y se utiliza tanto como un medio para un fin como un fin en sí mismo. Suaviza el golpe de las circunstancias trágicas o crea una sensación de ironía. El humor atrae a la gente, una cualidad entrañable en circunstancias que de otro modo serían incómodas…
Mi obra es figurativa. Es accesible y facilita la comunicación…
La abstracción me permite acercarme y crear mi propia realidad… Las distorsiones que aplico a las figuras son reconocibles, pero más familiares en un contexto diferente».
En una entrevista diferente (para la BeintArt Gallery), nos comenta:
«La mala interpretación es mi mayor problema. En mis intentos por ser sutil e inteligente, el mensaje puede confundirse o perderse en algunos casos, dejando al espectador simplemente confundido. En general, no tengo ningún problema con eso y realmente disfruto de escuchar cómo otras personas interpretan mi trabajo. Las historias que a mí me parecen obvias a veces se pierden para el espectador. A otros se les ocurren historias realmente extravagantes y locas que nunca se me han pasado por la cabeza. Otros espectadores asumen que las historias se refieren a mí personalmente».
Antonio Tempesta (Florencia, Italia, 1555-1630) fue un pintor y, especialmente, un destacado grabador italiano. Su obra se inscribe entre un manierismo tardío y un barroco incipiente que toma de Rubens, uno de sus alumnos más destacados. El Museo del Prado almacena una buena colección de grabados de este artista.
Como pone de manifiesto es su web personal, Mark M. Mellon (Pensilvania, USA)
«… es un artista autodidacta. Al optar por no asistir a la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, emprendió su propio viaje por Europa en busca de su propia identidad y verdades en la vida. Durante los últimos 16 años continuó estudiando historia del arte junto con psicología, mitología y religiones por su cuenta y entre los artesanos y las personas con las que se cruzó en su camino».
Pintor, escultor, fotógrafo y editor, sus trabajos forman parte de colecciones privadas, corporativas y estatales.
Aris Kalaizis (Leipzig, Alemania, 1966) es un artista alemán figurativo perteneciente a la Nueva Escuela de Leipzig. Después de formarse en impresión y fotografía, fue alumno de pintura de Arno Rink y de Neo Rauch en la Academia de Artes Visuales de Leipzig. Su renombre internacional se ha visto incrementado tras su participación en la 12ª Muestra de Arquitectura de Venecia y de la 4ª trienal en Guangzhou (China). En concreto ha tenido un fuerte impacto su obra sobre «El Martirio de San Bartolomé» para la catedral de Frankfurt. El artista nos indica, en una entrevista con Erhard Metz, su deseo de actualizar la figura de este santo de acuerdo a los nuevos tiempo y la nueva iglesia, manteniendo estilísticamente su admiración por el barroco español, en general, y por Ribera, en particular.
El martirio de San Bartolomé o el doble martirio
Su amigo y modelo de S. Bartolomé, Joe Steffen Thier , ante la obra inconclusa.
La obra de este artista se mueve entre el realismo y el surrealismo, habiéndose propuesto para la misma el término de «sotorrealismo«, para reflejar una realidad que subyace oculta bajo el realismo y que puede integrar misterio, magia, armonía, o un abismo insondable.
Una mayor referencia al cuerpo desnudo, lo encontramos en las siguientes obras:
No quiero entrar el el infructuoso discurso de qué es o deja de ser, arte. Con frecuencia se considera éste como el resultado de una actividad dirigida a una élite. Algo escaso y oscuro que referencia, en muchos casos, a mundos mitológicos y/o desconocidos o a complejas experiencias vitales. Siempre muy serio. Hay excepciones, claro está. El movimiento naif dio a sus obras un aparente aspecto ingenuo, asociado a un supuesto primitivismo o mundo infantil. Pero no nos engañemos, en el fondo, su artista más destacado, Henri Rousseau, mostraba muy poca alegría en sus cuadros. Todo esto viene a cuento porque acabo de conocer una obra artística que me ha llamado la atención como aficionado al arte y como nudo-naturista. La obra de Peter Adderley (Staffordshire, Reino Unido, 1965) nos muestra, con gran simplicidad de trazos e intenso colorido, un mundo humano y optimista. Hay una serie dedicada a playas nudistas que parece referir a una obra base:
.
de la que se desgajan pequeñas escenas con vida propia. Sus personajes desnudos, aunque casi siempre con sombrero, revelan un mundo naturista idílico, con grandes toques de humor. Así vemos, por ejemplo, a unos paseantes de perros que se saludan cortésmente, ellos completamente desnudos y sus animales tremendamente vestidos, o el motorista muy abrigado con su bufanda. Les aconsejo también que presten atención a los carteles indicadores.
Al decir en el título de que se trata de un nudismo políticamente correcto hago referencia a que los hombres no enseñan nunca el pene, un elemento de la anatomía masculina que resulta un tabú sociocultural.
Aparentemente, estas obras no forman parte de la composición citada, aunque tienen la mima temática:
PD: Después de publicar un enlace a esta entrada, la red Bluesky la etiqueta de «contenido adulto». ¡Qué obsesión!
Francis H. Zimbeaux, conocido como Zim (París, Francia, 1913-2006) es un artista americano cuya familia, de origen francés, se trasladó a los Estados Unidos cuando él contaba con dos años de edad. Estudió en la Art Barn School y luego en la Universidad de Utah y fue una figura destacada de esta localidad durante 60 años, hasta su muerte. En su obra se destacan los paisajes en los que eventualmente se integran figuras mitológicas como las ninfas o Pan. Mezcla técnicas de dibujo y pintura sobre el papel, usa colores suaves, y realiza una cierta aproximación hacia las formas abstractas. Un buen análisis de su vida y obra lo podemos obtener de 15Bytes, la revista de arte de la Universidad de Utah.
Bartolomé Bermejo, como se conoce a Bartolomé de Cárdenas (Córdoba, España, 1440-1501) fue un pintor gótico español que desarrolló su labor en este país en tiempos de los Reyes Católicos. Se supone que su familia era de origen judío, aunque su identidad no está nada clara. Si sabemos que su mujer se vió envuelta en un proceso con la Inquisición. Dominó la técnica del óleo – lo que resultaba característico de los pintores de Flandres – lo que le permitió la creación de veladuras extraordinarias que podemos apreciar sobre sus imágenes de Cristo. Las distintas corrientes historiográficas tienen en cuenta que «las composiciones que usa Bermejo apenas beben directamente de las pinturas flamencas, pero sus tipos humanos y la manera de pintar los ropajes le aproximan mucho a Van der Weyden y a sus discípulos.»
Ethelred Jean Straker (Londres, Reino Unido, 1913-1984) trabajó como fotógrafo durante la Segunda Guerra Mundial, declarándose en ésta objetor de conciencia. Se destaca en el mismo una labor docente centrada en el Visual Art Club, que fundó en 1951. Pamela Green comenta sobre el mismo:
«En 1951, el fotógrafo Jean Straker convirtió su estudio en el número 12 de Soho Square en el Visual Arts Club. El objetivo era satisfacer las necesidades de los fotógrafos aficionados que tenían dificultades para conseguir modelos desnudas y que deseaban escapar del estigma de las sesiones secretas de desnudos detrás de las cortinas de los dormitorios cerradas. También permitió a Straker, a través de conferencias, demostraciones y la venta de su trabajo, transmitir sus ideas a otros. Para aquellos que simplemente querían observar y aprender, Straker acuñó el término «tasadores». Las clases de dibujo natural también eran un elemento básico del club y las esposas de los miembros automáticamente recibían membresía».
Jean Straker luchó activamente contra las leyes de censura promulgadas en el Reino Unido durante la década de los 60.
Me ha llamado mucho la atención la obra de Tyrus Clutter (Michigan, USA) por la dificultad de comprender el significado más profundo de su obra, inscrita completamente dentro del mundo religioso cristiano y con una imaginería de desnudo masculino. La obra de este artista se encuentra en numerosas colecciones públicas y privadas estadounidenses y europeas, incluyendo al Museum of Biblical Art. Sacred Art Pilgrim comenta, por ejemplo:
«En Las aflicciones de Job, Clutter pinta una imagen de la asediada figura bíblica en las páginas de una edición hebrea del siglo XIX del Libro de Job, donde el texto subyacente todavía es visible a través de la imagen de acuarela y caseína de la superficie».
Esta es la serie comentada:
La figura de Cristo se ve reflejada en obras como:
Pero esta visión, bastante tradicional, se ve bastante contestada con la siguiente «Pietà», completamente masculinizada:
Más llamativas me resultan sus «piezas de altar», que se configuran usualmente como un políptico. Aquí les muestro algunas:
Virgil Finlay (Rochester, Nueva York, USA, 1914-1971) fue uno e los principales ilustradores de esas revistas de fantasía, ciencia ficción y terror, de grandes tiradas, que se definieron generalmente como «pulp». Pese a ello, produjo obras destacadas – especialmente haciendo uso de un dibujo en blanco y negro con plumilla – que se vieron recompensadas por varias distinciones.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
migueldesnudo 