La obra de George Rouy (Sittingbourne, Reino Unido, 1994) nos presenta una nueva visión, fluida , del cuerpo humano. Imágenes que parecen, ocasionalmente, intentar salirse del lienzo. Parte de su producción recuerda a Tarsila do Amaral, pero en otras va derivando hacia la abstracción, confundiéndose el sexo de los cuerpos y difuminándose las formas hasta no poder saber si sus figuras se muestran desnudas o vestidas.
Karl-Heinz Richter (Alemania, 1946) es un artista con una gran producción de cerámicas y litografías. Casi no dispongo de información personal de este artista, aunque las imágenes sobre su obra son abundantes. En ellas prima la figura femenina con un tratamiento volumétrico que me recuerda a Fernando Botero pero con formas menos definidas, ocasionalmene generadas sólo por los toques de pintura.
Bony Ramírez (Tenares, República Dominicana, 1996) es un artista visual, autodidacta, que lleva a cabo su actividad entre Nueva Jersey y Nueva York (USA). Sus figuras, de intenso colorido, muestran a menudo una transcripción de la historia del arte europea al mundo del Caribe y se pueden inscribir dentro del Realismo Mágico o Fantástico.
En una entrevista para el magazine Les Nouveaux Riches, el artista comenta:
«Para mí, un tema nace de una idea. Se toma una idea simple y se desarrolla. Por ejemplo, el tema de la obra en la que estoy trabajando actualmente es la cultura caribeña. Así que busco todos los aspectos que la hacen única. Normalmente, hay que elegir un tema que te guste y que disfrutes, así es como elijo uno: ¡cosas de las que me gusta hablar!»
En Juxtapox comenta, igualmente:
«La naturaleza de mi obra, al observar las figuras, puede ser tan tierna y a veces simple que me gusta romper con eso creando composiciones más serias, especialmente cuando pinto a los niños. También me gusta ir más allá de esos límites y no censurarme de esa manera. A veces puede ser un poco complicado. Estoy muy influenciado por el Renacimiento, así como por las obras de los siglos XVIII y XIX. Nuestra idea de la muerte como sociedad, por supuesto, ha cambiado desde entonces. Si nos parece bien que estos pintores clásicos lo hagan, ¿por qué no puedo hacerlo yo también? Muchas de esas pinturas más sangrientas o composiciones más intensas surgen de intentar expresar esos sentimientos. Quiero que sean tan, entre comillas, tan despiadadas como parecen. También hay un contexto histórico en la obra con el colonialismo. A veces, pienso que no quiero, ya sabes, hacerlo menos de lo que fue. No quiero edulcorarlo de ninguna manera. Quiero ofrecérselo al espectador tal como es».
La técnica fotográfica, surgida en la década de 1820, tomó rápidamente impulso incorporándose a las Bellas Artes. La fotografía fue una de las formas de expresión artística más importantes – en lo que a la representación del cuerpo humano se refiere – durante todo el siglo XX. Como curiosidad referida a este blog, puedo decirles que la entrada «El cuerpo desnudo en fotografía: Jock Sturges y el naturismo«, publicada cuando iniciaba estas notas en el año 2015, ha sido, año tras año, la que ha tenido el mayor número de visitantes. He podido comprobar que un número destacado de estas visitas muestran un interés casi exclusivo por la fotografía, por lo que he decidido incluir un nuevo índice (Fotógrafos), en el menú, con objeto de facilitar la búsqueda de estos artistas, aunque los mismos se muestren ya en los otros tres índices: Artistas (alfabético), Artistas (por países) y Cronología.
Aunque nacido en los Estados Unidos, Richard Thomas Davis (Middletown, Nueva York, USA, 1947) es un artista canadiense, que desarrolla su actividad en Nova Scotia, y creador de obras de temática muy diferente con un impresionante estilo realista. No se aprecia en este pintor esa visión artificiosa y algo exagerada de la realidad al modo de los hiperrealistas. Su obra es mucho más próxima a la visión ocular y cuesta distinguirla de la reproducción fotográfica. Así, he tenido que comprobar que los dos primeros desnudos que les muestro no son fotografías en blanco y negro sino dibujos realizados con lápiz:
El artista comenta para la Gallery 78:
«Utilizo la belleza y la claridad de una pintura bien estructurada para dar una sensación de importancia y precisión a los objetos, a menudo mundanos, que pinto. Mediante la precisión del detalle y, aún más importante, la relación de valores, doy una apariencia tangible, casi táctil, a los objetos de mi obra. Quiero que mis pinturas transmitan al espectador la sensación de contemplar la realidad misma.
Mi deseo es capturar la esencia de las cosas, en un instante. A través de la contemplación prolongada, el tiempo se ralentiza y los objetos parecen hablar. Me interesan más las historias que las cosas me cuentan que las que yo podría contar. Me considero un traductor, más que un narrador».
Manolo Lima, o Manuel Vicente Lima (San Miguel, Rocha, Uruguay, 1919-1990) fue un pintor uruguayo discípulo de Joaquín Torres García. Su obra, compuesta fundamentalmente por bodegones, paisajes y desnudos, muestra la influencia expresionista. Este artista también tuvo una labor destacada como profesor de arte y de cerámica, técnica que también tuvo un componente importante en su producción.
Okuda u Okuda San Miguel es el nombre artístico de Óscar San Miguel Erice (Santander, España, 1980) un pintor, escultor y diseñador conocido fundamentalmente por sus creaciones relacionadas con el arte urbano o street art. A su estilo se le etiqueta con frecuencia como «surrealismo pop» o «arte psicodélico», y sus obras suelen tener carácter fuertemente fragmentado, con patrones regulares, intensos colores yuxtapuestos y una fuerte intencionalidad volumétrica. Se habla de una pretensión social que nos muestra la soledad del individuo, de intenciones anticapitalistas y de elementos simbólicos incorporados en la producción, pero no hay un acuerdo general sobre el significado o la trascendencia de la misma. El artista, considerado como el Banksy español, comenta en una amplia entrevista para la Tribuna Complutense:
«…los símbolos de mi trabajo, que hemos decidido que son once, por ser mi número mágico. Más allá de eso, reconozco que hay unos cuantos que se suelen repetir en las obras, como los personajes protagonistas que suelen ser mujeres gruesas, recordando un poco la pintura renacentista, las pinturas clásicas, un poco en contra de los cánones estipulados ahora. Diría que todos mis elementos hablan de temas existenciales y universales, como el existencialismo, el sentido de la vida, la libertad, la diversidad, pero, sobre todo, y por encima de todo, mis cuadros hablan de la diversidad y la igualdad».
Ángel Gil Cuevas (Mecerreyes, Burgos, España, 1961) es un artista burgalés poco conocido fuera de España. En su obra escultórica aborda temáticas, técnicas y estilos muy diferentes, aunque se destacan sus bronces que ocupan generalmente espacios públicos, y sus desnudos en cerámica. Con relación a esta última técnica Ángel Gil realiza igualmente labores docentes.
Danielle Mckinney (Montgomery, Alabama, USA, 1981) es una artista visual que reside en New Jersey que intenta plasmar en su pintura la identidad de la mujer negra a la que nos presenta en su intimidad doméstica. En sus obras Mckinney pone de manifiesto su amplio conocimiento de la historia del arte así como de las técnicas fotográficas. La Galería Max Hetzler nos comenta, de este modo, la producción pictórica de esta artista :
«Captura momentos de introspección e intimidad humana con lirismo pictórico. Mckinney construye sus composiciones a partir de un lienzo completamente negro, lo que da como resultado escenas que emergen de la oscuridad en claroscuro. […]. Las composiciones atmosféricas se intercalan con destellos de color: el tenue resplandor de un cigarrillo encendido, sostenido por protagonistas con labios de colores brillantes y uñas pintadas con intensidad. Las figuras, exclusivamente negras y femeninas, se ven apreciando momentos de soledad: leyendo, fumando o simplemente absortas en la contemplación. Como fotógrafa de profesión, Mckinney organiza sus sujetos cinematográficamente, con una astuta comprensión de la mirada y su poder político».
John Steuart Curry (Dunavant, Kansas, USA, 1897-1942) fue un pintor realista y uno de los principales exponentes – Thomas Hart Benson y Grant Wood – del regionalismo estadounidense de principios del siglo XX. En su obra, Curry «mostraba en sus obras familias sobreviviendo a desastres naturales como una metáfora de los efectos de la Gran Depresión en el Medio Oeste» (Wikipedia). En 1926 vivió un año de estudios en París y los conocimientos adquiridos sobre arte europeo, especialmente francés e italiano, se ponen de manifiesto en sus desnudos, en cualquier caso escasos, frente a su amplia producción de escenas que muestran la vida popular en Kansas.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
migueldesnudo 