Louis Welden Hawkins (Esslingen am Neckar, Alemania, 1849-1910), de padre inglés y madre austríaca, puede considerarse un pintor francés pues vivió desde pequeño en Francia y obtuvo la nacionalidad francesa, aún conservando la inglesa de su padre. En París se educó en la «Académie Julian» y se relacionó con los artistas simbolistas del momentos. Se le considera como un pintor simbolista, aunque se suele indicar que su estilo está más próximo al prerrafaelismo que al simbolismo.
Garth Bayley (Pietermaritzburg, Sudáfrica) es un artista que vive y trabaja en el Reino Unido. En Saatchi Art se indica:
«Garth Bayley se inspira en capturar un instante. Esto se ha traducido en una amplia y variada colección de pinturas que abarcan desde el ciclismo y las carreras de caballos hasta la danza, la naturaleza y los retratos. La obra de Garth es audaz en su expresión, colorida y llena de movimiento».
Conviene mantener una mirada atenta a la obra de una artista singular colombiana: Débora Arango (Medellín, Colombia, 1907-2005) fue capaz de proyectar en su pintura, una mirada singular sobra el cuerpo de la mujer que se tradujo en un expresionismo formal con visión feminista. El Gabinete Violeta de Mujeres Artistas comenta:
«La mirada de Arango fue considerada transgresora, aún cuando su pintura respondía solo a sus gustos personales. Ella no miraba los desnudos desde la complacencia masculina, que era la norma, sino desde otro lugar, el que ocupó su corporalidad en la sociedad: el lugar de una mujer. La mirada de una mujer sobre los cuerpos desnudos de las mujeres transgredía la norma de la sociedad colombiana, donde la opinión y perspectivas de ellas no eran necesarias […]. Estuvo interesada en las representaciones del trabajo sexual, la violencia de la pobreza y la violencia hacia las mujeres, las cuales habían estado excluidas de los discursos artísticos de la Academia de Colombia, por ello se considera que esta transgresión fue uno de los más importantes aportes de Débora Arango al arte colombiano».
La que hoy se considera una de las figuras colombianas mas destacadas en el arte, fué duramente censurada en su país e, igualmente, en la España franquista.
Veamos algunas de sus obras. En ellas se nota la influencia de los grandes muralistas mexicanos.
Cuando descubrí los autorretratos del fotógrafo francés Rémy Soïme (Vaucluse, Francia) me llamaron mucho la atención. Siempre me ha fascinado la imagen que pretende dar un artista de sí mismo. Luego he podido comprobar que esas fotos no son, a mi entender, las más interesantes. Otra cosa es poder mostrárselas aquí, pues el artista protege mucho su producción y sólo puede bajarse de internet un número muy reducido de amplia obra. En cualquier caso, podemos apreciarla en su página de Instragram (Objetif_regarde_dévoile) y en ModelSociety. Todo tipo de cuerpo son el objetivo de su cámara: jóvenes, atléticos, personas mayores, personas con cuerpos que denominaríamos «no normativos»,… Blanco y negro o color.
Autorretratos:
Otras:
Bogdan Rață (Baia Mare, Rumanía, 1984) es un escultor que nos muestra en sus creaciones un cuerpo humano retorcido, fragmentado, siempre intrigante. El artista comenta:
«Trabajo con fragmentos humanos que combino para crear imágenes de fuerte impacto emocional: frustración, miedo, vergüenza. Reinterpreto el cuerpo humano precisamente para inducir un estado de confusión en el lector y, de alguna manera, obligarlo a comprender, desde una perspectiva diferente, al ser humano contemporáneo. Un dedo puede ser más fuerte que un rifle, una oreja más frustrante que un interrogatorio».
La revista italiana Objects destaca:
«Irónicas, eróticas, perturbadoras, las obras plásticas de Rață muestran un realismo aparente, sin embargo, el efecto de verosimilitud de los cuerpos se ve aberrado por el uso de combinaciones e interpenetraciones de diferentes zonas anatómicas –pezones que emergen de talones, orejas que proliferan en un cráneo, dedos que sustituyen a los del pie–, un proceso de transfiguración y mezcla óptica que impregna sus esculturas de un surrealismo lúdico y de ciencia ficción».
Voy a dedicar una segundo entrada a este artista polaco consagrada a su fotografía. De Zdzisław Beksiński (Sanok, Polonia, 1929-2005) ya he comentado un poco sus dibujos y pinturas, pero su fotografía es bastante diferente. Muchas veces muestra imágenes inquietantes, cuerpos mutilados y vendados – como en su pintura – pero en general sus imágenes son ahora mucho menos violentas. Técnicamente emplea con frecuencia un blanco y negro con luces muy contrastadas.
Zdzisław Beksiński (Sanok, Polonia, 1929-2005) fue un pintor, escultor, arquitecto y fotógrafo polaco. Su obra artística es bastante amplia por lo que voy a consagrar esta primera entrada sobre su producción pictórica que incluyen trabajos de factura muy compleja, con elementos oscuros y lúgubres, que pueden encuadrarse en un realismo fantástico o incluso en un surrealismo. El propio artista dijo en ocasiones ignorar el significado de algunos de sus cuadros y, por otra parte, las deformaciones corporales y diseño barroco, hacen que se pueda dudar en algunos casos del carácter de «desnudo» e incluso del sexo del personaje representado.
Giorgio Dante (Italia, 1982) es un pintor figurativo italiano que parece llevarnos con su obra al Renacimiento. Sus fuentes son los artistas clásicos del renacimiento italiano, de Caravaggio, y de los maestros del neoclasicismo europeo. Según ARC (Art Renewal Center):
«Su obra enfatiza, a través del cuerpo y del mito, símbolos inmutables en el tiempo, las emociones del alma humana, como valores atemporales, por tanto contemporáneos en todos los tiempos».
Sakti Burman (Calcuta, India, 1935) es un pintor escultor y grabador que inició su formación en 1951 en la Escuela de Bellas Artes de Bombay. Atraído por la obra de Van Gogh consiguió establecerse unos años en París y estudiar en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes. De vuelta a su país tuvo grandes dificultades económicas. Establecido actualmente en París, desde hace ya cinco décadas, su obra fantástica y mítica, con un gran colorido, ha ganado una fuerte aceptación, especialmente sus litografías a las que ha ido trasladando parte de su obra pictórica anterior.
Dentro de la compleja obra fotográfica de Paolo Aldi (Rovereto, Italia, 1955) caben destacar dos carpetas en las que trata el desnudo femenino: Fluctuaciones y Bellum. Tomando las propias palabras del artista en las presentaciones de éstas:
«Fluctuaciones (Fluttuazioni en italiano) es un ciclo de fotografías de desnudos de hace más de veinte años. Es una exploración de los misterios ocultos en el cuerpo, en la mirada del observador, en la vida y en la duda que siempre la recorre»…
«En Bellum abordo los temas de la guerra y la violencia revisando antiguos mitos de la cultura mundial y poniendo en el centro la figura de la mujer que es una alegoría de toda la humanidad»…
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
migueldesnudo 