John Bulloch Souter o J.B. Souter (Aberdeen, Reino Unido, 1890-1972) fue un pintor, escultor y dibujante escocés que se distinguió como retratista. En su obra puede apreciarse su admiración por Velázquez, Chardin y Vermeer, cuyos trabajos conoció gracias a un viaje cultural por el continente europeo. Su pintura mas conocida – posiblemente por el escándalo que provocó en el Reino Unido -, es «The Breakdown», en la que observamos un músico negro que interpreta una pieza de jazz mientras una mujer desnuda parece bailar en trance:
The Breakdown
Con un estilo algo diferente, les muestro otras obras tales como:
Aunque presento a este artista dentro del epígrafe dedicado a los fotógrafos, Raymond Carrance o Czanara (Pons, Francia, 1921-1998) no sólo trabajó como fotógrafo sino también como dibujante, diseñador gráfico de marcas como Perrier, e ilustrador de varios libros. Su obra, con un indudable carácter homoerótico, ha sido redescubierta y puesta en valor después de la muerte del artista.
El término Hiperrealismo parece evocar una realidad por encima de la realidad pero, ¿es ello posible?¿Qué define la realidad?, ¿nuestra percepción de las cosas? ¿La fotografía refleja fielmente nuestra percepción del mundo y como tal nos muestra una realidad objetiva? Entramos en un mundo confuso en el que el arte nos habla de tantos tipos de realismo que se acaba por desdibujar el término y volverlo ambiguo: realismo mágico, realismo fantástico, realismo histórico, neorrealismo,…
El movimiento se gestó a mediados del pasado siglo, en los Estados Unidos, pero se dio a conocer en Europa en 1972 en el marco de la «Documenta 5», exposición celebrada en Kassel (Alemania). Desde ahí se extendió por todo el mundo este movimiento – supuestamente fundado por el artista británico residente en los Estados Unidos, Malcolm Morley -, pero cuyos componentes nunca formaron un verdadero grupo artístico.
El Hiperrealismo se expresa tanto en pintura como escultura. En el primer caso debemos distinguir dos tendencias diferentes: el realismo fotográfico o fotorrealismo, que utiliza la fotografía como punto de partida de la obra, y el realismo figurativo o radical, que prescinde de este recurso (según Andrea Imaginario). Como ejemplo de esto último tenemos muchas obras de Antonio López:
Antonio López
Antonio López
¿Cómo se ve el Hiperrealismo?. Antes de citar lo que pudieran ser las principales características de este movimiento, reproduzco un fragmento de Linda Chase tomado del catálogo de la exposición «Hiperrealismo 1967-2012» ( Museo Thyssen-Bornemisza, 2013, pag. 21):
«Enfrentado a una pintura fotorrealista, la reacción del visitante medio de galerías y museos en la siguiente: Parece tan real… es como una foto. Con lo que quiere decir, claro está, que parece exactamente una fotografía. Por muy asombrosamente realistas que sean estos cuadros, sabemos que no estamos mirando un escaparate, ni una motocicleta, ni una serie de saleros y botes de ketchup. El contexto no es el suyo, la escala es otra, y el lenguaje visual se basa en nuestra familiaridad con lo que traduce la cámara. No hay posibilidad de tomar un cuadro fotorrealista por un objeto real»…
Claudio Bravo
Wang Xiaobo
Chuck Close
Aleah Chapin
Lee Price
Así pues, las principales características de la pintura hiperrealista son:
Banalidad o cotidianeidad de los temas abordados (similar al Pop)
Una pretendida negación de los aspectos sociales, en oposición a cualquier realismo crítico. Incluso se llega a excluir cualquier emoción o sentimiento.
Pinturas al óleo o acrílicas con una base fotográfica directa (fotorrealismo) o indirecta (realismo figurativo)
Sobredimensionamiento de los objetos y eventual monumentalismo
Pintura efectista que gusta de describir transparencias, brillos y reflejos.
Uso destacado del color que se aplica mediante veladuras o empastes, y no dejan marcas de pinceladas en el lienzo.
Escasa representación de la figura humana y, consiguientemente, pocos desnudos.
Takiro Hara
Deborah Poynton
Daniel Barkley
Dino Valls
En el caso de la escultura hiperrealista se dan también mucho de los elementos citados para la pintura y de un modo más radical, como las dimensiones monumentales de muchas de sus piezas. El cuerpo humano se representa mucho más que en la pintura. En la escultura se utilizan frecuentemente moldes y materiales no convencionales, como la fibra de vidrio o la silicona.
Algunos ejemplos de esculturas hiperrealistas:
Ron Mueck
Ron Mueck
Sam Jinks
Richard Stipl
Mu Boyan
Las imágenes mostradas en esta entrada han sido previamente publicadas en este blog. El número de artistas que podemos adscribir a este movimiento es muy grande y sólo destaco a algunos de ellos como ejemplo.
Rip Matteson (Oakland, California, USA, 1920-2011) fue un pintor y dibujante que intentó celebrar en sus trabajos la belleza y poesía del cuerpo humano, especialmente el femenino. Sus dibujos son esquemáticos y en su pintura se aprecia también el uso de líneas continuas envolventes que delimitan, generalmente, zonas cromáticas. Un trabajo sereno y contenido.
Urs Lüthi(Kriens, Suiza, 1947) es un artista conceptual difícil de clasificar tanto temática como estilísticamente. Ha realizado fotografías, pinturas, esculturas, dibujos, vídeo y serigrafías, con una mayor o menor incidencia de las mismas según la época. En Masdearte podemos leer:
«… su cuerpo se convierte en el principal material de sus obras. Sus autorretratos, ambivalentes e irónicos, constituyen una reflexión en clave kitsch e ilusionista sobre el cuerpo, el tiempo y la vida. Su universo plástico se plantea como una personal interpretación del body art, y despliega un irónico juego psicológico entre el yo y el otro, estratégicamente presentados en un continuo cambio de papeles. En sus primeras fotografías, realizadas en blanco y negro e impresas en lienzo, juega con el concepto de travestismo en un estilo que parodia el género clásico del retrato».
Tambien nos encontramos unas interesantes reflexiones sobre su obra en la Galería Aural:
«Sus autorretratos, ambivalentes e irónicos, constituyen una reflexión en clave kitsch e ilusionista sobre el cuerpo, el tiempo y la vida. Su universo plástico se plantea como una personal interpretación del body art, y despliega un irónico juego psicológico entre el yo y el otro yo, lo masculino y lo femenino».
El mismo artista nos presenta así su sobra (según se cita en Aural):
«El fundamento de mi propio trabajo es la condición humana. Desde mediados de los 60, parto de la convicción de que uno tan sólo puede experienciar el mundo y comprenderlo de manera subjetiva. He tomado mi cuerpo, a mí mismo, como sujeto de mi arte, como espejo del universo.»
Ejnar Nielsen (Copenhague, Dinamarca, 1872-1956) fue un pintor e ilustrador que podemos adscribir al simbolismo que se une, en este artista, al realismo social. Su obra tiene un carácter existencialista, y en ella la muerte y la enfermedad adquieren relevancia temática. Incluso sus notables paisajes parecen respirar esa idea de soledad y tristeza.
Influyen en Nielsen los pintores Puvis de Chavannes y Andrea del Castagno.
Los desnudos no parecen abundar en sus pintura, pero me parecen destacados.
Hombre y mujer
Hombre y mujer (detalle)
Motivo de Marlowes Dr. Faustus
Resultan igualmente interesantes los mosaicos que les muestro:
Bela Bacsi (Gyor, Hungría, 1950) es uno de los más destacados escultores mundiales que trabajan el mármol. Nacionalizado en los Estados Unidos, país en el que vive desde los seis años, compagina allí sus labores artísticas con las docentes. Sus esculturas tienen un elemento modernista, próximo al art deco, como podemos apreciar en las obras que les muestro:
Stanislav Ilyin (Kazan, Tartaristán, Rusia, 1972) es un artista formado en el Instituto de Arte Surikov de Moscú y que forma parte, desde 2010, de la Unión de Artistas de Moscú. Las escasas referencias sobre el artista y sus obras, se relacionan con una exposición celebrada en el año 2015 por la galería parisina I-Gallery (Instant). En la web de esta sala se comenta:
«Las pinturas de Stanislav Ilyin captan momentos efímeros que reflejan la mirada de una mujer, un desayuno al amanecer, un niño dormido frente al plato… Estas imágenes, a la vez instantáneas y congeladas, pasan a ser historia. Algunos de los bellos momentos que vivimos se evaporan, otros permanecen con nosotros toda la vida. El sentido del espíritu del entorno no permite que la idea transmitida por la imagen quede apelmazada. Flora, Grace, Eva son magníficas y reconocibles, como las mujeres que te rodean, son diosas. El pintor está monumentalizado por su formación y su carrera, mientras que sus obras reflejan pequeñas vidas que se hacen visibles gracias a la atenta lupa de nuestra memoria».
Barry Moser (Chattanooga, Tennessee, USA, 1940) se destaca como ilustrador y grabador, empleando frecuentemente la técnica del xilograbado. Moser ha sido alumno del escultor y grabador americano Leonard Baskin. Les muestro algunos de sus desnudos:
Albert Dubout(Marsella, Francia, 1905-1976) fue un dibujante, ilustrador, creador de cómics, pintor y escultor, que nos legó una extensa producción. Su dibujo, caricaturesco y satírico, tiene como eje central la sexualidad, pero domina en éste el humor sobre el erotismo.
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
migueldesnudo 