Kendric Tonn (Phoenic, Arizona, USA, 1982) – pintor y dibujante -, se ha centrado en la figura humana que trata de un modo muy realista. En su página de Facebook nos dice:
«Mi obra —principalmente pinturas al óleo— se basa en la contemplación pausada de modelos y objetos en el estudio. Durante las muchas horas que requiere la creación de una pintura, me esfuerzo por crear una representación convincente, pero no fotográfica, de una escena. Busco los efectos de luz y el sentido formal de los grandes maestros, y los plasmo en el lienzo de forma pictórica, de una manera que refleje experiencias y condiciones humanas universales».
«Lo que hace única la obra de Kendric, y lo que nos atrae especialmente tanto de su arte como de él como persona, es su dedicación a la conexión humana. La experiencia humana siempre ha sido y sigue siendo el centro de su obra. Su arte gira en torno, en sus propias palabras, a «preocupaciones, temas e historias humanas perdurables, y, en el centro de todo ello, el más universal de todos los temas: la figura humana»».
He comentado ya, en varias entregas, la obra de una serie de fotógrafos (Bob Mizer, Danny Fitzgerald, Bruce Bellas, Don Whitman,…), que tuvieron una gran relevancia en los Estados Unidos entre 1930 y 1970, y cubrieron con la misma las dos grandes revoluciones sexuales que se sucedieron en ese país. Estos artistas realizaron desnudos masculinos homoeróticos que pudieron vender en revistas aparentemente dedicadas al mundo de la gimnasia y el culto al cuerpo, aunque siempre dirigidas a un público gay. Las publicaciones se denominaron «Physique Magazins» o «Beefcakes,» Adelantándose en cierto modo a estas figuras nos encontramos con un artista como Fred Kovert o Frederic Ko Vert (Pensilvania, Estados Unidos, 19001-1949). Su vocación fotográfica fue relativamente tardía pues, previamente actuó en varias películas de carácter cómico, travestido como mujer. Una drag de la época. No sé en que extensión las fotografías de Kovert se distribuyeron en estas revistas, pero se sabe que fue detenido por el Departamento de Policía de los Ángeles y condenado por posesión de material obsceno, aunque, como pueden observar, sus fotos no tienen carácter sexual explícito.
Nancy Kubale (USA, 1957) es una escultora que desarrolla principalmente la técnica cerámica. Cuando habla de su trayectoria artística durante 25 años, nos dice:
«Me encanta la arcilla. Me encanta que nunca se pueda dejar de explorarla. Siempre hay una nueva forma, un nuevo acabado, otro método de cocción. Ha sido una época inspiradora y disfruto cada minuto. Me ha llevado a descubrir nuevas formas, acabados y arcillas salvajes. Ha traído curiosidad, renovación y entusiasmo a cada mañana».
Alex Székely (Budapest, Hungría, 1901-1968) fue un artista que hizo su carrera como caricaturista, también ilustrador de obras de Ovidio, Verlaine, Voltaire o Poe, pero que ganó popularidad por sus numerosos dibujos a tinta o acuarela de temática sexual.
Pocas referencias personales se encuentran en la web que traten sobre en pintor, escultor, ceramista y grabador francés Charles Pasino (Niza, Francia, 1950). Rice Art nos comenta:
«Descubrió el mosaico en la década de 1980, disciplina que practicó, en paralelo al grabado, durante veinte años, en Niza y luego en París. «Aprendí mucho de Matisse, Modigliani, Ingres, Durero o Picasso, entre muchos otros. Mi percepción de la pintura ha cambiado radicalmente con la práctica del mosaico y el grabado». Su pintura se organiza de forma bastante clásica en torno a «manchas» de color que busca sobre todo plasmar, pero el desnudo, especialmente el femenino, sigue siendo su tema predilecto. Al pintar con óleo o acrílico, realza con gusto los fondos de motivos vegetales, o a veces trabaja en colores planos a través de los cuales brillan matices contrastantes. En sus pinturas, admite a veces con un toque de humor, percibe una ligera ironía. «En mi obra, creo que soy bastante sereno, con a veces un toque de humor o incluso una ligera ironía».
Graham Dean (Birkenhead, Reino Unido, 1951) es un pintor británico que trabaja usualmente la acuarela para mostrarnos el cuerpo humano desnudo. Carlos Villalonga comenta en «Infomag Magazine«.
«Graham Dean: esencialmente un pintor de identidad. El artista inglés, Graham Dean, transmite una parte esencial de las emociones y los estados psicológicos de sus personajes, ya sean bellas modelos, atletas, entusiastas de la esclavitud, gemelos idénticos, personas con imperfecciones de la piel, todo ello utilizando sus cuerpos como vehículos de expresión.
Es esencialmente un pintor de identidad. Pero más que la identidad del cuerpo, es la identidad del alma evocada por estas suntuosas acuarelas».
«Su obra siempre continúa explorando la condición humana y nuestra relación con el entorno. Mediante una técnica que él llama «arqueología inversa», Graham Dean inventa los usos tradicionales de la acuarela, dando como resultado una técnica única. Capas de pintura contrastantes se aplican por separado sobre papel grueso hecho a mano, generalmente procedente del sur de la India».
El matrimonio Surbek es uno de los raros casos de pareja de artistas que mantuvieron siempre su individualidad y reconocimiento propio. Marguerite Frey Surbek (Delémont, Suiza, 1886-1981) fue una artista dotada de gran personalidad. Activa social y políticamente, sufragista y feminista, realizó numerosas exposiciones en su país y tuvo una destacada presencia en la Bienal de Venecia en 1930. Fue alumna particular de Paul Klee:
Victor Surbek (Berna, Suiza, 1885-1975) fue un gran representante del género figurativo suizo y produjo una obra con fuertes influencias de Ferdinand Holder.
John Morris (Reino Unido, 1963) es un escultor australiano pues sus padres emigraron a este país cuando el artista contaba sólo tres años de edad. En su obra se fusionan materiales muy diferentes prevaleciendo, en sus últimos tiempos, la madera, y en el diseño de. las piezas se pone de manifiesto un cuidadoso dibujo. En unas declaraciones del artista que recoge Cultura Inquieta, leemos:
«La figura siempre ha sido central en mi obra, en dos y tres dimensiones […] desde que tengo memoria he estado fascinado por la anatomía y la mecánica del cuerpo, natural y artificial, humano y no humano, real e imaginado.
La deconstrucción y reensamblaje de la figura en formas extrañas y maravillosas, combinada con otros elementos, es el núcleo de la mayoría de mis ideas. La mezcla de imaginería e inspiración es lo que las hace interesantes. El pequeño boceto inicial, no importa cuán minúsculo o simple sea, contiene la esencia de una idea; remitiéndome a él puedo volver sobre la pista si me estoy saliendo del camino»
Matthew Morrocco (Providence, Rhode Island, USA, 1989) es un fotógrafo original, con una gran maestría en las luces y el color, del que ArtSpace comenta:
«Es conocido principalmente por sus retratos fotográficos de hombres homosexuales en sus hogares. Su obra aborda la relación entre la sexualidad, la familia y la religión, y explora cómo la intersección de estas entidades desarrolla el carácter y la identidad de una persona. Postula que la identidad es moldeable y que las personas se relacionan de forma diferente según la situación o la compañía en la que se encuentren, por lo que siempre están actuando. Morrocco descubre a sus sujetos explorando sitios de citas y redes sociales. Se incorpora a sus imágenes, insinuando una relación con ellos y evocando una sensación de incomodidad, soledad y confusión para reflejar su propia incomodidad y la supresión del deseo».
El artista tiene una obra bastante amplia pero, en relación con el desnudo, destaca fundamentalmente la serie «Complicit», a la que podemos aplicar todo lo anteriormente dicho. Soledad, afecto, sexualidad, vejez y homosexualidad se unen en esta magistral y reflexiva serie.
En una entrevista para la revista fotográfica Musée, Morrocco comenta:
«Para el trabajo que he realizado desde 2012, pasé tiempo íntimo fotografiando a hombres mayores en la ciudad de Nueva York para aprender a seducir, a envejecer con gracia y a aprender sobre el pasado. El impacto de la educación que recibí en materia de arte, lujuria y envejecimiento superó cualquier experiencia anterior o posterior, y ha caracterizado gran parte de mi vida adulta.
Quizás pretendía inspeccionar la fotografía, pero lo que encontré fue la esencia de la conexión humana que va más allá del sexo y la lujuria. Conocí a hombres en sus casas. Tomamos té, derramamos lágrimas, compartimos orgasmos y detalles íntimos».
Autorretrato reflejado con Elmer
Autorretrato con Elmer
Rod en el sofá
Autorretrato sobre el triciclo con Shaun
Comiendo ciruelas en el parque
Kevin y Bill
Autorretrato con Jens
Autorretrato con Willie
Retrato de Rolo en el estudio
Besando a Rolf
Autorretrato y Mark
Creo que las siguientes fotografías forman parte de otra/s serie/s, pero me resultan igualmente interesantes.
James Guppy (Londres, Reino Unido, 1954) es un artista británico que realiza sus pinturas acrílicas, desde 1982, en Australia. Guppy nos comenta en una presentación de su página web:
«Desde el desarrollo de la fotografía, el papel de la pintura figurativa en el retrato y como crónica social prácticamente ha desaparecido, y el arte de la pintura ilusionista ha quedado relegado en gran medida a los remansos de la nostalgia romántica y el historicismo reaccionario. Es evidente que la pintura, en general, continuará; pero ¿han sido las tradiciones figurativas del ilusionismo superadas tecnológicamente por la fotografía, el cine y las imágenes generadas por computadora? Francamente, no lo sé, y a veces me pregunto por la naturaleza quijotesca de mi necesidad de encontrar una relevancia contemporánea para estos estilos de representación premodernistas».
«Su arte demuestra valentía y honestidad al explorar las emociones humanas, identificando y comentando los legados culturales y emocionales con los que convivimos. Guppy retrata a personas en momentos de transición. Como un dramaturgo teatral, sus pinturas revelan un estado de euforia. Guppy prefiere subvertir, en lugar de imitar, sus herramientas de seducción: un «absurdo sutil» combinado con una rica técnica pictórica».
Inicio la presentación de sus trabajos con un autorrettrato. Del mismo se comenta en Art Galery NSW:
El autorretrato Chagrin de James Guppy es una reacción a varios autorretratos de artistas que lo han puesto un poco nervioso. «He visto algunos autorretratos de artistas donde el autoexhibicionismo es descarado, son tan directos», dice riendo. «Y algunos han sido hechos por artistas internacionales de renombre. Es como, ‘¡¿Qué es esto?!’ Es tan tonto.
«En algunos de los autorretratos desnudos, se ven tan serenos, con una mirada petulante de ‘Tengo el control’. Estar desnudo frente a desconocidos no es así. ¡Es vergonzoso!
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
Visiones sobre el desnudo masculino en el arte contemporáneo – Miguel A. Ramírez
Este libro se distribuye gratuitamente. Para solicitar el mismo úsese el formulario incluido en la pestaña «Libro»
Desnudo e identidad en la obra de Anita Steckel y Joan Semmel – Miguel A. Ramírez
Disponible libremente en el repositorio de la Universitat Oberta de Catalunya http://hdl.handle.net/10609/109566
migueldesnudo 