Pocas veces se puede poner de un modo tan exacto la etiqueta de «naturista», como a Ed Lange (USA, 1920-1995), un fotógrafo y editor cuya vida giró, después de un pequeño periodo dedicado a la moda, alrededor de la defensa y difusión de la filosofía naturista. Llegó a ser el vicepresidente de la Federación Internacional de Naturismo.
Aks Misyuta (Bryansk, Rusia, 1984) es una pintora y escultora que vive y trabaja en Estambul (Turquía). En esta artista parecen fusionarse pintura y escultura en formas volumétricas oscuras. La Galería Sébastien Bertrand nos comenta:
«Las formas y figuras escultóricas de Aks Misyuta, que a menudo representan figuras en situaciones aparentemente imposibles, enigmáticas o inventadas, a veces parecen talladas en materia sólida, y son reconocibles al instante. Si bien no están inspiradas en personas reales, estas figuras son autorretratos y capturan las ambigüedades del estado psicológico de los sujetos. Expresivas, grotescas, descomunales, carnosas y, sin embargo, extrañamente vulnerables, se mueven a la deriva en entornos sombríos, marcados por sombras y contrastes de luz, creando un puente entre la sensación de agitación interna y el caos externo. Su apariencia inflable es una forma de representar nuestra naturaleza precaria: para el artista, «a veces basta un pequeño pinchazo para destruir»».
La presentación de la Galería Woaw es casi tan enigmática como la obra de la artista:
«En la obra de Aks Misyuta, la puesta en escena sobre el fondo de las distancias es una referencia a la antigua tradición pictórica. Pintadas con prisa, son el reflejo del pasado en el espejo empañado de la época: los detalles han sido menos importantes en un mundo que ha ganado ritmo. A medio camino hacia la abstracción, siguen siendo narrativos. Aquí es donde la cultura pop, con sus motivos caricaturescos, convive con las alegorías del pasado, como los querubines rojos. Las imágenes metafóricas de nuestras interacciones y autoconocimiento difusos».
El siguiente comentario creo que aporta más para entender la obra de la artista. Ugo Scalia Art Advisory:
«La búsqueda de Misyuta por expresar esta forma de intimidad se ve reforzada por la presencia de algunos objetos recurrentes y llenos de significado simbólico, como relojes, flores o espejos. Los relojes sin marcadores horarios, por ejemplo, representan una especie de manifiesto feminista contra las expectativas patriarcales centradas en la racionalización del tiempo, a saber: la productividad… y la maternidad. «El tiempo avanza», nos recuerda Misyuta, es la frase más común dirigida a las mujeres de su país natal y de otros lugares, cuando llegan a la edad en que se espera que formen una familia. En sus pinturas, las figuras que llevan relojes son, por lo tanto, rebeldes silenciosas que celebran el llamado acto de «perder el tiempo». El título de su primera exposición en París (hasta el 6 de mayo de 2023), «Lazy Self Embrace», ilustra una vez más este pensamiento recurrente en la obra de la artista: robustas y frágiles a la vez, las figuras parecen reivindicar su derecho incondicional a holgazanear. El proceso creativo es otro rasgo distintivo de su obra: Aks Misyuta pinta mucho y con rapidez. La artista trabaja de forma espontánea, desde su propia intuición, y nunca realiza trabajos preliminares para sus pinturas».
Peter Harskamp (La Haya, Paises Bajos, 1951) es un pintor, escultor y ceramista creador de una obra amable y poética. Se comenta en Gallerease:
«A pesar de la diferencia de disciplinas entre la pintura al óleo y la escultura en bronce, existen muy buenos puntos de contacto en la obra de Peter Harskamp. Una clara tensión perceptible y consecuentemente llevada a cabo a través de la estilización. Además de eso, su obra tiene un carácter expresivo intenso. En las pinturas al óleo, los sujetos están colocados en líneas, algo fuera de la realidad y elaborados con un rico uso del color. Tanto las pinturas como las esculturas muestran una transformación aparentemente indiferente similar de la realidad, con efectos sorprendentes y, a veces, con humor. Logra una síntesis entre su obra bidimensional y su escultura. El pintor / escultor Peter Harskamp recrea a la humanidad en seres monumentales que se preocupan por sus quehaceres diarios, ya sea en compañía de un animal u objeto. Actividades en las que el hombre moderno se permite sólo de forma limitada, pero que son las principales actividades del universo de Peter Harskamp. Sus figuras humanas son básicamente invulnerables porque no apuntan a nada. Después de todo, en su desarmadora ingenuidad, no necesitan defenderse. Por lo tanto, el artista crea un tipo de hombre que, si existiera, le daría al mundo una apariencia completamente nueva. Pinta con un realismo estilizado, con los personajes y su entorno purificados de lo no esencial. La obra irradia belleza, equilibrio, paz y ternura».
Peter Vanbekbergen (Lovaina, Bélgica, 1962) es un escultor especializado en cerámica, creador de una serie de figuras extrañas y sugestivas al mismos tiempo. Gallerease indica:
«Crea figuras que parecen de otro mundo; no son realistas. Su piel luce desgastada, vieja y maltratada, y los ojos están entrecerrados. Es imposible distinguir si son hombres o mujeres, y es difícil interpretar sus expresiones. Además de figuras, también esculpe perros; estos también tienen la piel desgastada y los ojos entrecerrados. Vanbekbergen forma parte de la Escuela Belga junto con José Vermeersch y Herman Muys».
Aunque me resulta difícil entender eso de que resulta difícil distinguir el sexo de las mismas. En cambio, la Art Gallery of Mijlpaal introduce así al artista:
«Peter Vanbekbergen (°1962) construye esculturas de arcilla, fuertes y vulnerables a la vez. Cada escultura parte del ser humano, pero es única y presente. Poseen una gran empatía y se integran en el entorno como personas unitarias. Su fascinación por lo imperfecto y lo anómalo es sorprendente. Además de figuras humanas, también le gusta hacer esculturas de perros».
Hans Fahrmeyer (Bochum, Alemania) es un artista alemán que se trasladó, en 1984, a la ciudad de Nueva York, donde montó un estudio especializado en restratos, desnudos culturistas y fotografía de espectáculos y eventos especiales. El la entrada de Model Mayhem se dice:
A pesar de la manifiesta sensualidad de los sujetos de Fahrmeyer, él considera que su ejecución fotográfica muestra «elegancia sin ser sexual, lograda al elegir un fondo y una iluminación que les da un aire de clasicismo. Hay tanta fealdad ahí fuera, que a veces necesitamos que la belleza nos estimule y relaje la vista».
Su trabajo ha aparecido en libros y numerosas revistas.
Andrew Wilson (Oakland, California, USA, 1991) es un joven afroamericano que trabaja en Detroit. Recientemente ha realizado una muestra de 42 retratos desnudos en los que inspirado por su actividad previa como modelo de desnudo, pretende mostrarnos una imagen del mismo no sexualizada, en oposición a la fotografía de Robert Mapplethorpe. Según comenta el San Francisco Examiner:
«Al tomar las fotografías, quería brindarles a sus amigos la misma experiencia de liberación de los estereotipos de sexualidad que a menudo se imponen a los hombres negros».
Mainie Jellet (Dublín, Irlanda, 1897-1944) fue una de las artistas cuya labor en la promoción del arte moderno fue más decisiva en Irlanda. Formada inicialmente en Londres donde inició su andadura con una pintura de tipo impresionista, viajó a Francia donde, de la mano de André Lhote y Albert Gleizes, descubrió el cubismo. Este estilo que podemos apreciarlo en muchos de los desnudos que les presento. Finalmente encaminó sus pasos hacia el abstracto.
Philip Everwood (Nueva York, Nueva York, USA, 1901-1973) tuvo una amplia actividad arrtística como pintor, muralista, escultor, grabador, ilustrador y novelista. En su primera etapa fue particularmente crítico contra cualquier forma de opresión social y a favor de los derechos civiles. Mas tarde, después de la Gran Depresión, se fue centrando más en temas religiosos. Su obra, figurativa, tiene la influencia de artistas como El Greco, El Bosco, Brueghel, Goya, Daumier o Toulouse-Lautrec. En las «Biografías de Artistas» presentada por Barewalls.com leemos, junto a los comentarios anteriores:
«Evergood es conocido por sus dibujos deliberadamente torpes y sus líneas espontáneas y atrevidas. Sus sofisticadas composiciones, hábilmente organizadas, suelen ser humorísticas, con frecuencia fantásticas y, en ocasiones, abiertamente simbólicas. Su color nunca es convencional, sino que evoca un estado de ánimo extremadamente personal que revela al artista como militantemente social y cálidamente sensual».
Al contemplar la obra escultórica de Johanna Schweizer (Enschede, Overijssel, Holanda, 1946) no nos extraña que se la conozca como la Louise Bourgeois holandesa. Sus esculturas realizadas con colores llamativos y usando la técnica del crochet tienen un fuerte componente sexual, pero abarcan un conjunto muy variados de temas: sexualidad y sensualidad, religión y paganismo, folklore y leyendas…
Sam Harrison (Christchurch, Nueva Zelanda, 1985) es un dibujante, grabador y escultor con una obra centrada en el cuerpo desnudo. Me reultan particularmente interesantes sus xilografías que dejan, ocasionalmente, entrever temas o motivaciones religiosas. Dan Chappel en su artículo, publicado en el año 2011 en Art News, «Conversations with the body», comenta:
«El crítico John Hurrell escribe, en su reseña de la exposición de Harrison en Jensen en 2010: «Estas xilografías son particularmente exitosas porque sus imágenes van más allá del claroscuro y (principalmente) de figuras femeninas que interactúan con la sombra y la luz. Los patrones nudosos y astillados del contrachapado tallado presentan vórtices que hacen que las densidades de la tinta se superpongan e interfieran con la claridad de los cuerpos desnudos y obliteren parcialmente los rostros que miran directamente al espectador».
Al explicar su transición a la escultura, Harrison es igualmente ingenuo. «En la politécnica realicé algunos estudios, principalmente de cabezas, y a través de ellos descubrí ciertas formas de trabajar. Más tarde encontré mi propio estilo: trabajando con lo que me habían enseñado, desarrollé mis propias técnicas con bastante rapidez». Sus primeras esculturas, para las que solía usar a amigos como modelos, fueron moldeadas en arcilla, luego fundidas en hormigón y recubiertas con un acabado de cera oscura. Estos estudios de figuras solían ser agachados o arrodillados, con las extremidades entrelazadas, angulosos, tensos y llenos de energía. Sus esculturas de pie más recientes han requerido un mayor refuerzo interno, y mediante el uso de yeso ha logrado mayor flexibilidad y crear forma y relieve con mayor espontaneidad y dramatismo.
Igualmente, The Central Art Gallery nos comenta:
«En sus xilografías, Harrison utiliza el tamaño para presentar una obra sobre papel de mayor tamaño que la vida real.
Su destreza como cazador al aire libre le confiere una mirada detallista en la ejecución y la expresión. Harrison utiliza los nudos de la propia madera contrachapada para acentuar los contornos y contrastes de sus marcas grabadas. Esto evoca las formas humanas del artista renacentista Alberto Durero (1471-1528). Hay un elemento subyacente, atemporal y universal, que impregna con fuerza estas obras. Como dice el propio Harrison sobre su compromiso con el desnudo: «Es atemporal. Ha habido y siempre habrá un desnudo, mientras estemos aquí».
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
migueldesnudo 