La artista Lisa Wright (Reino Unido, 1965) centra su atención en los niños. Son figuras simplificadas que trata de un modo próximo a la abstracción y en las que la iluminación tiene un carácter destacado. La artista nos comenta:
“Utilizo la luz y la sombra para crear dramatismo en mi obra. Estas ayudan a dar solidez a la figura, pero al mismo tiempo, su naturaleza efímera alude a la presencia del ‘otro’, una parte menos tangible de la experiencia humana vivida”.
No pudo ser en Granada pero ahora hemos tenido el privilegio de poder participar en el evento fotográfico que acaba de llevar a cabo Spencer Tunick en Las Palmas de Gran Canaria. Su título «Gran Spectrum» es un indicador de su objetivo: la defensa de la diversidad y los derechos del colectivo LGTBIQA+. No éramos demasiados – unas 500 personas – si lo comparamos con las grandes concentraciones logradas por el artista en importantes ciudades del mundo, pero es un resultado notable para una comunidad pequeña y relativamente aislada. Es muy costoso viajar a Canarias y, para los insulares, nuestra condición de archipiélago dificulta mucho los movimientos internos. La hora de la concentración, las 5.00 de la mañana, también endurecía bastante la asistencia. Había que pernoctar, y prácticamente no dormir, en la ciudad. A pesar de esto, a la hora fijada estábamos prácticamente todos esperando pacientemente el inicio de la actividad. El ambiente fue excelente. Yo venía decidido a narrar el curso de los acontecimientos cuando leí un artículo de Martina Andrés en El Periódico que lo explica maravillosamente bien y suscribo en un cien por ciento. Nos comenta en éste las pequeñas incomodidades de andar descalzos por pavimentos no diseñados para ello, las dificultades de la organización a la hora de lograr una distribución uniforme de los 11 colores de la bandera, las colas antes los wc portátiles y, a posteriori, la dificultad para retirarnos el maquillaje. Pero esos pequeños problemas se compensaban muy favorablemente con la educación, amabilidad, camaradería y alegría general. También la conciencia general de estar participando en un acontecimiento artístico único.
Ana y yo viajamos en barco, desde Tenerife, el día anterior y tuvimos la suerte de alojarnos en un hotel que se encontraba a sólo 5 minutos caminando del lugar de concentración. También estuvo otro compañero de la Asociación Naturista de Tenerife, NATURATEN, pero coincidimos poco: nosotros éramos «naranjas» y él «azul claro» (😀).
Pronto las redes se llenaron con fotografías del acontecimiento. La Provincia publicó una buena colección de las mismas, algunas de ellas reproducidas en este post. Siguiendo las instrucciones de Tunick no hicimos ninguna foto de la reunión; las que les muestro están tomadas de Internet y la única personal es el selfie posterior al evento.
Una vez finalizadas las «fotos oficiales»…
Laurence Edward (Suffolk, Reino Unido, 1967) es un escultor británico de prestigio internacional. HENI NEWS indica:
«Las monumentales figuras de bronce de Edwards suelen ser imponentes, impregnadas de una fisión emocional que deja su estado indefinido, encarnando una «acumulación de incertidumbres». Explora la tensión entre la potente fisicalidad y la ambigüedad psicológica de sus personajes, quienes con frecuencia aparecen sumidos en estados de fragilidad o incertidumbre. A diferencia de las representaciones heroicas tradicionales, sus figuras masculinas suelen presentarse como efímeras, vulnerables o desarraigadas, reflejando el arquetipo del hombre contemporáneo».
Sobre su método de trabajo, recojo un par de fragmentos de los comentarios vertidos en Wikipedia:
«Edwards comienza creando una figura humana de arcilla sobre una estructura metálica, que luego trabaja y expresa.[8] A medida que la arcilla se endurece, la escultura se modela enérgicamente y se impregna con materiales orgánicos. Cuando la arcilla se agrieta, se fija y repara con ramas, cuerda e hilo, antes de envolverla en trapos húmedos para crear superficies vivas».
[…] «Una vez moldeadas estas figuras, Edwards las reconstruye en cera y procede a examinar las superficies con llamas y cuchillos calientes, quemando más material orgánico y reforzándolas con palos y atándolas con hilo, evitando así que las delicadas formas se derrumben. Esto da como resultado una vulnerabilidad que a menudo contradice la aparente resistencia del bronce».
Pese a una magnífica colección de retratos desnudos que nos presenta WikimediaCommons, es casi imposible saber nada de la fotógrafa Sarah Marie Jones (Minnesota, USA). Sólo a través de su blog Lovers Bared que se limita a comentar: «Tengo veintitantos años y vivo con mi novio/modelo en Minnesota con dos perros y un pájaro.» Me parece interesante su particular mirada sobre el cuerpo masculino, lógicamente favorecida por la especial complicidad fotógrafa/modelo.
Jiri Anderle (Pavlikov, República Checa, 1936) es un pintor y diseñador checo cuya obra, próxima a la abstracción, muestra usualmente unos cuerpos desgarrados – como si un macabro cirujano hubiese intervenido en los mismos – que parecen diseñados para generar una angustia existencial en el espectador. Se comenta que su colaboración con el Teatro Negro de Jiří Srnec tiene un papel decisivo en su trabajo.
Stas Korolov (Biskek, Kirguistán, 1982) es un artista visual que trabaja en muchas técnicas desde Israel, país al que emigró en 1990 y donde, aparentemente, se encuentra nacionalizado. Según se aprecia en su CV su producción y difusión se encuentra bastante circunscrita a ese país, por lo que no resulta fácil encontrar comentarios críticos de su obra. En DeviantArt podemos leer:
«La práctica artística de Korolov abarca la pintura al óleo, el grabado, la fotografía, el videoarte y la instalación. Sus obras suelen explorar temas como la identidad, la memoria y la condición humana, fusionando narrativas personales con contextos culturales y políticos más amplios».
Euan Macleod (Christchurch, Nueva Zelanda, 1956) es un artista neozelandés que trabaja en Sidney. Sus obras tienden a ser oscuras, con un expresionismo casi abstracto en el que las figuras (y consiguientemente los sexos) tienden a confundirse con el entorno. La Galería Niagara comenta:
«Euan Macleod es conocido principalmente por sus expresivos paisajes en los que deambulan figuras, tanto reales como imaginarias. A través de su interpretación personal de los paisajes que ha observado, aborda preocupaciones universales como la pertenencia y la alienación, la humanidad y el medio ambiente, la memoria y la experiencia».
Su obra se encuentra bien representada en galerías neozelandesas, australianas y estadounidenses.
Con este sello se presenta la obra conjunta de dos escultores Joan Coderch Parés (Castellar del Vallés, Barcelona, Cataluña, España, 1959) y Javier Malabia Tabares (Oñati, Guipúzcoa, Pais Vasco, España, 1970) que trabajan juntos en Valencia desde el año 2015. Una colaboración que según dice la Galería Art9 «les llevó a emprender este nuevo proyecto que sigue los pasos de maestros de la figuración como Maillol, Rodin, Marini o Bourdelle«. Sus esculturas, de tamaños diversos (en ocasiones monumentales), están realizadas en bronce con distintas pátinas y parecen congelar un instante en el tiempo.
Pinterest me remite esta imagen que, según la IA de Google es obra de estos artistas, aunque no lo he podido constatar:
Reinata Sadimba (Nemu, Mueda, Mozambique, 1945) es una artista singular creadora de una cerámica de pequeño tamaño que mantiene las tradiciones de su etnia Makonde y, al mismo tiempo le imprime un elemento de modernidad. En Monoeuvre leemos:
«Ampliamente considerada como la ceramista contemporánea más importante del continente africano, Reinata Sadimba se inspira en la tradición folclórica de la etnia Makonde para crear objetos emotivos que son tan individuales como grupales: en sus obras, la sátira se apropia de la conservación, la crítica coexiste con la exaltación histórica y la reflexión se disfraza de ritualismo.
Es precisamente su profundo arraigo en las convenciones estéticas y culturales makonde lo que le permite subvertirlas con tanto cuidado. El surrealismo formal de sus creaciones es la materialización de lo fantástico que corre por sus venas, su piel y su interpretación».
En Wikipedia se nos presenta así su obra:
«En sus piezas utiliza arcilla, debido a su maleabilidad, y piedra caliza blanca y grafito, que le dan un color verde que caracteriza su trabajo. Crea frascos, ollas, sartenes así como piezas con formas antropomórficas, cuerpo, cara y escarificaciones o marcas culturales del grupo étnico Makonde. Sus obras tienen varios mensajes subyacentes: «de una jarra surgen dos bocas de mujer, en una vasija la serpiente o nyoka recrea la vida y la muerte que se enrolla en torno a una persona, las ollas tienen varias bocas y piernas y las figuras que suelen aparecer sin sexo se encuentran defecando». Muchas de las figuras que crea están vinculadas con cuentos, leyendas, dibujos y espíritus de la etnia Makonde y representan aspectos como la feminidad, la maternidad o el parto.
Carla Cerati (Bergamo, Italia, 1926-2016) fue una fotógrafa italiana que se especializó en fotografiar el mundo cultural, social y político de su tiempo, destacando los momentos íntimos. Realizó también destacadas fotografías de desnudo femenino. De las mismas, encuentro particularmente interesantes sus imágenes en blanco y negro de desnudos fragmentados, expuestos como paisaje corporal; pero también muestra obras de carácter diferente: espectáculo, sociedad…
Profesor universitario del área de Química Orgánica. Aficionado al arte, a la música clásica, la fotografía y la literatura. Nudista desde hace muchos años.
Este blog aúna esas dos pasiones: Desnudo y arte
